Danny Sepkowski

Danny Sepkowski menyediakan gambar-gambar menarik dari laut dan ombak Hawaii. Dengan sejarah multidisiplin yang kaya, tujuannya sekarang adalah untuk mengekspresikan keindahan alam melalui lensa dan terhubung dengan orang-orang melalui planet bersama. Kami bertemu dengannya untuk berbicara melalui proses dan inspirasinya.

A: Bisakah Anda ceritakan sedikit tentang kisah belakang – bagaimana Anda memotret dan menurut Anda apa yang menarik bagi Anda untuk tumbuh tentang medium?

DS: Ketika saya masih kecil, saya ingat melihat kamera film yang orang tua saya taruh di sekitar rumah dan itu menarik perhatian saya. Saya tidak tahu bagaimana cara menggunakannya tetapi saya akan berpura-pura melakukannya! Di sekolah menengah saya membeli kamera tahan air sekali pakai dan memutuskan untuk mengeluarkannya dan mengambil beberapa gelombang. Setelah saya mengembangkan foto-foto saya terkejut melihat sudut yang saya ambil dengan pengaturan sederhana. Baru setelah lulus kuliah saya memutuskan untuk membeli DSLR. Saya magang di bawah Keoni Kitagawa dan menembak pernikahan dengannya selama beberapa tahun. Ingat kamera sekali pakai yang saya beli di sekolah menengah? Nah itu berubah menjadi obsesi. Investasi dalam pemasangan rumah air profesional mengubah hidup saya selamanya. Saya selalu menikmati “momen” istimewa itu dengan segala sesuatu dalam hidup dan itulah yang mendorong saya untuk menjadi seorang fotografer.

A: Gambar Anda pada dasarnya sangat naturalistik, mungkin berusaha menampilkan kekaguman dan keindahan dunia di sekitar kita. Mengapa Anda memilih ini sebagai subjek Anda?

DS: Ciptaan Tuhan sangat berharga bagi saya. Merupakan berkah untuk dapat mengabadikan momen di tempat yang hanya bisa diimpikan orang. Saya percaya orang dapat mengambil kehidupan begitu saja dalam masyarakat saat ini. Saya memilih pendekatan naturalistik untuk fotografi karena saya ingin orang-orang merasa seolah-olah mereka ada di sana pada saat itu. Tidak semua orang bisa berenang dengan hiu atau memukul dengan ombak setinggi 20 kaki sambil memegang Canon 1DX di satu tangan. Tuhan telah memilih saya untuk melakukan ini dan saya merasa terhormat untuk menunjukkan kepada orang-orang apa yang ditawarkan oleh dunia yang indah ini!

A: Apakah Anda pikir artis memiliki tanggung jawab terhadap apa yang mereka presentasikan? Dengan kata lain, apakah karya Anda memiliki agenda politik atau ekologi menuju keberlanjutan dan mencari masa depan planet ini?

DS: Tentu saja kami bertanggung jawab! Keahlian saya adalah fotografi bawah air dan saya tidak bisa menekankan fakta bahwa kita perlu menjaga alam ibu! Jika kita mencemari tanah dan lautan, aku tidak akan bisa mengejar mimpiku. Lebih penting lagi, spesies dan manusia akan menderita akibatnya. Setiap kali saya menembak di air, saya membersihkan semua sampah yang terlihat. Laut bukanlah milik kita jadi kita harus menjaganya tetap bersih. Apakah Anda suka jika seseorang meninggalkan sampah di seluruh rumah Anda? Tidak mengira begitu.

A: Bisakah Anda berbicara sedikit tentang proses di balik pekerjaan Anda – apakah Anda pergi mencari untuk menemukan gelombang atau matahari terbenam tertentu, atau apakah ini sesuatu yang lebih spontan?

DS: Prosesnya tidak mudah untuk jenis fotografi ini. Ibu alam melakukan apa yang diinginkannya. Saya melihat ramalan ombak serta ramalan cuaca beberapa hari sebelum saya memutuskan untuk menembak. Saya juga melihat ramalan diperpanjang terus-menerus untuk melihat apakah ada gelombang besar di jalan. Ada beberapa faktor yang perlu disejajarkan untuk mendapatkan bidikan yang sempurna. Anda membutuhkan cuaca yang baik, arah angin, arah gelombang, pencahayaan, dan air jernih untuk bidikan di bawah air. Percaya atau tidak Hawaii tidak memiliki kejelasan terbaik di kali dan itu adalah karena polusi dan air limpasan kotor. Bintang-bintang harus sejajar untuk mendapatkan bidikan yang sempurna. Ada saat-saat di mana saya tidak mendapatkan kesempatan bagus selama berminggu-minggu dan bahkan beberapa bulan. Prosesnya juga bisa spontan juga terutama ketika Anda mendapat panggilan telepon dari seorang teman yang mengatakan ombaknya memanas. Matahari terbenam juga bisa memacu cobaan saat ini. Selalu bawa kamera Anda! Inilah sebabnya saya suka fotografi jenis ini. Saya mencari cahaya terbaik dan kejelasan dalam situasi apa pun. Ketika Anda mendapatkan pukulan yang bagus, itu adalah perasaan terbaik di dunia.

Hari Internasional Wanita

Menurut National Museum of Women in the Arts, Washington DC, tiga museum teratas di dunia, British Museum, London, (est. 1753), Louvre, Paris, (est. 1793), dan The Metropolitan Museum of Art , New York, (est. 1870) tidak pernah memiliki sutradara wanita. Selain itu, salah satu acara seni internasional terbesar, Venice Biennale, adalah seorang demonstran dari ketidaksetaraan yang masih lazim saat ini. Pada 2009, acara ini hanya menampilkan 43% wanita, dan pada 2013, turun menjadi 26%. Pada 2014, itu adalah 33%. Dengan Biennale ke-57 mendekati Mei ini, ketidakseimbangan dalam industri sekarang lebih lazim daripada sebelumnya.

Namun terlepas dari ketidakseimbangan yang konsisten ini, ada sejumlah tokoh perempuan yang telah mengejar, mencapai, dan melampaui tujuan mereka, dan sementara kami berpikir bahwa semua perempuan hebat dan harus dipuji atas keberhasilan mereka baik secara individu maupun kolektif, mengingat Perempuan Internasional Hari, 8 Maret, kami telah memilih 10 wanita inspiratif yang telah berkontribusi pada industri kreatif yang lebih luas serta mencapai hal-hal luar biasa di bidangnya masing-masing. Daftar kami menampilkan pikiran yang cerah dan imajinasi tak terpuaskan dari wanita yang bekerja di iklim artistik kontemporer.

1. Sarah Calburn
Lahir pada tahun 1964 di Johannesburg, Sarah Calburn dengan cepat menjadi salah satu arsitek Afrika Selatan terkemuka dari generasinya, mendirikan perusahaannya sendiri pada tahun 1996 setelah menyelesaikan Magister Arsitektur oleh Penelitian di Institut Teknologi Royal Melbourne. Dia telah bekerja di Hong Kong, Sydney dan Melbourne di sejumlah proyek perumahan dan skala besar lainnya termasuk merancang Galeri MOMO di Cape Town. Dia adalah direktur program ArchitectureZA 2010 – Biennale Arsitektur Afrika Selatan pertama – yang merupakan pengembangan ikonik untuk negara ini. Dia saat ini bertugas di komite Institut Arsitektur untuk Gauteng.

2. Federica Chiocchetti
Federica Chiocchetti (lahir 1983) adalah direktur pendiri Photocaptionist, di antara sejumlah pencapaian lainnya, termasuk menjadi seorang kritikus fotografi yang rajin, kurator dan editor, sementara saat ini bekerja pada gelar PhD dalam bidang fotografi di University of Westminster. Baru-baru ini, ia telah ditunjuk sebagai kurator tamu di Festival Foto Jaipur 2017 di India. Penghargaan kuratorialnya meliputi Feminine Maskulin: On the Struggle and Fascination of Dealing with the Other Sex for Photo50 di London Art Fair. Dia juga pemenang Penghargaan Buku Fotografi Terbaik 2015 Kraszna Krausz.

3. Naomi Beckwith
Dilahirkan di Chicago pada tahun 1976, Naomi Beckwith telah berubah dari kekuatan ke kekuatan sebagai kurator. Sebelum bergabung dengan Museum Seni Kontemporer Chicago (MCA) raksasa, ia adalah kurator pendamping di The Studio Museum di Harlem dan Kuratorial Whitney Lauder di Institut Seni Kontemporer, Philadelphia. Hanya empat tahun setelah memulai perannya, ia telah membuat beberapa pameran MCA yang paling tepat waktu, termasuk komisi pahatan luar ruang besar oleh Yinka Shonibare MBE dan The Freedom Principle (2015), sebuah dokumentasi utama dan eksplorasi 1960-an Afrika-Amerika avant-garde , yang ia jalin bersama dengan Dieter Roelstraete.

4. Yayoi Kusama
Yayoi Kusama (lahir 1929) adalah seorang seniman dan penulis Jepang yang keberhasilannya tidak mengenal batas. Praktisi itu juga berkomitmen pada latihannya seperti yang dia lakukan 70 tahun yang lalu, mengukir tubuh kerja yang unik dan menakjubkan yang telah mempengaruhi jutaan orang. Berfokus pada pekerjaan titik yang rumit dan obsesif, dan bentuk dan simbol yang berulang – seperti labu ikon – Kusama telah berjuang dengan masalah kesehatan mental sepanjang hidupnya, mengatasinya melalui penciptaan pola yang tidak pernah berakhir. Dengan kisah yang luar biasa dan bahkan lebih banyak pengikut yang luar biasa, yang kini berusia 87 tahun terus membangun jalur positif dan inspirasional untuk masa depan. Dia mencatat: “Polka-dots menjadi gerakan, [mereka] adalah cara menuju tak terbatas.”

5. Marina Abramović
Marina Abramović (lahir 1946) adalah seorang seniman pertunjukan Yugoslavia yang secara konsisten menantang batas-batas tubuh sebagai sarana untuk memahami dunia. Meskipun ia dikenal karena sejumlah kolaborasi dengan mantan rekannya, Ulay, sosok itu secara tidak menyesal menjadi pionir dalam dirinya sendiri, mengundang audiens yang besar ke banyak karya kontroversial, termasuk The Artist is Present at MoMA, New York (2010) . Meliputi berbagai tema termasuk keintiman, perang, kematian, berkabung, khayalan, ilusi dan waktu, tidak ada bidang subjek yang pernah terlarang, membuka pikirannya kepada publik dan mengungkap visi yang merusak dan tidak terhalangi.

Memori pribadi yang kolektif

La Triennale di Milano menawarkan hampir 150 foto dan buku foto, milik koleksi pribadi. Koleksi Donata Pizzi sekarang mengungkapkan salah satu representasi terluas dari fotografer wanita Italia yang pernah dipamerkan dalam 20 tahun terakhir. Koleksinya terdiri dari karya-karya yang diambil oleh 50 praktisi dari berbagai generasi, mulai dari karya perintis Paola Agosti, Letizia Battaglia, Lisetta Carmi, Carla Cerati, Paola Mattioli, dan Marialba Russo, hingga karya eksperimental dari tahun 1990 hingga 2015 oleh Marina Ballo Charmet , Silvia Camporesi, Monica Carocci, Gea Casolaro, Paola Di Bello, Luisa Lambri, Raffaella Mariniello, Marzia Migliora, Moira Ricci, Alessandra Spranzi dan banyak lainnya.

L’altro sguardo: Fotografer Wanita Italia 1965-2015 mewakili refleksi tentang bagaimana, di Italia, seseorang harus menunggu sampai akhir dekade untuk memiliki studi sejarah fotografi pertama yang berfokus pada gender, suatu pendekatan yang telah berjuang untuk muncul di negara ini sampai hari ini, dengan pengecualian dari kontribusi segelintir sarjana. Motif yang menghubungkan gambar bersama-sama dimiliki oleh waktu dan genre yang berbeda, dari foto aktivisme politik hingga gambar eksperimental. Pameran ini disusun dalam urutan kronologis dan diatur dalam empat bagian, yang masing-masing dikhususkan untuk fotografi jurnalisme dan paparan sosial (Dentro le storie – Inside the Stories); untuk hubungan antara gambar fotografi dan pemikiran feminis (Cosa ne pensi tu del femminismo? – Apa yang Anda Pikirkan tentang Feminisme); tema-tema yang terkait dengan identitas dan representasi ikatan emosional (Identità e relazione – Identity and Relationships); dan, akhirnya, eksperimen kontemporer berdasarkan eksplorasi potensi ekspresif fotografi (Vedere oltre – Seeing Beyond.)

Pada bagian pertama Dentro le storie, lingkup domestik, tempat yang secara tradisional dianggap sebagai domain wanita, juga dibahas dalam seri Tornando a casa yang direalisasikan oleh Alessandra Spranzi pada tahun 1997. Di sini foto-foto itu bukan milik kehidupan keluarga sang seniman, tetapi diambil dari majalah-majalah tua tahun 1960-an. Spranzi memilih gambar interior borjuis yang mewujudkan impian kelas menengah Italia di tahun-tahun boom ekonomi, berubah menjadi lingkungan yang terbatas. Efek keterasingan juga diproduksi oleh seri Gulu Real Art Studio (2011) oleh Martina Bacigalupo, sebuah penelitian yang ditingkatkan di studio fotografi tertua di Gulu, sebuah kota di Uganda utara, yang dilanda perang saudara selama dua puluh tahun terakhir.

Potret semua memiliki kekhasan menampilkan ruang kosong di mana wajah seharusnya. Secara paralel, Membawa Pulang Perang: Rumah Cantik (1967-1972), menyandingkan gambar Perang Vietnam dengan gambar bagian dalam rumah-rumah Amerika, untuk menyoroti kengerian perang. Karya-karya Spranzi tidak secara langsung terkait dengan urusan saat ini, tetapi lebih menjelaskan aspek-aspek yang tidak jelas dan membingungkan dari kehidupan sehari-hari yang tidak disadari.

Sepanjang jalur pameran, 1980-an mengusulkan sangat sedikit wanita yang mampu mengukir ruang untuk diri mereka sendiri dalam tren utama periode itu, baik dalam seni lukis maupun fotografi. Tetapi tahun 1990-an memperkenalkan kehadiran seniman wanita dan fotografer di museum dan galeri Italia sebagai hal yang penting, setelah satu dekade didominasi oleh pria secara eksklusif. Pada tahun 1990-an, generasi baru seniman dan fotografer, termasuk Beatrice Pediconi, Agnese Purgatorio, Luisa Rabbia, Sara Rossi dan Silvia Camporesi, bertemu dengan kesuksesan di Italia, dan semakin sering mendapat pengakuan penting di luar negeri.

Dalam berbagai kasus, proyek yang sama dikembangkan dengan bahasa dan alat yang berbeda (foto, video, instalasi video, seni pertunjukan, dll.), Seperti misalnya dalam Berita Asli Hal-hal Yang Tak Terlihat oleh Rä di Martino, yang menampilkan foto dan video. Foto itu adalah reproduksi gambar arsip tahun 1918, disimpan di Imperial War Museum of London, yang menggambarkan sekelompok warga sipil yang mengamati tank palsu, yang digunakan dalam Perang Dunia I untuk menipu musuh. Dari foto arsip, hampir 100 tahun kemudian Rä di Martino membuat video di mana ia merekonstruksi adegan aslinya: sang seniman membangun satu set di Bolzano di mana beberapa orang yang mengenakan pakaian dari awal abad ke-20 melihat sebuah tank boneka. Selanjutnya, sang seniman malah menunjukkan reaksi spontan orang yang lewat ke sebuah tank nyata yang menggelinding di jalanan Bolzano.

Realisme Imajiner

Salah satu fotografer kontemporer yang paling menarik dan khas, Roger Ballen yang lahir di New York (lahir 1950) telah tinggal di Afrika Selatan sejak pindah ke sana pada tahun 1970-an. Dengan ibunya yang dipekerjakan sebagai editor di agensi fotografi Magnum, Ballen tumbuh dikelilingi oleh fotografi dokumenter dan mulai mendokumentasikan Afrika Selatan segera setelah dia tiba, melalui gambar-gambar menawan dari elemen-elemen yang terpinggirkan dalam masyarakatnya. Dalam beberapa hal, ini adalah tugas fotografi yang tidak pernah ditinggalkan Ballen. Karyanya dapat ditemukan di sejumlah buku dan koleksi di lebih dari 20 museum di seluruh dunia, termasuk MoMA di New York, Pompidou di Paris dan V&A di London. Diakui sebagai fotografer dokumenter, label yang ditempatkan pada praktiknya pada 1980-an dan 1990-an ketika ia menangkap jiwa desa-desa pedesaan Afrika Selatan, karya Ballen dari dekade terakhir melampaui identitasnya yang diketahui. Pameran terbarunya di Manchester Art Gallery, Shadow Land, mengungkap jangkauan, ruang lingkup, dan tujuan artistik dari proyek terbarunya, yang telah secara mendalam mengubah karyanya menjadi salah satu tubuh fotografi kontemporer yang paling ambisius, energik, dan sureal saat ini: yang membakar dan meresahkan eksplorasi sisi gelap jiwa manusia.

Untuk semua intensitas gelapnya, pekerjaan Ballen pada dasarnya menyenangkan dan gembira. Ada sesuatu yang hampir kartun tentang palu kawat berduri lebat di atas kepala yang menyusut dalam foto Ballen, Twirling Wires (2001). Dipotret dengan kerenyahan khas Ballen, fokus, dan kurangnya kekacauan, gambar itu langsung dan kompleks secara misterius. Terbungkus selimut dan meringkuk di bawah struktur seolah-olah dari beberapa kekacauan batin, ekspresi wajah sosok itu berada di suatu tempat antara rasa takut dan heran, kaget dan kagum. Seolah-olah dia sebagian mengagumi keindahan, dan gemetar ketakutan dari, kerumitan patung kawat di atas. Secara teatrikal menggambarkan proyeksi psikologi batin ke luar, foto itu sendiri juga merupakan proyeksi dari bentuk psikologi batin yang sama rumitnya ke luar ke sebuah benda seni. Seperti banyak foto Ballen, konsep waktu sangat penting untuk efek Twirling Wires yang aneh dan meresahkan. Terpisah dari logika sebab dan akibat yang biasa, gambar-gambar Ballen tampaknya terjadi di zona panggung mereka sendiri, jauh dari realisme kronologis.

Termasuk dalam Shadow Land adalah foto-foto dari tiga dekade hasil artistik Ballen, mengumpulkan karya dari periode 1983-2011. Seperti yang dikomentari Ballen sendiri, pameran ini memberikan peluang menarik untuk mengeksplorasi cara-cara praktiknya berkembang pada periode itu. Di satu sisi, bentuk karya Ballen tetap sangat konsisten selama tiga dekade ia mengambil foto. Karyanya ditandai oleh penggunaan analog, film Rolleiflex, bahkan dalam menghadapi pemindahan massa ke fotografi digital. Pada 2009, Ballen berkomentar: “Saya berasal dari generasi film dan saya berkomitmen untuk fotografi hitam putih. Saya benar-benar generasi terakhir yang tumbuh dengan warna hitam dan putih; siapa yang mendalami media itu dan akan melanjutkan di media itu. Apa yang Anda lihat adalah akhir dari fotografi film hitam putih. Dalam beberapa hal, ini mengecewakan. Tapi apa yang bisa kamu lakukan? Anda hanya harus fokus pada apa yang Anda lakukan dan melakukannya dengan baik. Anda tidak dapat mengontrol orang lain. Ketika jantungku berdetak, 6 miliar jantung lainnya berdetak. Itu hanya bola kecil kecil di alam semesta. ”Namun, dalam arti lain, karya Ballen telah berkembang pesat dalam rentang waktu pameran.

Karya awal Ballen dikumpulkan dalam buku Platteland (1994), koleksi potret-potret pedesaan Afrika Selatan yang menyedihkan. Di Sersan F de Bruin, Pegawai Departemen Penjara, Orange Free State (1992), seorang sersan berseragam berdiri di depan papan putih-lepas yang monoton dari dinding eksterior berpanel dan dicat. Berlari di belakang kepalanya adalah kabel atau kawat yang seolah-olah sedang memotong kepala pejabat pemerintah. Demikian pula, Ny J J Joubert dan anjing Dinky in Bedroom, Central Cape (1990) menunjukkan seorang wanita dalam gaun putih longgar atau gaun tidur dengan anjingnya di kakinya. Berdiri di dinding putih bermotif yang terkelupas dengan buruk di bagian bawah, mata tertarik pada kontras yang sama antara dinding putih dan kerusakan keabu-abuan serta gaun putih dan tas besar di bawah mata wanita itu. Sementara gambar-gambar ini disusun secara rumit dan halus, fokus mereka adalah pada penggambaran dan dokumentasi sosial.

Rafael Lozano

Angsuran ke-3 dari Istanbul Design Biennial terbuka untuk umum hingga 20 November, dan menjanjikan pandangan ke dalam pada sifat inheren desain dalam kehidupan kita sehari-hari. Diselenggarakan oleh Yayasan Istanbul untuk Kebudayaan dan Seni, seri tahun ini berjudul “APAKAH KITA MANUSIA?: Desain Spesies: 2 detik, 2 hari, 2 tahun, 200 tahun, 200,00 tahun”, dan mengeksplorasi hubungan intim antara “desain” dan “manusia” selama periode waktu yang membentang dari skala 200.000 tahun hingga 2 detik. Biennial dikuratori oleh Beatriz Colomina dan Mark Wigley, dan menghadirkan lebih dari 70 proyek oleh lebih dari 250 peserta, termasuk karya dari desainer, arsitek, seniman, ahli teori, koreografer, pembuat film, sejarawan dan arkeolog dari lebih dari 50 negara. Lima tempat utama menjadi tuan rumah acara tersebut; Sekolah Dasar Yunani Galata, Studio-X Istanbul dan Depo di Karaköy, Alt Art Space di bomontiada, dan Museum Arkeologi Istanbul di Sultanahmet, semuanya menambahkan karakter unik mereka sendiri ke pameran.

Colomina dan Wigely menciptakan manifesto kuratorial untuk pameran tersebut, sebuah pernyataan polemik dimana semua seniman dan perancang utama merespons untuk menciptakan hiruk-pikuk proyek, masing-masing merenungkan hubungan antara kemanusiaan dan desain. Manifesto menyatakan: “Rata-rata hari melibatkan pengalaman ribuan lapisan desain yang mencapai luar angkasa tetapi juga menjangkau jauh ke dalam tubuh dan otak kita. Desain telah menjadi dunia dan itulah yang membuat manusia. Ini adalah dasar kehidupan sosial, dari artefak pertama hingga ekspansi kemampuan manusia secara eksponensial ”.

Design Biennial tahun ini menampilkan beberapa lapisan yang tumpang tindih, yang melaluinya tema dieksplorasi, dan pengunjung diundang dan dilibatkan untuk memikirkan kembali desain. Acara ini diatur dalam empat “awan”; kelompok-kelompok itu terdiri dari: Merancang Tubuh, Merancang Planet, Merancang Kehidupan, dan Merancang Waktu.

Bagian pertama mengeksplorasi berbagai cara di mana kita dapat menganggap tubuh manusia sebagai artefak yang terus-menerus direkonstruksi, mencakup topik-topik seperti efek sepatu pada kemampuan manusia, hingga perkembangan terbaru dalam penelitian ilmu saraf pada otak manusia. Memikirkan kembali desain manusia dari wilayah dan ekologi yang luas, bagian Planet dari pameran mengundang kita untuk melihat lebih dekat pada lingkungan di sekitar kita. Designing Life melihat bentuk-bentuk baru kehidupan mekanik, elektronik, dan biologis yang sedang dibuat. Bagian terakhir dari Biennial, mengenai waktu, menyajikan jenis arkeologi baru, dan menyandingkan alat dan ornamen manusia pertama, dengan teknologi kontemporer paling progresif, seperti media sosial, yang memungkinkan manusia untuk mendesain ulang atau menciptakan kembali diri mereka dalam sebuah hitungan detik. Terlepas dari pengkategorian masing-masing proyek, divisi-divisi tersebut bukanlah batasan yang ketat, awan yang mewakili gerbang ke pemikiran yang sama dalam jaringan ide yang saling berhubungan.

Desain Dan Kemanusiaan

Angsuran ke-3 dari Istanbul Design Biennial terbuka untuk umum hingga 20 November, dan menjanjikan pandangan ke dalam pada sifat inheren desain dalam kehidupan kita sehari-hari. Diselenggarakan oleh Yayasan Istanbul untuk Kebudayaan dan Seni, seri tahun ini berjudul “APAKAH KITA MANUSIA?: Desain Spesies: 2 detik, 2 hari, 2 tahun, 200 tahun, 200,00 tahun”, dan mengeksplorasi hubungan intim antara “desain” dan “manusia” selama periode waktu yang membentang dari skala 200.000 tahun hingga 2 detik. Biennial dikuratori oleh Beatriz Colomina dan Mark Wigley, dan menghadirkan lebih dari 70 proyek oleh lebih dari 250 peserta, termasuk karya dari desainer, arsitek, seniman, ahli teori, koreografer, pembuat film, sejarawan dan arkeolog dari lebih dari 50 negara. Lima tempat utama menjadi tuan rumah acara tersebut; Sekolah Dasar Yunani Galata, Studio-X Istanbul dan Depo di Karaköy, Alt Art Space di bomontiada, dan Museum Arkeologi Istanbul di Sultanahmet, semuanya menambahkan karakter unik mereka sendiri ke pameran.

Colomina dan Wigely menciptakan manifesto kuratorial untuk pameran tersebut, sebuah pernyataan polemik dimana semua seniman dan perancang utama merespons untuk menciptakan hiruk-pikuk proyek, masing-masing merenungkan hubungan antara kemanusiaan dan desain. Manifesto menyatakan: “Rata-rata hari melibatkan pengalaman ribuan lapisan desain yang mencapai luar angkasa tetapi juga menjangkau jauh ke dalam tubuh dan otak kita. Desain telah menjadi dunia dan itulah yang membuat manusia. Ini adalah dasar kehidupan sosial, dari artefak pertama hingga ekspansi kemampuan manusia secara eksponensial ”.

Design Biennial tahun ini menampilkan beberapa lapisan yang tumpang tindih, yang melaluinya tema dieksplorasi, dan pengunjung diundang dan dilibatkan untuk memikirkan kembali desain. Acara ini diatur dalam empat “awan”; kelompok-kelompok itu terdiri dari: Merancang Tubuh, Merancang Planet, Merancang Kehidupan, dan Merancang Waktu.

Bagian pertama mengeksplorasi berbagai cara di mana kita dapat menganggap tubuh manusia sebagai artefak yang terus-menerus direkonstruksi, mencakup topik-topik seperti efek sepatu pada kemampuan manusia, hingga perkembangan terbaru dalam penelitian ilmu saraf pada otak manusia. Memikirkan kembali desain manusia dari wilayah dan ekologi yang luas, bagian Planet dari pameran mengundang kita untuk melihat lebih dekat pada lingkungan di sekitar kita. Designing Life melihat bentuk-bentuk baru kehidupan mekanik, elektronik, dan biologis yang sedang dibuat. Bagian terakhir dari Biennial, mengenai waktu, menyajikan jenis arkeologi baru, dan menyandingkan alat dan ornamen manusia pertama, dengan teknologi kontemporer paling progresif, seperti media sosial, yang memungkinkan manusia untuk mendesain ulang atau menciptakan kembali diri mereka dalam sebuah hitungan detik. Terlepas dari pengkategorian masing-masing proyek, divisi-divisi tersebut bukanlah batasan yang ketat, awan yang mewakili gerbang ke pemikiran yang sama dalam jaringan ide yang saling berhubungan.