Pameran berani

Cécile Schall mendirikan fotofever lima tahun lalu. Dia didorong oleh tiga motivasi: hasrat untuk fotografi yang diceritakan oleh sejarah keluarganya selama beberapa generasi; penghormatan terhadap galeri yang mempromosikan seniman muda di pasar seni; dan keyakinan bahwa mengoleksi adalah tindakan dukungan untuk kreasi artistik. Edisi terbaru pameran ini diluncurkan pada 11 November dan berlanjut hingga 13 November dengan serangkaian proyek inovatif baru untuk mempromosikan koleksi seni kontemporer dan untuk menampilkan bakat yang muncul dalam bidang fotografi. Kami berbicara dengan Schall untuk mendapatkan wawasan lebih lanjut tentang etos fotofever.

A: Sebagai pekan fotografi independen, fotofever mengusulkan agenda yang berani dan berwawasan ke depan. Apa yang menarik Anda ke karya seniman dan apa yang akhirnya mengarahkan Anda untuk memilih galeri yang mewakili mereka untuk pameran?

CS: Hanya galeri yang dipilih untuk berpartisipasi namun kami sebagian besar memilihnya dari artis yang mereka wakili dan promosikan. Kami mengembangkan hubungan jangka panjang dengan galeri dan seniman, dengan beberapa telah menjadi bagian dari fotofever sejak awal.

Kami ingin adil menampilkan masa depan dan keragaman fotografi: Anda dapat melihat seniman muda dan yang baru muncul, sebagian besar pada tahap awal karir mereka, sebelum mereka terlihat di tempat lain. Mereka datang dari seluruh dunia dan masing-masing memiliki visi tunggal dan penggunaan fotografi!

Mereka semua telah ditemukan dan diungkapkan oleh galeri, dan mereka hanya menyajikan karya seni asli, yaitu direproduksi dalam tidak lebih dari 30 edisi terbatas dalam semua format yang disertakan.

A: Pameran ini memiliki misi pendidikan untuk meningkatkan akses ke keragaman fotografi kontemporer. Bagaimana Anda mencapai tujuan ini?

CS: Aspek pendidikan adalah sesuatu yang benar-benar penting bagi kami, untuk semua usia, anak-anak kecil hingga kolektor berpengalaman, kami tidak pernah terlalu tua atau muda untuk belajar. Untuk anak-anak ada lokakarya gratis, ‘les p’tits collectionneurs’ (kolektor kecil), ini gratis untuk anak-anak berusia 6-12 tahun, yang datang ke pameran sebagai bagian dari kunjungan keluarga. Lokakarya ini bertujuan mendidik mata mereka dengan melihat fotografi sebagai objek seni dan bukan hanya gambar, terutama dengan memperkenalkan mereka pada proses kreatif di balik karya seni fotografi.

Tahun ini kami juga telah menginvestasikan banyak ke dalam program ‘mulai mengumpulkan’ yang didedikasikan untuk promosi seni koleksi. Ini ditujukan untuk pengunjung yang telah mempertimbangkan mengumpulkan seni tetapi belum tahu harus mulai dari mana atau belum berani membeli. Setiap pengunjung akan menerima panduan kolektor 32 halaman dan akan dapat berpartisipasi dalam program tur dan pembicaraan yang kaya. Selain itu untuk membantu calon kolektor ini, tidak hanya harga karya seni yang ditandai dengan jelas di pasar malam tetapi stiker kuning ‘mulai mengumpulkan’ juga terlihat di sebelah setiap karya seni dengan harga kurang dari 5.000 Euro.

Kami ingin mendorong para pecinta seni untuk membawa gairah mereka ke tingkat berikutnya. Mengagumi karya seni adalah satu hal tetapi mengoleksi sangat penting untuk kelangsungan penciptaan seni. Dalam dunia yang semakin fokus pada komunikasi gambar, fotografi adalah titik masuk terbaik untuk pengumpulan seni, tidak hanya dari segi harga tetapi juga secara estetika.

A: Apa yang bisa dilihat pengunjung di edisi tahun ini? Apakah ada fitur baru yang harus diwaspadai?

CS: Dua fitur terbaru dan paling mencolok tahun ini akan terlihat di pintu masuk dan melalui denah lantai yang inovatif. Pintu masuk di fotofever paris 2016 telah diubah menjadi apartemen seorang kolektor. Ruang ini didedikasikan untuk apartemen konseptual di mana pengunjung dapat membuat diri mereka nyaman dan melihat bagaimana koleksi fotografi dapat bekerja di rumah. Pilihan lebih dari 50 karya seni dari peserta pameran kami, dipilih dan dikuratori oleh Stéphane Baumet, direktur Artistik fotofever, akan dipamerkan di sekitar empat tema: potret, lukisan yang masih hidup, lanskap, dan “di luar kenyataan”.

Setelah apartemen ini, pengunjung akan mengalami denah lantai yang inovatif yang terdiri dari pola zig-zag yang akan mendorong kunjungan yang lebih lancar dan terbuka, memungkinkan pertukaran yang tidak rumit dan dapat diakses antara 70 peserta pameran kami dan publik, cerminan sejati dari nilai keterbukaan nilai fotofever. .

Erwin Olaf

Setiap tahun, House of Ruinart menyoroti karya seorang seniman dan mengundang mereka untuk berkolaborasi. Tahun ini Erwin Olaf terpilih. Pada usia 57, ia sekarang menjadi fotografer dan artis yang diakui secara internasional. Pada kunjungan pertamanya ke Reims, Erwin terpesona dan terkesan oleh kedalaman dan luasnya krayon, dan memutuskan untuk berkonsentrasi pada rincian formasi alami prasejarah mereka dan jejak yang ditinggalkan oleh manusia. Karyanya dipamerkan di Pameran Seni Frieze 2016 di London. Kami bertemu dengan artis untuk mendiskusikan kemitraan dan karya yang dipamerkan.

T: Dapatkah Anda mendiskusikan gagasan kolaborasi dalam hal pekerjaan Anda sendiri dan sebagai seniman secara umum; bagaimana pengaruhnya terhadap pengembangan kreatif Anda?

EO: Itu tergantung setiap kali pada pertanyaan dan kolaborasi, tetapi ketika itu berjalan dengan baik, ketika Anda memiliki kolaborasi yang baik itu membuka pintu baru di pikiran Anda, Anda mendapatkan ide-ide baru Anda melihat secara berbeda pada pekerjaan Anda sendiri dan mereka mendorong Anda dalam arah ke arah yang tidak pernah Anda harapkan. Tetapi di sisi lain Anda juga memiliki kolaborasi yang merupakan mimpi buruk!

T: Mengapa Anda memilih untuk bekerja sama dengan House of Ruinart dan apa yang ingin Anda capai bersama?

EO: Mungkin untuk menjawab bahwa lebih baik menceritakan sebuah cerita pendek; tentu saja saya adalah seorang fotografer dari orang-orang dan situasi di mana manusia berada. Di sinilah kita mulai, ketika Ruinart meminta saya untuk merenungkan warisan mereka. Dan setengah jalan mengerjakan ide ini ternyata saya tidak suka semuanya dan saya bisa memasukkan ini ke selokan dan mulai dari awal lagi. Saya berakhir dengan fotografi abstrak berdasarkan jejak manusia atau alam yang telah ditinggalkan di ruang bawah tanah Ruinart dan mereka memungkinkan saya untuk menjelajahi bidang yang sama sekali baru bagi saya.

T: Karena banyak dari karya Anda berfokus pada detail visual dan pencahayaan, bagaimana lanskap crayères memengaruhi proses Anda untuk bekerja?

EO: Cahaya dalam seri ini cukup gelap, karena ketika saya menemukan keajaiban di ruang bawah tanah dan semua jejak itu, saya berpikir dengan baik saya harus menemukan teknik yang melakukan keadilan terhadap atmosfer di ruang bawah tanah itu sehingga saya ingin memiliki ide lampu sorot. Jadi, hanya satu lampu yang berfungsi sebagai obor, ini bagi saya agak baru, hanya untuk memiliki satu lampu, karena sebagian besar waktu saya memiliki banyak lampu di belakang kamera. Kali ini hanya satu lampu, satu kamera, dan satu asisten. Jadi cahaya ini bagi saya agak referensial.

A: Dengan 26 foto, bagaimana Anda mendekati gaya untuk karya dalam hal komposisi dan subteks?

EO: Ya saya ingin melakukan ini, ini cukup banyak foto, 26, tapi saya memilih untuk melakukan ini karena saya ingin pengunjung merasakan atmosfer ruang bawah tanah yang Anda tahu, ada ketegangan luar biasa di setiap sudut yang Anda lihat, setiap kali Anda menoleh. Ada begitu banyak hal untuk ditemukan, kadang-kadang sangat kecil, kadang-kadang sangat besar dan kadang-kadang Anda hampir kehilangan keajaiban ruang bawah tanah. Jadi saya ingin membuat sesuatu yang ketika Anda melihat semuanya bersama-sama Anda merasa seolah-olah Anda berjalan di ruang bawah tanah itu. Tentu saja waktu harus memutuskan apakah semua 26 adalah mahakarya. Tapi itu adalah satu karya seni yang harus Anda lihat, itu adalah satu hal, lihat; ini adalah satu suasana yang Anda lihat.

T: Ada apa dengan sejarah tempat yang mengundang Anda sebagai seorang seniman yang mengabadikan dan mendokumentasikan momen melalui sinematografi?

EO: Itu pertanyaan yang sangat bagus. Saya mencoba, dan saya pikir, bagi saya itu terlihat agak mudah ketika Anda bekerja dengan orang-orang, tetapi set selalu rumit dan Anda perlu banyak teknik. Pada awalnya saya merasa seolah-olah tidak memilikinya. Karena saya akan mengambil foto tembok dan berpikir “Saya memilikinya” dan kemudian saya pulang dan berpikir “hmm.” Semua itu adalah enam kunjungan yang kami bayarkan, dan setiap kali memotret lebih dari satu hari . Kemudian benar-benar menyusun menyusun semuanya, dan kemudian “tidak, saya harus kembali.” Jadi itu cukup rumit untuk dicapai, tetapi pada akhirnya saya pikir saya mencapai untuk menciptakan sesuatu yang mewakili suasana di ruang bawah tanah dan sejarah dari gudang itu.

T: Dapatkah Anda mendiskusikan gambar yang memberikan penghormatan kepada Alphonse Mucha; bagaimana artis memengaruhi pekerjaan Anda?

EO: Ya, itu film pendek yang menyertai rangkaian foto ini. Mucha banyak bekerja dengan garis-garis hitam yang kuat dari periode Art Nouveau, yang banyak bekerja dengan garis-garis hitam dan gambar komik dan itulah yang saya coba tiru dalam beberapa foto. Itu hanya titik awal dan saya meninggalkan titik awal dengan sangat cepat.

A: Karya Anda dipajang di Frieze Art Fair; Menurut Anda, bagaimana memamerkan karya di pekan seni yang bergengsi itu diterima?

EO: Itu adalah pujian untuk berada di sana dan membandingkannya dengan seni yang telah ada di sini selama sepuluh tahun dan telah dilihat sebagai karya agung. Saya tidak berani menebak saya tidak ingin menjadi hakim saya sendiri atas pekerjaan saya! Saya akan serahkan itu pada para pengunjung.

Dialog Intim

Ada apa dengan makhluk lain yang mengundang tatapan? Dalam sebuah portofolio yang selesai menjelang akhir kariernya, Diane Arbus mengundang kita untuk melihat, tanpa terhalang dari batasan masyarakat, pada gambar-gambar yang diambilnya dari normalitas yang jika tidak akan dianggap sebagai marjinal. Dengan melakukan hal itu, ia menciptakan ruang untuk dialog yang intim sambil menyucikan privasi rakyatnya. Arbus, tidak seperti yang lain, menemukan keanehan dalam kehidupan sehari-hari dan sehari-hari di keanehan, membawa pemirsa sehari-hari menjadi dekat dengan eksentrik, atau mungkin eksentrisitas mereka sendiri.

Kembali pada tahun 1971, fotografi, mungkin, dianggap kurang serius sebagai bentuk seni dibandingkan dengan metode tradisional lainnya. Namun demikian, foto-foto 10, kadang 11, format persegi dari beberapa orang yang paling terpinggirkan dalam masyarakat inilah yang mengubah segalanya. Arbus menjadi fotografer pertama yang tampil di Artforum. Cukup mengharukan, ia menyelesaikan delapan set cetakan, hanya empat di antaranya ia berhasil menjual – keluar dari edisi yang direncanakan 50 – hanya beberapa bulan sebelum mengambil nyawanya sendiri. Secara anumerta, ia pertama kali menjadi fotografer pertama yang tampil di Venice Biennale, pada tahun 1972, menikmati kesuksesan yang jauh lebih banyak daripada selama masa hidupnya, ketika ia sering kesulitan menemukan pekerjaan (berbayar).

Menengok ke belakang, tampaknya tidak percaya bahwa butuh waktu lama untuk fotografi untuk mendapatkan pengakuan yang tepat sebagai “seni serius.” Pendahulu dan orang seusia Arbus termasuk orang-orang seperti Jacques Henri Lartigue, Weegee, Ansel Adams, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson dan Robert Frank . Apakah mereka digolongkan sebagai seni murni atau tidak, mereka terus maju dengan visi unik mereka sendiri. Apa itu, kemudian, tentang gambar eksentrik Arbus yang membuatnya sangat inovatif?

Kedekatan dan kerataan mengejutkan mereka, misalnya. Hampir tidak mungkin untuk mengambil pandangan pertama tanpa ditarik kembali untuk mengamati subjek yang menatap Anda kembali, atau untuk mengamati detail menit yang hanya bisa diungkapkan oleh fotografi, seperti tanda kaki seorang waria, mata yang baru saja dicukur jenggot dan mata seperti kaca, atau permainan. cahaya dan bayangan di ruang tamu pasangan nudis dan di lipatan tubuh mereka yang menua. “Mereka adalah bukti bahwa ada sesuatu di sana dan tidak ada lagi. Seperti noda, ”Arbus pernah menulis. “Dan keheningan mereka membingungkan. Anda bisa berpaling tetapi ketika Anda kembali mereka akan tetap ada di sana menatap Anda. ”

Sang fotografer mengembangkan teknik pencetakan eksperimental dengan garis tepi lembut sambil mengerjakan satu kotak berisi sepuluh foto, gambar yang tampaknya meleleh atau larut ke dalam kertas untuk membuatnya tampak jauh lebih nyata. Dalam karya sebelumnya, ketika menggunakan film 35mm dan bahkan ketika dia mulai menggunakan kamera format medium dengan film 120mm, New Yorker membuat cetakan yang gambarnya memiliki tepi tajam dan batas lebar. Dia kemudian menggunakan batas hitam tidak teratur untuk membingkai gambarnya mulai sekitar tahun 1965, sebuah gaya yang akhirnya dia tinggalkan ketika itu menjadi lebih populer.

Yayasan Visioner

Design Week Mexico (DWM) telah mengumumkan programnya untuk edisi kesembilan, dengan 13 platform yang beragam mempromosikan bidang ini sebagai alat untuk pembangunan ekonomi, sosial, budaya dan lingkungan. Tahun ini ibu kota telah mengundang Swiss sebagai negara tamu untuk merayakan peringatan ke-70 hubungan diplomatik yang kuat. Satu sisi kolaborasi di Museo de Arte Modern menghadirkan desain Swiss selama 100 tahun, eksplorasi holistik warisan Nordic mereka. Koleksi ini juga akan fokus pada pengaruh internasional mereka, dengan menekankan proyek melintasi kedua negara tuan rumah. Karya-karya dari Hannes Meyer, direktur sebelumnya dari sekolah Bauhaus yang menghabiskan satu dekade tinggal dan bekerja di Meksiko, serta Uzeyel Karp kelahiran Meksiko, yang menghabiskan sebagian besar karirnya di Swiss sebelum kembali ke negara asalnya, dipajang .

Sebelum akreditasi 2018-nya sebagai kota Amerika pertama yang dianugerahi kehormatan World Design Capital, acara tersebut bertindak sebagai contoh wawasan tentang kredensial Meksiko. Tema menyeluruh dari jadwal 2017 mencakup praktik yang bertanggung jawab secara sosial yang menyoroti lintasan inovator terkemuka. Komitmen DWM terhadap upaya jangka panjang desain dan arsitektur telah membenarkan penilaiannya dan memungkinkan acara-acara tahunan menjadi titik pertemuan bagi para raksasa industri. Paviliun arsitektur utama diadakan di kebun-kebun Museo Tamayo, misalnya, rumah karya studio Materia berbasis endemik. Mirip seperti Paviliun Serpentine London, struktur sementara dimasukkan ke dalam lingkungan sekitarnya, termasuk museum seni kontemporer dan Bosque de Chapultepec.

Direktur Jenderal Emilio Cabrero menyatakan: “Hari ini, World Design Capital menghadirkan kesempatan untuk menantang dan menunjukkan kemampuan kami untuk menggunakan solusi desain untuk mengatasi tantangan sosial dan perkotaan yang dihadapi kota kami.” Salah satu tantangan tersebut adalah melindungi produk dari sejarah budaya negara tersebut. sementara membuat ruang untuk peresmian arahan muda. Menanggapi hal ini, negara bagian timur tengah Puebla telah dipilih sebagai Negara Tamu edisi ini. Terkenal dengan tradisi seni rakyatnya yang kaya, rangkaian karya ini berpusat pada gaya tembikar, kaca, dan tekstil asli Mayolica. Visión & Tradición telah menawarkan tempat tinggal bagi orang-orang sezaman yang baru muncul untuk berkolaborasi dengan pengrajin lokal, sehingga menyelaraskan komunitas kreatif di masa lalu dan masa depan. Hasil penggabungan ini dipamerkan di Museo Tamayo bersama Inédito, koleksi bakat segar dari berbagai studio Meksiko, dengan bagian yang didedikasikan untuk penghargaan desain Swiss.

Material Kedewasaan

Dalam pidato penerimaannya untuk Hadiah Pritzker pada 2013, arsitek Jepang kontemporer Toyo Ito menunjukkan kerendahan hati dan kemurahan hati ketika dia menyatakan bahwa “membuat arsitektur bukanlah sesuatu yang dilakukan sendirian; kita harus diberkati dengan banyak kolaborator yang baik untuk mewujudkannya. ”Sebuah pameran baru di MoMA yang mengeksplorasi arsitektur Jepang, A Constellation Jepang: Toyo Ito, SANAA dan Beyond, berupaya untuk memberikan gambaran yang lebih lengkap dan lebih bulat tentang upaya sosial dan kolaboratif dari upaya sosial dan kolaboratif dari arsitektur kontemporer, mengeksplorasi ide-ide pengaruh dan komunitas.

Seperti judulnya, A Constellation Jepang: Toyo Ito, SANAA dan Beyond melangkah lebih jauh dari sekedar menyajikan karya arsitek individu dan bukannya berfokus pada beberapa impuls dan estetika yang dibagikan oleh sekelompok arsitek kontemporer terpilih dan mendasari praktik mereka. Seperti Pedro Gadanho, mantan Kurator Arsitektur Kontemporer di MoMA, dan Direktur Museum Seni, Arsitektur, dan Teknologi (MAAT) saat ini di Lisbon, berkomentar: “Saya ingin mempertanyakan status pertunjukan monografi sebagai format yang paling diinginkan untuk mempresentasikan karya arsitek. Saya menganggap ini sebagai ‘monograf yang diperluas’ di mana fokusnya adalah pada hubungan dan pengaruh yang dimiliki sejumlah orang terpilih. Dalam hal ini, ini bukan acara ‘nasional’, tetapi berhubungan sangat tepat dengan garis keturunan arsitek yang diberikan, dan apa yang menjadi jelas sebagai bahasa formal bersama. ”

Salah satu batu penghubung yang dimiliki bersama oleh orang-orang kreatif ini adalah lingkungan yang bisa disebut Post-Metabolisme. Metabolisme adalah momen ambisi dan optimisme untuk arsitektur di Jepang yang berumur pendek setelah perang, di mana arsitek seperti Kiyonori Kikutake, Kisho Kurokawa dan Fumihiko Maki merancang manifesto teoretis, dan merancang proyek hipotetis seperti kompleks perkotaan yang luas yang mengapung di atas air dan plug -di menara kapsul yang bisa menggabungkan pertumbuhan organik. Gerakan itu sendiri hanya menghasilkan beberapa bangunan yang sesuai dengan ambisi penulisan dalam manifesto mereka sebelum menghilang karena jatuhnya ekonomi tahun 1970-an. Namun demikian, gema gerakan ini selalu hadir dalam karya, misalnya, Ito, yang posisi pertamanya adalah dengan praktik Kiyonori Kikutake.

Sementara Metabolisme adalah gerakan yang ditentukan sendiri, pameran ini menunjukkan lingkungan kontemporer yang jauh lebih cair. Pengertiannya adalah jaringan spesifik arsitek yang berbagi bahasa profesional dan secara intrinsik terkait dalam peran mereka sebagai mentor, mahasiswa, dan kolega. Gadanho mengatakan niatnya bukan untuk menyarankan semacam sekolah formal atau gerakan yang ditentukan sendiri, “tetapi bagaimana suasana saling mendukung lintas generasi dan pengaruh telah mendorong konteks intelektual dan sikap bersama terhadap kemampuan arsitektur untuk mendorong perubahan sosial.”

Rumah Kazuyo Sejima di Hutan Plum (1999-2004) adalah contoh dari proyek yang relatif sederhana yang menunjukkan inovasi teknis dan pendekatan puitis dan estetika terhadap ruang. Sebagai seorang arsitek, Sejima, setengah dari praktik pemenang Penghargaan Pritzker SANAA, dikenal karena ringannya sentuhan; dia menghindari virtuoso berkembang demi kesederhanaan yang elegan. Bangunan itu adalah kotak putih dengan beberapa celah atau potongan jendela yang tampaknya serampangan. Ini adalah ekspresi kesopanan dan kehadiran, terletak di sebuah situs kecil seluas 92 meter persegi, di mana bahkan detail pintu seperti sekering hampir tak terlihat ke dinding. Menggunakan lembaran baja untuk dinding, Sejima mampu menciptakan kesan di mana dinding internal dan eksternal memiliki ketebalan yang sama, dan sementara aman, tampak tanpa bobot. Secara internal, tidak ada ruang yang sepenuhnya tertutup dari yang lain dan rumah ini menantang gagasan privasi sambil mencerminkan cara hidup keluarga modern.

Gadanho percaya bahwa proyek seperti ini mencerminkan fakta bahwa ada lebih banyak peluang bagi arsitek kontemporer untuk bekerja pada skala yang lebih kecil dan dengan cara yang lebih inovatif di Jepang daripada di AS. “Ada sektor korporat yang sangat mirip di kedua negara, yang bisa Anda sebut arsitektur internasional baru, yang menurut saya tidak menarik. Di Jepang, ada juga ruang lingkup yang lebih luas untuk praktik eksperimental yang lebih kecil yang bertahan – dan memang berkembang dalam hal kualitas arsitektur semata-mata berdasarkan komisi swasta, sesuatu yang tampaknya tidak berkelanjutan secara ekonomi di AS. Dalam hal ini, dan mengabaikan pengecualian yang jelas di Amerika Serikat, arsitektur kontemporer di Jepang telah menjadi jauh lebih referensi dalam hal inovasi spasial yang telah dapat dibuat selama beberapa dekade terakhir. ”

Beberapa proyek SANAA yang paling ambisius adalah gedung-gedung publik seperti New York’s New Museum yang ikonik (2003- 2007), Lausanne’s Rolex Learning Center (2005-2010) dan 21th Century Museum Kanazawa (2004), yang secara khas mengeksplorasi bentuk-bentuk sederhana, memodulasi dan menggabungkannya untuk menciptakan pengalaman spasial yang kompleks.

Wawasan Asia

Art Hong Kong yang kelima edisi Hong Kong menyambut 242 galeri ke Hong Kong Convention and Exhibition Center (HKCEC) dari 23 Maret hingga 25 Maret. Acara 2017 melihat peserta pameran dari 34 negara dan wilayah datang ke kota. Karya-karya mulai dari awal abad ke-20 hingga saat ini akan dipajang, dan setengah dari peserta pameran memiliki ruang di Asia dan kawasan Asia Pasifik, termasuk Jepang, Singapura, Korea Selatan, dan Taiwan – menjadikan pameran ini sebagai platform seni yang tak tertandingi dari wilayah ini. Ini membanggakan sejumlah besar galeri dari Hong Kong itu sendiri, serta daratan Cina.

Dipimpin oleh mitra UBS, acara mendatang meluas pada program tahun lalu dengan mengundang 29 galeri baru dari Asia, Eropa dan Amerika. Untuk pertama kalinya, Art Basel juga akan memperkenalkan sektor Kabinett ke pertunjukannya di Hong Kong, yang telah sukses besar di Art Basel Miami Beach. Kabinett melihat galeri menghadirkan proyek yang dikuratori secara khusus di area terpisah di dalam gerai mereka, mulai dari pertunjukan satu orang, pameran kelompok tematik, instalasi, program film / video hingga koleksi bahan sejarah seni.

Galeri sektor utama akan menampilkan 190 peserta pameran yang berspesialisasi dalam seni modern dan kontemporer dan berbagai media termasuk lukisan, patung, gambar, instalasi, fotografi, video, dan karya-karya edisi. Peserta pameran kembali setelah absen singkat termasuk Karma International, Timothy Taylor dan Galerie Daniel Templon. Sektor Galeri akan melihat Antenna Space dan Kraupa-Tuskany Zeidler menghadirkan stan bersama dalam kolaborasi yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk dua galeri muda.

Wawasan akan didedikasikan untuk proyek-proyek kuratorial oleh 27 galeri, yang delapan di antaranya benar-benar baru di pameran, dan akan menampilkan pertunjukan solo, materi sejarah, dan pameran kelompok tematik. Sektor ini menggambarkan sejarah seni Asia dengan menghadirkan karya seniman dari Asia dan wilayah Asia Pasifik. Edisi ini menampilkan pilihan karya Modern serta presentasi yang kuat dari seniman kontemporer Tiongkok. Sorotan termasuk karya-karya oleh empat anggota kelompok avant-garde Taiwan Fifth Moon.

Pada 2017, Discoveries menghadirkan pilihan pameran tunggal dan dua orang: 12 dari 25 galeri yang berpartisipasi akan menjadi barang baru bagi Art Basel Hong Kong. Pameran-pameran utama termasuk serangkaian lima lukisan digital karya Petra Cortright (lahir 1986) tentang aluminium anodisasi yang disajikan oleh Société; dan Ishu Han (lahir 1987) bermuatan politis, fotografi dan melukis memeriksa hubungan antara individu dan masyarakat di Urano.

Kolaborasi BMW dengan Art Basel untuk mendukung seniman yang baru muncul, BMW Art Journey, terbuka untuk seniman yang ditampilkan dalam sektor Discoveries di Hong Kong dan dalam sektor Posisi di Miami Beach. Artis Inggris Abigail Reynolds (lahir 1975), diwakili oleh Rokeby, yang merupakan penerima penghargaan pada 2016, tahun ini akan menghadirkan The Ruins of Time: Lost Libraries of the Silk Road sebagai puncak dari pengalamannya. Di tempat lain, sektor Encounters, yang didedikasikan untuk karya-karya dengan proporsi kelembagaan, melihat Alexie Glass-Kantor, Direktur Eksekutif Artspace, Sydney, menyusun program instalasi dan kinerja patung.

Jullia Fullerton

A: Apa yang pertama kali membuat Anda tertarik untuk membuat seri yang kontroversial seperti itu?

JF-B: Sejak laki-laki gua menghiasi dinding gua mereka, aksi seks telah menjadi bagian dari seni, primitif atau lainnya, dan terutama seni rupa. Saya tidak menganggap Undang-Undang itu sebagai hal yang sangat kontroversial, apalagi itu bukan maksud saya. Tetapi setelah mengatakan bahwa saya berkonsentrasi pada menghindari pengambilan gambar adegan yang terlalu cabul, dan gambar mungkin erotis, seperti yang saya maksudkan, tetapi tidak pornografi.

Alasan latar belakang untuk memiliki ide untuk UU ada dua. Ketika saya pertama kali terlibat dalam fotografi seni rupa, saya memotret serangkaian proyek yang berkaitan dengan perkembangan seorang gadis remaja pra-puber menjadi dewasa. Saya mengikutinya melalui berbagai tahapan dalam hidupnya – menyesuaikan diri dengan perubahan fisik dan emosional dan dalam masyarakat, hubungannya dengan lawan jenis dan jenis kelaminnya sendiri serta dengan ibunya, yang kemudian masih pengalamannya dengan cinta tak berbalas. Karya terbaru saya telah membahas komentar sosial tentang berbagai hal yang berkaitan dengan masyarakat di masa lalu dan hari ini. Saya miliki dalam The Act yang menggabungkan kedua tema ini menjadi satu. Saya telah mengembangkan perkembangan remaja kita hingga kedewasaan seksualnya dan menjalin ini dengan pandangan tentang industri seks di Inggris, atau lebih khusus lagi wanita yang terlibat di dalamnya.

Mungkin tidak ada yang lebih ekstrem saat ini daripada pemikiran wanita dalam industri seks untuk merangsang proses pemikiran kita pada aspek khusus kehidupan saat ini. Kita dikelilingi oleh jenis kelamin dalam satu atau lain bentuk – sindiran verbal, iklan, teater, film, TV, pornografi online. Saya memutuskan untuk mempertimbangkan kedua aspek seksualitas perempuan ini dalam satu proyek. UU itu lahir.

Itu ternyata menjadi proyek besar. Ini memerlukan memotret model yang menjalankan peran mereka sebagai pekerja seks dan mengambil potret mereka, serta mewawancarai mereka dan merekam “cerita” mereka dalam teks dan video. Ini bisa dianggap sebagai studi sosiologis dari segmen kecil, tetapi menantang masyarakat saat ini.

A: Bisakah Anda berbicara sedikit tentang bagaimana Anda mendekati model Anda dan bagaimana Anda memasukkannya ke dalam masing-masing komposisi mewah mereka

JF-B: Undang-undang ini tentang wanita yang menggunakan tubuh dan seksualitas mereka untuk mencari nafkah, dan bagaimana perasaan mereka tentang hal itu. Saya cukup terbiasa dengan industri seks sebelum saya mulai mengerjakan proyek dan harus melakukan banyak penelitian tentang itu. Saya tidak punya ide sedikit pun bagaimana mencari model yang bekerja di industri dan akhirnya menyewa dua sutradara casting untuk membantu saya. Kami mencari berbagai wanita yang terlibat dalam “profesi” yang berbeda karena saya merasa bahwa “cerita” mereka akan bervariasi dan akan mengatakan lebih banyak.

Saya bertemu dan memotret berbagai calon model. Kami duduk dan mengobrol dan saya belajar banyak tentang mereka, latar belakang mereka, bagaimana mereka terlibat dalam bisnis dan bagaimana perasaan mereka tentang apa yang mereka lakukan. Saya terkejut menemukan betapa berpendidikan dan mengartikulasikan mereka semua. Mereka senang dan bangga dengan apa yang mereka lakukan. Di masa lalu, karena saya belum pernah bertemu atau berbicara dengan seorang pekerja seks, saya memikirkan mereka dari dunia yang berbeda. Setelah bertemu dan berbicara dengan mereka, saya harus mengakui bahwa saya menemukan mereka sangat membumi, orang-orang yang baik, dan saya lebih berpikiran terbuka dan menerima terhadap mereka daripada sebelumnya. Sangat menarik untuk mengetahui bagaimana setiap wanita memandang dirinya sendiri.

Pada akhirnya, saya memilih lima belas wanita yang membuat saya terkesan memiliki sesuatu yang “berbeda” tentang mereka dalam hal kepribadian dan kehadiran fisik mereka. Awalnya saya pikir saya akan memotret mereka di tempat kerja mereka, tetapi kemudian merasa skenario itu harus menjadi sesuatu yang lebih istimewa. Ketika saya berbicara dengan model saya, saya menjadi lebih sadar bahwa mereka menghabiskan sebagian besar hidup mereka dan tentu saja saat mereka melakukan pekerjaan mereka berakting dan tampil, seolah-olah pada tahap kehidupan. Bagi mereka semuanya adalah kinerja. Saya ingin menunjukkan itu dan menemukan ide untuk membuat set individu untuk masing-masing, membuat mereka lebih cantik dengan cara mereka sendiri. Ini adalah pertama kalinya saya membuat set yang dibuat khusus untuk memotret orang. Saya meminta seorang pembuat set untuk membuat set untuk desain saya dan saya memilih palet warna, wallpaper dan lantai untuk masing-masing model. Saya bahkan memintanya untuk menambahkan sentuhan keaslian dengan meninggalkan ketidaksempurnaan dan kuku yang terpapar di dinding.

A: Bagaimana menurut Anda foto-foto Anda menanggapi masalah sosial yang relevan dalam masyarakat kontemporer? Apakah menurut Anda penting bagi para seniman untuk menghadapi kontroversi dan menanggapinya?

JF-B: Saya menangani masalah sosial yang menyerang saya dan saya pikir juga akan membuat seni yang bagus. Beberapa mungkin relevan dengan masyarakat saat ini, yang lain lebih historis. Blind dan Unadorned, sekarang Undang-Undang itu relevan dengan masyarakat saat ini, sedangkan In Service dan Feral Children lebih terkait dengan masalah sosial yang sebenarnya di masa lalu, tetapi dapat relevan dengan hari ini karena peristiwa masa lalu dapat mengajarkan kita tentang masalah hari ini.

Wawancara dengan Simon Baker

Didirikan pada tahun 1970, Les Rencontres d’Arles adalah festival fotografi musim panas dengan lebih dari 60 pameran yang dipasang di sejumlah situs warisan bersejarah kota Prancis yang luar biasa. Seringkali diproduksi bersama dengan museum dan institusi Perancis dan asing, pertunjukan ini menawarkan kesempatan utama untuk merefleksikan praktik fotografi kontemporer. Tahun ini, festival ini memperhatikan delapan fotografer Jepang dalam Bahasa Lain. Terdiri dari lebih dari 200 cetakan, baik vintage maupun kontemporer, pameran ini menyajikan karya-karya yang sebelumnya tidak terlihat oleh para praktisi terkenal seperti Eikoh Hosoe dan Daido Moriyama, dan juga oleh tokoh-tokoh bersejarah yang kurang dikenal seperti Kou Inose dan Masahisa Fukase. Kami berbicara dengan Simon Baker, Kurator Fotografi dan Seni Internasional di Tate, tentang pertunjukan tersebut, yang berupaya memberi penerangan baru tentang fotografi di Jepang dari tahun 1960-an hingga saat ini.

A: Apa khususnya yang Anda yakini membuat karya fotografer Jepang begitu kompatibel dengan Les Rencontres d’Arles?

SB: Ya, ide di balik Bahasa Lain adalah untuk menyajikan hal-hal yang belum pernah ditampilkan di Eropa, jadi kami memilih karya dari 8 fotografer Jepang yang belum pernah ditampilkan sebelumnya. Kami tidak secara khusus mencoba mengatakan bahwa fotografi Jepang adalah Arles, tetapi ini adalah hal-hal yang benar-benar dinikmati oleh pengunjung Arles dan yang tidak akan mereka lihat sebelumnya. Idenya adalah untuk mengikuti pameran yang terjadi di New York pada tahun 70-an, yang merupakan pertunjukan besar pertama pekerjaan Jepang di luar Jepang. Kami mengambil ide dan pemikiran ini, seperti apa rasanya sekarang untuk mencoba dan menemukan banyak karya yang belum pernah dilihat sebelumnya dan membuat pertunjukan? Kami kembali ke pameran orisinal di New York, jadi beberapa fotografer adalah yang sama yang ditunjukkan kemudian, beberapa dari mereka berbeda, beberapa dari mereka menjadi sangat terkenal, seperti Moriyama dan Hosoe. Yang lain yang ada di pertunjukan pertama di New York itu, dengan cara, menghilang, jadi bagus untuk mempertimbangkannya lagi sekarang, 40 tahun kemudian.

A: Dapatkah Anda mendiskusikan pengalaman Anda dalam membuat pertunjukan karya fotografi yang sebagian besar tidak terlihat di Eropa sebelumnya? Sebagai seorang kurator, bagaimana menurut Anda setiap budaya merespons seni kontemporer secara berbeda?

SB: Saya pikir beberapa karya yang kami tampilkan terlihat seperti hal yang diharapkan penonton kami dari Jepang – fotografi jalanan hitam putih dan sebagainya. Hal-hal lain terlihat sangat berbeda dan sesuai dengan hal-hal yang merupakan pertanyaan dan minat yang lebih luas saat ini. Ada dua seri, oleh Hosoe dan Fukase, yang benar-benar performatif. Saya pikir pertunjukan adalah sesuatu yang sangat menarik saat ini dalam seni secara umum, bukan hanya dalam fotografi, jadi cukup bagus untuk dapat berkembang dan menjangkau berbagai jenis minat. Itu adalah sesuatu yang coba dilakukan oleh direktur baru Arles; ada pertunjukan yang terhubung dengan musik, ada pertunjukan yang terhubung dengan arsitektur, dan ada berbagai jenis koneksi antara fotografi dan media lainnya – yang saya pikir sangat penting. Dalam hal mengatur acara di Arles, yang kami coba lakukan adalah membuat instalasi setiap karya seniman terlihat berbeda. Kami punya beberapa garis cetakan klasik kecil yang sangat klasik, seperti yang Anda bayangkan, akan ditampilkan di masa lalu, lalu kotak-kotak lain yang sangat besar, dirancang oleh seniman untuk mengisi ruang. Anda mendapatkan gagasan bahwa fotografi dapat memiliki banyak format berbeda serta banyak subjek berbeda dan banyak pendekatan berbeda.

A: Bahasa Lain menampilkan karya para praktisi terkenal di samping gambar oleh tokoh-tokoh yang kurang dikenal. Apakah ada bagian tertentu yang harus diperhatikan oleh audiens?

SB: Hal-hal yang akan menarik akan menarik bagi orang yang berbeda karena berbagai alasan. Serial Hosoe sangat mirip dengan karyanya yang lain, tetapi belum pernah terlihat. Untuk seorang fotografer terkenal, seperti Hosoe, memiliki tubuh karya yang belum pernah dilihat di Eropa sebelumnya benar-benar menakjubkan, dan hal yang sama dapat dikatakan untuk Moriyama. Dua fotografer yang sangat terkenal yang kami sertakan memiliki banyak penggemar, yang akan langsung melihat bagian-bagian itu. Tetapi bagi saya ada beberapa penemuan baru yang hebat. Karya Kou Inose telah menarik banyak perhatian. Tidak terlalu banyak potongan, sekitar 10 atau 12 cetakan, tetapi mereka benar-benar luar biasa. Saya berjalan-jalan di sekitar pertunjukan bersama Stephen Shore dan dia berkata, “siapa orang ini? Dia luar biasa. Bagaimana kita tidak tahu tentang dia? ”Bagian lain yang menonjol adalah rangkaian karya Fukase dari istrinya, yang telah diterbitkan sejak lama dan sejak saat itu tidak pernah benar-benar terlihat. Dia memotretnya setiap hari dari jendela saat dia sedang bekerja, dan kadang-kadang dia melihat ke arahnya dan menarik wajah. Dia terlihat sangat kesal pada beberapa dari mereka, dan pada yang lain dia memberinya senyum yang indah. Kami telah menampilkan karya-karya dalam satu baris, sehingga Anda dapat benar-benar melihatnya mengubah ekspresi dari hari ke hari.

Cita-cita Ideal

Pameran baru Marianne Boesky Gallery, New York, Golden State menghubungkan karya tujuh fotografer Amerika yang mendekati berbagai masalah politik, sosial dan ekonomi yang vital seputar iklim California. Berfokus pada ikonografi mimpi Amerika yang terkenal, ia menelusuri keragaman pengalaman kota dan pinggiran kota dari tahun 1970-an hingga saat ini, menciptakan narasi rumit tentang ketidaksetaraan dan kemunafikan.

Lavanderia, seri Christina Fernandez tahun 2002 ditampilkan, bersama dengan konfrontasi gaya hidup sadar lingkungan Buck Ellison dan gambar Anthony Hernandez tentang area transit publik dan pemandangan dari Rodeo Drive pada akhir 1970-an dan 1980-an. Serial terkenal Dorethea Lange yang mendokumentasikan kurungan Jepang-Amerika pada tahun 1942 juga disajikan, misalnya, Mountain View, California. Portofolio ini sebelumnya disensor oleh pemerintah AS, menyoroti rasisme dan paranoia yang direstui negara yang mengalahkan upaya kebebasan dan kreativitas. Bekerja sama dengan Tim Chambers, pendiri Anchor Editions, cetakan Lange tersedia dalam kualitas edisi terbatas arsip, dengan semua hasil masuk ke American Civil Liberties Union. Di tengah-tengah para praktisi terkenal ini, Kurator Drew Sawyer telah memasukkan banyak seniman baru yang kurang dikenal, memperkenalkan bakat yang muncul secara dinamis ke dunia seni dan mengekspos New York ke mata kreatif Pantai Barat.

Merangkum antitesis yang ditemukan dalam kehidupan California, acara ini sangat kontras dengan kekayaan progresif individu yang tak terhitung jumlahnya dengan standar ekonomi menurun yang ditemukan di banyak daerah. Asumsi global optimisme warna-warni dikritik dalam seri fotografi ini dan realisme yang ditimbulkan dalam gambar-gambar itu menghancurkan gagasan utopia mana pun yang mungkin berasal dari Negara.

Sawyer mengutip penulis asli Joan Didion ketika menggambarkan perasaan yang ditimbulkan oleh Golden State: “California adalah tempat di mana mentalitas boom dan rasa kehilangan Chekhovian bertemu dalam penangguhan yang tidak mudah; di mana pikiran terganggu oleh beberapa kecurigaan yang terkubur tetapi tak terhindarkan bahwa hal-hal yang lebih baik bekerja di sini, karena di sini, di bawah langit yang sangat gelap, adalah tempat kita kehabisan benua. ”

Phillip Prodger

National Portrait Gallery meluncurkan retrospektif besar pada William Eggleston, termasuk survei lebih dari 100 karya yang merentang karir yang bersemangat dan sukses dari tahun 1960-an hingga saat ini. Bertindak sebagai salah satu pajangan paling luas dari gambar potretnya, Aesthetica bertemu dengan kurator pameran Phillip Prodger, untuk mendiskusikan kehidupan dan karya salah satu fotografer Amerika paling berpengaruh yang masih dipraktekkan saat ini.

A: Pameran ini tidak hanya bertindak sebagai retrospektif utama William Eggleston, tetapi juga berfungsi untuk memberikan foto-foto vintage hitam putih yang belum pernah dilihat sebelumnya dari tahun 1960-an yang diambil di dan di sekitar rumah seniman di Memphis, Tennessee. Apa yang dibawa oleh gambar-gambar ini ke pameran – mungkin pemahaman yang lebih baik tentang seniman itu sendiri atau proses di balik karya sebelumnya?

PP: Meskipun acara kami berfokus pada gambar orang, kami ingin menunjukkan sebanyak mungkin tentang daya cipta Eggleston yang luar biasa, yang mencakup tidak hanya fotografi hitam putih tetapi bekerja dengan kamera format besar, kamera mata-mata, dan video genggam. Gambar yang muncul dari seniman adalah tentang seseorang yang kreatif gelisah dan terus-menerus mengeksplorasi berbagai cara melihat dunia. Pekerjaan hitam dan putih tentu saja merupakan bagian penting dari itu. Hal lain adalah pokok bahasan, karena pada awal 1960-an ketika Eggleston bekerja secara eksklusif dalam warna hitam dan putih, ia membuat lebih banyak gambar orang daripada yang lain. Kemudian pada akhir 1970-an dan 1980-an ia terus memotret orang tetapi menjadi semakin tertarik memotret pemandangan, sketsa arsitektur dan juga menemukan objek.

A: Dia tidak diragukan lagi telah mempengaruhi sejumlah fotografer terkenal termasuk Martin Parr dan David Lynch. Ada apa dengan karya-karya khususnya yang begitu mudah diakses, dan menarik secara sinematis?

PP: Foto-foto Eggleston memiliki kualitas sulit dipahami yang membedakan karya seni terbaik — mereka menghargai tontonan berulang. Anda menyesapnya, dan menggulungnya di lidah Anda sedikit, dan rasa yang berbeda muncul. Dalam beberapa kasus, itu adalah komposisi yang cerdas, atau penggunaan warna yang cerdas. Tetapi bagi saya pribadi, bagian penting adalah sikap terhadap komposisi dan narasi. Begitu banyak foto Eggleston yang mengisyaratkan cerita tetapi tidak pernah menceritakannya. Dengan cara itu mereka bermain dengan ide-ide pengalaman dan ingatan yang membuat mereka merasa pribadi dan intim, tidak peduli siapa yang melihatnya.

A: Menampilkan berbagai subjek pribadi termasuk orang dan tempat yang memiliki resonansi terhadap fotografer, apakah Anda berpikir bahwa gambar tersebut menunjukkan rasa kepenulisan atau menurut Anda ada sesuatu yang universal yang dapat ditemukan di dalamnya terlepas dari lokasi atau kekhususan ?

PP: Pertanyaan kepenulisan sangat menarik karena meskipun Eggleston memiliki gaya yang tidak salah, dia bukan seseorang yang mudah dikalahkan. Banyak dari fotonya dibuat di Memphis, Tennessee dan Delta Mississippi di mana ia dibesarkan, dan saya kira pada satu tingkat mereka memberi tahu kami tentang orang-orang di tempat-tempat itu, pada periode waktu tertentu. Tetapi elemen dari mereka hampir bersifat insidentil, dan jika hanya itu yang mereka miliki, saya tidak berpikir mereka akan memiliki minat yang lebih luas. Saya melihat mereka menyampaikan hal-hal yang sangat manusiawi, yang penting di mana pun Anda tinggal atau apa pengalaman budaya Anda.

A: Bisakah Anda berbicara tentang teknik transfer pewarna Eggleston – bagaimana menurut Anda ini membantu untuk memajukan karirnya dalam hal pengakuan publik dan menemukan gaya tertentu di mana ia dapat berkembang?

PP: Eggleston mengadopsi transfer pewarna karena itu adalah teknik pencetakan warna dengan kualitas terbaik yang bisa dia temukan, dan palet serta perilakunya bekerja dengan baik dengan fotonya. Tapi dia tidak pernah bersikap kasar tentang teknik tertentu. Acara kami memiliki cetak Tipe-C, Polaroid, dan cetakan digital selain transfer pewarna. Pertanyaan yang lebih besar bagi saya adalah warna, dan bagaimana dia menggunakannya terlepas dari tekniknya. Ini mungkin tampak berlawanan dengan intuisi tetapi saya pikir warna memberinya izin untuk mengeksplorasi komposisi aneh dan tak terduga, pengaturan formal yang mungkin tidak berfungsi tanpa warna untuk melabuhkan mereka, bahkan menyatukannya. Ini adalah lapisan logika visual lain yang memberikan kehidupan gambar. Pemindahan pewarna adalah proses yang sangat indah dan istimewa, tetapi bukan itu yang membuat fotonya hebat.