Ekologi Tidak Dikenal

Seperti apa rasanya mati? Sebuah pertanyaan yang menyatukan kita di segala usia, jenis kelamin, budaya dan waktu; kematian menjadi salah satu dari sedikit kepastian dalam kehidupan dan salah satu dari sedikit “terra incognitas” yang tersisa. Tetapi seberapa sering kita mempertimbangkan apa arti kematian bagi tubuh kita? Ini adalah titik tolak bagi duet artis Inggris Rebecca French dan karya baru Andrew Mottershead, Afterlife. Terdiri dari empat bagian, karya ini menawarkan serangkaian meditasi puitis yang intim tentang proses pembusukan tubuh, dua di antaranya saat ini dapat ditemukan di Whitworth Art Gallery di Manchester.

Woodland (2016) dan Grey Granular Fist (2017) adalah karya audio berbasis situs yang memandu pengunjung dalam perjalanan mendalam melalui tahapan imajiner, namun akurat secara ilmiah dari dekomposisi tubuh mereka sendiri. Woodland berpengalaman berbaring di selimut hangat di bawah kanopi pohon di taman Whitworth; membawa pendengar dari titik kematian setelah melalui fusi akhirnya dengan bumi dan fosilisasi ribuan tahun kemudian. Grey Granular Fist terungkap dalam salah satu dari tiga “kursi mendengarkan” yang dirancang khusus dengan hati-hati diposisikan di sekitar galeri, dan kursus efek dari kondisi udara yang dikendalikan dengan cermat yang dirancang untuk melindungi dan melestarikan karya seni sekitarnya dalam koleksi. Seiring berlalunya waktu, tubuh perlahan-lahan mengering, akhirnya menjadi tidak lebih dari setumpuk debu – terlepas dari upaya konservator.

Paradoksnya, setiap pertemuan terasa aneh. Praktik Prancis dan Mottershead memanfaatkan perpaduan video, kinerja, fotografi, dan suara untuk membangun narasi nyata di sekitar peserta, yang menjadi kolaborator aktif dalam menghasilkan karya. Dengan Afterlife, bahasa adalah unsur utama. Keempat skenario kematian (dua lainnya mengikuti tubuh yang membusuk sendirian di rumah dan di laut) diterjemahkan dalam istilah yang sangat visual, sensual yang masuk ke arsip pendengar sendiri tentang sensasi dan referensi tubuh yang akrab; membuat mereka pada dasarnya “hidup” apa yang sedang dijelaskan. Meskipun kadang-kadang sangat grafis, efek keseluruhan Afterlife sangat menenangkan dan membangkitkan semangat; semua cerita berakhir dengan perasaan kembali dan masuk kembali ke ekosistem alami.

Seperti yang dijelaskan Mottershead: “Gagasan untuk pekerjaan ini berasal dari kombinasi ketakutan pribadi yang terkait dengan kengerian sekarat dan tidak ditemukan, dan keingintahuan sederhana.” Pembusukan manusia sekarang sebagian besar asing bagi kita dalam masyarakat Barat modern. Ini adalah sesuatu yang terjadi di balik layar dan di kamar mayat rumah sakit yang bersih di mana risiko kesehatan masyarakat dapat dikelola. Namun di masa lalu, kematian adalah bagian dari kehidupan; almarhum sering disimpan di rumah selama periode berkabung sebelum penguburan dan disiapkan oleh anggota keluarga. Para seniman berkolaborasi dengan tim antropolog forensik, ekologi, dan konservator dalam mengembangkan setiap karya, dan meskipun dihadapkan dengan detail kecil pembusukan agak mengerikan, itu menusuk ketakutan kita akan hal yang tidak diketahui.

Di jantung kekuatan Afterlife, bagaimanapun, adalah undangan yang ditawarkannya untuk “melangkah melalui cermin” dan memasuki tempat yang kita semua akan tiba namun tidak pernah benar-benar tahu. Itu adalah “penegasan maut” sebagaimana dikatakan Mottershead; pada akhirnya merayakan milik kita pada jalinan yang lebih luas dari alam semesta – sesuatu yang sering kita lupakan.

Phillip Prodger

National Portrait Gallery meluncurkan retrospektif besar pada William Eggleston, termasuk survei lebih dari 100 karya yang merentang karir yang bersemangat dan sukses dari tahun 1960-an hingga saat ini. Bertindak sebagai salah satu pajangan paling luas dari gambar potretnya, Aesthetica bertemu dengan kurator pameran Phillip Prodger, untuk mendiskusikan kehidupan dan karya salah satu fotografer Amerika paling berpengaruh yang masih dipraktekkan saat ini.

A: Pameran ini tidak hanya bertindak sebagai retrospektif utama William Eggleston, tetapi juga berfungsi untuk memberikan foto-foto vintage hitam putih yang belum pernah dilihat sebelumnya dari tahun 1960-an yang diambil di dan di sekitar rumah seniman di Memphis, Tennessee. Apa yang dibawa oleh gambar-gambar ini ke pameran – mungkin pemahaman yang lebih baik tentang seniman itu sendiri atau proses di balik karya sebelumnya?

PP: Meskipun acara kami berfokus pada gambar orang, kami ingin menunjukkan sebanyak mungkin tentang daya cipta Eggleston yang luar biasa, yang mencakup tidak hanya fotografi hitam putih tetapi bekerja dengan kamera format besar, kamera mata-mata, dan video genggam. Gambar yang muncul dari seniman adalah tentang seseorang yang kreatif gelisah dan terus-menerus mengeksplorasi berbagai cara melihat dunia. Pekerjaan hitam dan putih tentu saja merupakan bagian penting dari itu. Hal lain adalah pokok bahasan, karena pada awal 1960-an ketika Eggleston bekerja secara eksklusif dalam warna hitam dan putih, ia membuat lebih banyak gambar orang daripada yang lain. Kemudian pada akhir 1970-an dan 1980-an ia terus memotret orang tetapi menjadi semakin tertarik memotret pemandangan, sketsa arsitektur dan juga menemukan objek.

A: Dia tidak diragukan lagi telah mempengaruhi sejumlah fotografer terkenal termasuk Martin Parr dan David Lynch. Ada apa dengan karya-karya khususnya yang begitu mudah diakses, dan menarik secara sinematis?

PP: Foto-foto Eggleston memiliki kualitas sulit dipahami yang membedakan karya seni terbaik — mereka menghargai tontonan berulang. Anda menyesapnya, dan menggulungnya di lidah Anda sedikit, dan rasa yang berbeda muncul. Dalam beberapa kasus, itu adalah komposisi yang cerdas, atau penggunaan warna yang cerdas. Tetapi bagi saya pribadi, bagian penting adalah sikap terhadap komposisi dan narasi. Begitu banyak foto Eggleston yang mengisyaratkan cerita tetapi tidak pernah menceritakannya. Dengan cara itu mereka bermain dengan ide-ide pengalaman dan ingatan yang membuat mereka merasa pribadi dan intim, tidak peduli siapa yang melihatnya.

A: Menampilkan berbagai subjek pribadi termasuk orang dan tempat yang memiliki resonansi terhadap fotografer, apakah Anda berpikir bahwa gambar tersebut menunjukkan rasa kepenulisan atau menurut Anda ada sesuatu yang universal yang dapat ditemukan di dalamnya terlepas dari lokasi atau kekhususan ?

PP: Pertanyaan kepenulisan sangat menarik karena meskipun Eggleston memiliki gaya yang tidak salah, dia bukan seseorang yang mudah dikalahkan. Banyak dari fotonya dibuat di Memphis, Tennessee dan Delta Mississippi di mana ia dibesarkan, dan saya kira pada satu tingkat mereka memberi tahu kami tentang orang-orang di tempat-tempat itu, pada periode waktu tertentu. Tetapi elemen dari mereka hampir bersifat insidentil, dan jika hanya itu yang mereka miliki, saya tidak berpikir mereka akan memiliki minat yang lebih luas. Saya melihat mereka menyampaikan hal-hal yang sangat manusiawi, yang penting di mana pun Anda tinggal atau apa pengalaman budaya Anda.

A: Bisakah Anda berbicara tentang teknik transfer pewarna Eggleston – bagaimana menurut Anda ini membantu untuk memajukan karirnya dalam hal pengakuan publik dan menemukan gaya tertentu di mana ia dapat berkembang?

PP: Eggleston mengadopsi transfer pewarna karena itu adalah teknik pencetakan warna dengan kualitas terbaik yang bisa dia temukan, dan palet serta perilakunya bekerja dengan baik dengan fotonya. Tapi dia tidak pernah bersikap kasar tentang teknik tertentu. Acara kami memiliki cetak Tipe-C, Polaroid, dan cetakan digital selain transfer pewarna. Pertanyaan yang lebih besar bagi saya adalah warna, dan bagaimana dia menggunakannya terlepas dari tekniknya. Ini mungkin tampak berlawanan dengan intuisi tetapi saya pikir warna memberinya izin untuk mengeksplorasi komposisi aneh dan tak terduga, pengaturan formal yang mungkin tidak berfungsi tanpa warna untuk melabuhkan mereka, bahkan menyatukannya. Ini adalah lapisan logika visual lain yang memberikan kehidupan gambar. Pemindahan pewarna adalah proses yang sangat indah dan istimewa, tetapi bukan itu yang membuat fotonya hebat.

Advokasi Sosial

Child’s Play menyatukan pameran foto, simposium, dan buku karya seniman Mark Neville, yang bekerja di persimpangan seni dan dokumenter. Kathleen Palmer, Kurator: Pameran & Tampilan di Foundling Museum, London, menjelaskan fungsi sosial fotografi, di samping kepentingan sosial dan rekreasi global.

A: Dari mana ide untuk pameran ini berasal, dan mengapa Anda berpikir bahwa permainan masa kecil adalah topik yang begitu penting – baik secara psikologis maupun sosial?

KP: Eksplorasi Mark Neville yang berkelanjutan atas fungsi sosial fotografi, dan penekanannya pada hasil sosial praktis untuk rakyatnya adalah hal yang wajar bagi Foundling Museum. Artis dari semua disiplin ilmu telah bekerja dengan dan mendukung Rumah Sakit Foundling sepanjang sejarahnya, dan kolaborasi dengan para seniman yang berkomitmen terhadap perubahan sosial tetap menjadi pusat dari praktik kami.

Bermain menawarkan manfaat signifikan bagi kesehatan fisik dan mental anak-anak, dan diakui dalam Konvensi PBB 1989 tentang Hak-hak Anak sebagai hak mendasar. Dalam menghadapi penghematan ruang fisik dan waktu untuk bermain anak-anak sedang diperas, tetapi ini bisa dengan mengorbankan menciptakan generasi orang dewasa dengan kesehatan yang buruk. Pada saat hingga 13 juta anak-anak terlantar secara internal sebagai akibat dari konflik bersenjata, dan ruang publik tradisional diprivatisasi, Child’s Play memperkuat tanggung jawab kami untuk memastikan bahwa anak-anak di seluruh dunia memiliki kesempatan penuh untuk bermain dan rekreasi.

A: Bagaimana Mark Neville menanggapi masalah ini?

KP: Tanggapan Neville mencakup pameran foto-fotonya, sebuah buku yang dibuat untuk penyebaran yang ditargetkan, dan simposium Space to Play. Semua memiliki satu tujuan: untuk meningkatkan kondisi bagi anak-anak untuk bermain. Pameran ini menghadirkan serangkaian foto anak-anak yang bermain di berbagai lingkungan di seluruh dunia. Ini termasuk foto yang diambil di komunitas dari Port Glasgow ke London Utara, dan di zona perang Afghanistan dan Ukraina. Gambar-gambar baru anak-anak terlantar di Ukraina; penduduk Kakuma, kamp pengungsi kedua terbesar di Kenya; dan penggambaran anak-anak yang bermain di taman bermain petualangan London, dibuat khusus untuk proyek ini.

Buku Neville menyajikan gambar-gambar dari pameran bersama dengan ikhtisar pekerjaan inovatif di bidang permainan anak-anak, untuk meningkatkan kesadaran akan pentingnya dan untuk memusatkan perhatian pada bagaimana kondisi bagi anak-anak di Inggris dapat ditingkatkan. Untuk secara langsung berdampak pada pemikiran pemerintah dan publik, Neville telah mengirimkan 700 salinan buku ini secara gratis ke perencana kota, anggota parlemen, pekerja permainan, pembentuk opini, pembuat kebijakan utama, quango, think tank, pakar lainnya di bidang ini dan untuk masing-masing dari 433 dewan lokal di Inggris. Simposium baru-baru ini berhasil menyatukan para ahli dan praktisi dari berbagai perspektif termasuk arsitektur dan desain perkotaan, organisasi dan penyedia permainan, dan psikolog untuk bertukar ide dan mengembangkan strategi bersama untuk aksi dan advokasi.

A: Bagaimana menurut Anda pameran ini meningkatkan kesadaran akan isu-isu global yang penting dan perdebatan seputar hak-hak universal?

KP: Proyek ini secara keseluruhan bertujuan untuk meningkatkan kesadaran, dan tindakan cepat untuk mengadvokasi dan mempromosikan penyediaan permainan untuk anak-anak di Inggris pada khususnya. Namun pameran ini mengambil perspektif global tentang subjek dan pentingnya permainan sebagai hak universal untuk anak-anak yang diakui oleh PBB. Neville mempertimbangkan dengan sangat hati-hati pencantuman foto-foto anak-anak yang diambil dalam konteks perang dan pemindahan di Afghanistan, Ukraina dan Kenya, dalam sebuah pameran yang berpusat pada hak anak-anak untuk bermain di Inggris. Dia menyimpulkan bahwa gambar-gambar ini penting; dalam beberapa cara mereka mengkalibrasi ulang makna dan signifikansi permainan. Mereka mengungkapkan dorongan universal untuk bermain bahkan dalam situasi yang paling menantang, dan kontribusi yang dapat dilakukan bermain untuk kemampuan anak-anak untuk mengatasi dan pulih dari trauma.

A: Mengapa Anda berpikir bahwa pertunjukan itu sangat relevan sekarang karena populasi pengungsi dan konflik bersenjata?

KP: Ini adalah masa perubahan dan ketidakpastian, dengan perubahan signifikan dalam geopolitik seperti Brexit dan arah politik baru Amerika Serikat di bawah Donald Trump. Namun sayangnya ada kesinambungan dalam konflik di Suriah, Irak, Afrika Utara dan Ukraina yang menciptakan pengungsi dan perpindahan internal dalam skala besar. Anak-anak sangat rentan dalam situasi ini, dan dimasukkannya foto-foto yang merefleksikan isu-isu global ini dalam pameran menyoroti dampaknya terhadap anak-anak dan mencerminkan pekerjaan untuk berteduh dan mendukung mereka.