Menuju Konektivitas

Di zaman di mana fotografi sedang didemokratisasi, Foam’s 2018 Talents menciptakan ikhtisar tentang dunia yang lebih luas dalam masa pergolakan dan ketakutan.

Pada 2011, untuk Frieze edisi November, kritikus Chris Wiley mencoba memahami fluks media kontemporer. “Tidak dapat dipisahkan dari sejarah fotografi adalah gagasan bahwa [itu] bertindak sebagai semacam jendela ke dunia … kaca transparan yang melaluinya kita melihat gambar.” Kita hidup di zaman mania digital. Belum pernah ada minat dalam menghasilkan foto, dari tingkat kelembagaan hingga foto orang di jalan. Jumlahnya cukup mengejutkan. Ketika artikel Wiley ditulis, pengguna Facebook mengunggah 300 juta gambar sehari, sementara yang diunggah ke Flickr dan Instagram telah meningkat di atas 11 miliar. “Segala sesuatu dan semua orang di bumi dan di luar, tampaknya, telah ditempatkan di suatu tempat di perpustakaan perwakilan Borgesian yang terus berkembang yang kami bangun sendiri,” tulisnya. “Akibatnya, kemungkinan membuat foto yang dapat mempertaruhkan klaim atas orisinalitas telah dipertanyakan secara radikal.” Namun, pada saat yang sama, kami telah berhenti mencoba memahami apa yang menggerakkan estetika seniman kontemporer paling sukses kami. . “Apa yang hilang,” tulis Wiley, “adalah dorongan untuk mengidentifikasi sekolah atau gerakan dalam praktik baru, dan keinginan untuk menyusun serangkaian prinsip umum.”

Apakah ada yang berubah dalam tujuh tahun sejak Wiley menulis karya ini? Menulis di The Guardian, Sean O ‘Hagan merujuk artikel Wiley untuk mengeksplorasi ke mana media sekarang, karena penggunaan media sosial telah mendorong kita semua lebih jauh ke wilayah yang belum dipetakan. Seperti yang ada saat ini, 350 juta gambar sehari kini diunggah ke Facebook, sementara Instagram memiliki kecepatan 95 juta gambar dan video per hari. Selain itu, ada 188 juta pengguna aktif Snapchat setiap hari. “Apakah fotografi,” tulis OHHagan, “melelahkan dirinya sendiri melalui keunikannya di mana-mana, kehilangan maknanya di zaman yang kelebihan beban yang hampir tak terbayangkan? Menghadapi aliran gambar digital yang belum pernah terjadi sebelumnya, kita harus bertanya apakah status tradisional fotografi sebagai cara mendokumentasikan dunia telah diubah secara tidak dapat dibatalkan. Apa peran yang dimainkan reportase ketika smartphone telah menjadikan kita semua jurnalis warga potensial (foto)? “Terlebih lagi, apa arti rentetan harian ini bagi mereka yang berusaha mencari nafkah, dan membangun karier, keluar dari medium?

Satu lembaga telah melakukan lebih dari yang lain untuk membantu kami memahami nuansa dari pertanyaan yang dimuat ini. Foam, museum dan majalah yang berbasis di Amsterdam, telah, sejak 2007, menyelenggarakan Foam Talent, sebuah Panggilan tahunan untuk tokoh-tokoh paling penting yang muncul di bawah usia 35 tahun. Untuk Elisa Medde, yang telah menjadi Managing Editor sejak 2012, survei tersebut, dan daftar singkatnya, adalah “bagian dari misi yang lebih besar untuk mempromosikan dan menyediakan platform bagi para praktisi muda.”

Proses ini sepenuhnya demokratis, berdasarkan pada penyerahan terbuka. Tahun ini, 20 nama dipilih dari 1.853 portofolio yang diterima dari berbagai negara seperti Korea Selatan, Somalia, Mozambik, dan Lebanon. Dari nama-nama yang dipilih dalam edisi tahun ini, artis dari Amerika, Eropa dan Jepang ditampilkan bersama China, Rusia dan Ghana.

Inisiatif ini, bagaimanapun, bukan satu-satunya survei tahunan tentang bakat yang muncul. Di Inggris, British Journal of Photography menerbitkan edisi Ones to Watch tahunan, sementara Aperture di New York sering bertema majalah di sekitar suara-suara baru dari daerah yang kurang terwakili, dengan edisi Musim Panas 2017 berjudul Platform Afrika. Namun, Foam Talent bukan sekadar karya percetakan berbasis praktisi terkemuka. Proyek ini ditambah dengan pameran, ceramah, dan program acara yang berlangsung di Amsterdam, New York, London, dan Frankfurt sepanjang tahun berikutnya. Selanjutnya, karya salah satu praktisi terpilih kemudian ditambahkan ke koleksi seni permanen Yayasan Deutsche Börse di Frankfurt, dengan semua daftar terpilih di katalog dalam daya tarik sirkulasi dan popularitas Instagram yang terus meluas.

Tapi mengapa platform ini begitu penting dalam memetakan sifat seni yang berubah? Bagaimana mereka memberi tahu kita lebih banyak tentang cara media digital mengubah persepsi kita tentang pengarsipan dan data sebagai lawan komposisi yang bermakna? Melihat setiap masalah dari tahun 2007 hingga hari ini, orang dapat merasakan bagaimana media sedang diinterogasi, dan ke arah mana media itu bergerak. Bakat Panggilan seperti ini adalah tentang memahami fotografi melalui periode perubahan.

Tampil untuk kamera

Tate Modern akan meneliti hubungan antara fotografi dan kinerja, dari penemuan fotografi di abad ke-19 hingga budaya selfie saat ini di Performing for the Camera. Menyatukan lebih dari 500 gambar selama 150 tahun, pameran ini akan melibatkan bisnis seni dan kinerja yang serius, serta humor dan improvisasi berpose untuk kamera.

Pameran dimulai dengan mempertimbangkan dokumentasi karya kinerja penting seperti Anthropometrie de l’epoque biru karya Yves Klein, 1960, acara melukis langsung menggunakan tubuh wanita telanjang, serta pertunjukan kunci 60-an oleh Yayoi Kusama, Eleanor Antin dan Niki de Saint Phalle. Dengan menggambar koleksi gambar Tate yang luas oleh Harry Shunk dan János Kender, dua fotografer paling penting yang pernah bekerja dengan pertunjukan, pameran ini akan menampilkan gambar-gambar ikonik dan banyak studi yang jarang terlihat, termasuk yang mengungkap bagaimana letak foto Yap Klein yang terkenal melompat ke dalam Void (1960) dibuat.

Dengan memetakan bagaimana para pelaku dan fotografer juga bekerja secara kolaboratif, pameran akan memeriksa pertunjukan yang terjadi semata-mata untuk kamera. Dimulai dengan beberapa karya paling awal dalam pameran, foto-foto dari studio Nadar di abad ke-19 di Paris menunjukkan seniman pantomim Charles Deburau berperan sebagai karakter Pierrot. Gambar fotografi kemudian menjadi arena di mana untuk bertindak, berbeda dari panggung langsung, dalam karya-karya seniman seperti Charles Ray, Carolee Schneemann dan Erwin Wurm.

Seniman-seniman ini sering tampil untuk kamera mereka sendiri, baik secara fisik seperti dalam Face Painting – Floor, White Line 1972 karya Paul McCarthy atau lebih secara konseptual melalui gagasan citra diri dan fantasi seperti dalam karya Boris Mikhailov. Konstruksi identitas diri dan berpose akan dieksplorasi melalui karya-karya Claude Cahun, Marcel Duchamp dan Cindy Sherman, serta proyek-proyek yang lebih baru seperti Samuel Fosso’s African Spirits 2008, di mana seniman memotret dirinya dengan kedok tokoh-tokoh ikonik seperti Martin Luther Raja Jr dan Miles Davis.

Pameran ini akan melihat pendekatan performatif yang diambil untuk potret diri oleh seniman seperti Lee Friedlander, Masahisa Fukase dan Hannah Wilke. Identitas dan citra diri juga penting bagi seniman seperti Jeff Koons dan Andy Warhol dalam foto pemasaran dan promosi mereka sendiri, dan dalam karya yang lebih menyenangkan seperti Kartu Perdagangan Fotografer Baseball Mike Mandel 1974 di mana fotografer berpose sebagai pemain baseball yang “dapat dikoleksi”. Dunia media sosial akan dibahas dalam karya kunci terbaru yang dipentaskan di Instagram oleh Amalia Ulman. Performing for the Camera tidak hanya akan menunjukkan bahwa fotografi selalu performatif, tetapi banyak seni pertunjukan secara inheren fotografis.

Wawancara dengan Sarah Tuck

Setelah Perjanjian: Fotografi Kontemporer di Irlandia Utara mengacu pada percakapan yang dipicu oleh foto-foto John Duncan, Kai Olaf Hesse, Mary McIntyre, David Farrell, Paul Far- wright dan Malcolm Craig Gilbert, untuk melacak beberapa keraguan dan kompulsi yang membentuk interpretasi. dan makna setelah Perjanjian Jumat Agung 1998. Mencakup tema Spectrality dan Urbanism, Place as Archive dan Between Memory and Mourning, publikasi ini membingkai foto-foto sebagai ruang agonis di mana makna pasca-konflik dan pasca-Perjanjian dibuka untuk diperdebatkan. Kami berbicara dengan editor dan praktisi budaya Sarah Tuck tentang penelitiannya yang melibatkan masyarakat dan inspirasi di balik eksplorasi fotografi yang kritis ini di Belfast.

A: After the Agreement adalah survei fotografi kontemporer di Irlandia setelah Good Friday Agreement tahun 1998. Bagaimana publikasi ini membahas tema kompleks yang terkait dengan waktu?

ST: Publikasi adalah transkripsi percakapan yang diminta oleh foto-foto, di mana arti dari Perjanjian pasca adalah subjek dan objek penyelidikan dan kontestasi. Oleh karena itu, ini adalah proses yang berbicara dan menanggapi konteks pasca Perjanjian dan juga berbicara tentang dan menanggapi waktu foto yang kompleks.

J: Koleksi ini mengungkapkan kisah kehidupan yang intim di Irlandia pada akhir 1980-an dan awal 1990-an. Apa yang membuat Anda tertarik pada karya John Duncan, Kai Olaf Hesse, dan fotografer unggulan lainnya?

ST: Saya akan menyarankan bahwa publikasi terutama mengungkapkan akun sekarang – sejauh ini memberikan titik tumpu dari mana masa lalu diingat dan dilupakan, dan masa depan dibayangkan dan diantisipasi. Pasangan fotografer – John Duncan dan Kai Olaf Hesse; Mary McIntyre dan David Farrell; Paul Seawright dan Malcolm Craig Gilbert – menanggapi pertanyaan kuratorial mengenai tema Spectrality and Urbanism, Place as Archive, dan Between Memory and Mourning. Dengan demikian, karya fotografer unggulan memberikan perspektif yang berbeda tentang waktu dan tempat Irlandia Utara yang membuka ke pemeriksaan yang lebih luas tentang masalah wilayah, identitas dan subjektivitas.

A: Praktek Anda mengorientasikan diri di sekitar penelitian mendalam dan proyek yang melibatkan sosial. Menurut Anda, bagaimana hal ini dibandingkan dengan praktik berbasis proses yang lebih tradisional seperti patung?

ST: Saya tertarik pada apa yang muncul ketika narasi dan strategi visual yang berbeda dihubungkan, ketika afiliasi disiplin baru terbentuk. Pertanyaan tentang bentuk-bentuk pengetahuan apa yang dikatalisasi melalui penyelidikan dan pengalaman kolaboratif merupakan inti dari praktik saya – yang berupaya melacak bagaimana makna dihasilkan secara budaya dan sosial. Jadi, dalam banyak hal, praktik saya adalah tentang dramaturgi diskontinuitas dan ketidaksepakatan, alih-alih konstruksi sudut pandang yang lebih cenderung ke arah praktik tradisional seperti patung.

A: Mengapa karya seni kolaboratif menarik bagi Anda, dan siapa yang pernah bekerja dengan Anda di masa lalu?

ST: Karya seni kolaboratif memberikan ruang lingkup dan potensi untuk sejarah spesifik konteks untuk dipertanyakan, dieksplorasi dan diperiksa. Saya sebelumnya adalah Direktur Buat, agen pembangunan nasional untuk seni kolaboratif di Republik Irlandia. Selama bekerja dengan Create, ada proyek luar biasa yang diwujudkan dengan komunitas yang menarik dan tempat serta berbagai bentuk seni – terutama Hotel Ballymun milik Seamus Nolan yang membuka hotel sementara yang ‘dikelola’ oleh penduduk setempat di sebuah blok menara yang ditandai untuk dihancurkan, menyediakan komentar kritis tentang regenerasi dan pariwisata kemiskinan; Investigasi Sean Lynch mengenai kualitas co-temporal tempat Clanbrassil Street di Dublin dan Rhona Byrne yang dikenal, dilupakan dan dikenang di rumah proyek yang memfasilitasi ekspresi keinginan dan harapan untuk masa depan melalui jalur penerbangan pulang dari merpati pos ke sebuah komunitas.

Narasi Pemindahan

Krisis yang sedang berlangsung di Suriah telah berkembang menjadi konflik menentukan iklim politik kita saat ini – bencana kemanusiaan bagi mereka yang kehilangan tempat tinggal atau tinggal di sana, sebuah arena untuk uji coba kekuatan antara berbagai kekuatan geopolitik dan aliansi, dan pendorong di belakang pengungsi eksodus yang telah mempromosikan reaksi nasionalistis di Eropa. Konflik telah berlangsung lebih lama dari Perang Dunia II. Akibatnya, hampir setengah juta orang terbunuh. Hampir 11 juta – setengah dari populasi sebelum perang – telah diusir dari rumah mereka dan sebagian besar negara itu berada dalam reruntuhan. Ini juga merupakan “perang narasi”, dengan semua pihak berlomba untuk menceritakan versi mereka tentang apa yang terjadi, dan di mana informasi akurat sulit didapat dan diverifikasi.

Sebagai bagian dari Imperial War Museum, London, musim yang lebih luas Syria: A Conflict Explored, galeri ini menawarkan A Lens on Syria, pameran pertama di Inggris oleh fotografer dokumenter Rusia, Sergey Ponomarev (lahir 1980), yang terdiri dari cetakan warna dan media digital. Setelah bekerja di Rusia untuk Associated Press, Ponomarev memulai karir internasional lepas pada tahun 2012. Dia telah memenangkan Hadiah Pulitzer (2016), Penghargaan Foto Pers Dunia (2017), dan Penghargaan Medali Emas Robert Capa (2017) untuk karyanya. bekerja pada krisis pengungsi Eropa. Ini adalah kunjungan pertamanya ke Suriah sebagai turis pada tahun 2009 yang menginspirasi ketertarikan abadi pada negara dan komitmen untuk mendokumentasikan realitas kehidupan rakyatnya.

Ponomarev telah meliput Suriah baik di bawah rezim Assad dan dalam krisis berikutnya. Karyanya menarik perhatian pada perbedaan antara propaganda dan fakta, dan meningkatkan kesadaran akan pembatasan resmi atas akses jurnalistik, yang membentuk persepsi konflik di dunia yang lebih luas. Dengan menggunakan peralatan minimal, perhatian utamanya adalah membuat konsekuensi dari konflik pada skala manusia, menggunakan penggunaan warna dan komposisi estetika. Awalnya tertarik pada jurnalisme, seniman menemukan bahwa bahasa fotografi baginya merupakan media yang lebih kuat untuk bercerita daripada kata-kata tertulis.

Ditampilkan di empat kamar, pameran ini dalam dua bagian: Assad’s Syria and The Exodus. Yang pertama menampilkan 24 foto berwarna yang ditampilkan di tiga kamar sebagai cetakan digital besar dari esai foto Ponomarev dengan judul yang sama (2013-2014). Dia adalah salah satu dari sedikit fotografer yang diizinkan mengakses wilayah Suriah yang dikuasai pemerintah selama periode itu. Exodus adalah instalasi digital lebih dari 40 gambar yang diambil pada puncak krisis pengungsi Eropa antara 2015 dan 2016, yang ia liput sebagai bagian dari tim pelaporan New York Times. Ini adalah potret ketahanan, tekad, dan penderitaan manusia. Sebagaimana dicatat oleh sang seniman: “Ada banyak momen sulit: anak-anak menangis, ingin makan atau tidur atau pergi ke toilet; wanita membawa barang-barang berat dan tidak memahami apa pun; laki-laki kelelahan karena perjalanan, tekanan, dan ketidakpastian. ”Layar tersebut adalah visi yang membakar dari kondisi global, sebuah dokumentasi perpindahan sebagai bentuk identitas baru yang tidak diinginkan dan tidak perlu.

Perspektif Budaya

Sebuah buku dan pameran baru menggali kontekstualisasi gambar, mengingat bagaimana fotografi menciptakan lapisan pemahaman dan persepsi.

“Fotografi bukan tentang menangkap kenyataan,” jelas sejarawan seni Therese Lichtenstein dari Image Building (Prestel), sebuah buku yang menyertai pertunjukan di Parrish Art Museum, New York, (18 Maret – 17 Juni) dan Pusat Seni Frist Tennessee (27 Juli – 28 Oktober). “Bahkan foto dokumenter adalah ilusi karena selalu ada pemisahan antara dunia nyata dan dunia yang diproyeksikan ketika persepsi kita bergeser antara masa lalu dan masa kini.” “Osilasi transformatif” ini bergerak antara struktur statis di depan kamera dan “tampilan” yang diterjemahkan secara subjektif, dan menunjukkan bagaimana mencampur analog sensual dan teknik digital klinis dapat melampaui perbedaan antara desain dan seni, nostalgia dan potensi yang dapat diingat.

Bagi Lichtenstein, media menciptakan dan mempertahankan ruang fiksi yang glamor, menggunakan pencahayaan dan pilihan teknologi – titik-titik pandang, tekstur, pesawat, garis, ukuran – untuk mengubah realitas menjadi sebuah komposisi dengan nuansa tersendiri. “Bahkan jika kita telah melihat bangunan di depan gambar,” jelasnya, “foto itu menggeser persepsi kita, baik secara budaya maupun subyektif”. Dia menyarankan di sini bahwa kita terus-menerus merevisi kesan kita tentang dunia fisik dan sifatnya yang tidak berwujud di sepanjang dua garis patahan: “modernitas” dan “tontonan.”

Ini dapat dilihat dalam penjajaran antara Samuel Gottscho dan versi berbeda Hiroshi Sugimoto dari Gedung RCA New York (sekarang bagian dari Rockefeller Center). Bersamaan satu sama lain, perasaan yang sudah berbeda yang menyertai versi berbeda dari struktur yang sama semakin intensif: contoh klasik dari otot-otot kemajuan, hampir 70 tahun terpisah. Sendirian, Pandangan Gottscho di Kota New York, Gedung RCA Floodlighted (1933) adalah katedral seni-deco, sebuah bukti optimistis terhadap keberhasilan kapitalisme Amerika, menunjuk ke atas dan ke depan melampaui Depresi. Ditempatkan di sebelah Sugimoto’s Rockefeller Center (2001), ini merupakan peringatan serius bahwa perang, kemenangan, dan puncak abad ke-20 Amerika hingga akhir semua masih akan datang, tercermin dalam penggunaan manipulasi analog: kamera 8 × 10 inci abad ke-19 menggunakan waktu pajanan yang lama untuk mendapatkan kedalaman tonal, komposisi yang kaya kabur menyampaikan kekuatan penghancuran waktu dan memori.

“Fokusnya adalah arsitektur setelah fotografi, karena dunia kita dimediasi gambar,” kata Lichtenstein. Ini menangkap apa yang kita sebut struktural “mundur”. Eksperimen-eksperimen awal, seperti Pandangan Joseph Nicéphore Niépce dari Jendela di Le Gras (1826/1827) menggunakan bangunan sebagai titik referensi yang stabil. Tidak seperti manusia atau alam, konstruksi tetap cukup lama untuk waktu paparan yang lama. Namun, seperti yang ditunjukkan oleh Walter Benjamin, mode persepsi manusia berubah dengan kemajuan teknologi dan mata telah menjadi luas dengan peralatan kamera. Fotografi arsitektur dengan demikian telah mengubah berbagai ruang menjadi fenomena, bukan hanya sesuatu dengan dampak visual yang intens, tetapi suatu bentuk seni yang dapat (dan memang) menawarkan hubungan sosial dalam pengertian klasik Guy Debord. Guggenheim Museum Bilbao milik Frank Gehry, misalnya, dapat eksis jika hanya untuk ditampilkan dan ditangkap, dan tentu saja, dikagumi. “Kami selalu menambah persepsi kami,” kata Lichtenstein, “tidak pernah meninggalkannya.” Penting juga untuk mempertimbangkan gagasan bersama tentang bagaimana suatu tempat dapat terlihat berdasarkan pada era di mana kita hidup atau harapan kontekstual yang kita pelihara.

Waktu adalah konsep cair yang sangat sadar diri dan referensi dalam potongan-potongan; bahkan evolusi kamera dan kemungkinannya dipertanyakan di sepanjang garis waktu karier artis. Perpaduan antara teknik analog dan digital Thomas Ruff, misalnya, membuat garis-garis yang bersih dari subjeknya terlihat mengkilap sekaligus impresionistik. Mendokumentasikan markas obat batuk Swiss, Ricola di Mulhouse, Prancis, termasuk menarik perhatian pada relief patung bangunan, yang dibuktikan dengan langit ungu yang anggun. d.p.b 02 (1999) dan w.h.s. 10 (2001) dari seri tentang bangunan Mies van der Rohe menyatukan versi yang berbeda dari Paviliun Barcelona dan Weissenhof Estate di Stuttgart, menafsirkan kembali ide-ide kami yang mendarah daging tentang gaya Bauhaus, yang muncul kembali dalam gambar Julius Shulman tentang masuknya gaya ke perbukitan California di 1960-an.

Metode Komunikatif

Edisi ke-33 dari ICP Infinity Awards tahunan, yang pernah menjadi penghargaan terkemuka di bidang fotografi, akan sekali lagi merayakan pencapaian luar biasa dalam budaya visual. International Center of Photography (ICP) di New York, tahun ini menyajikan penghargaan prestasi seumur hidup untuk Harry Benson, sementara juga menghormati spektrum luas dari nama-nama terkenal dan meningkatnya bakat.

Jurnalis foto Skotlandia pemenang penghargaan Benson datang ke Amerika bersama The Beatles pada tahun 1964 dan tidak pernah menoleh ke belakang. Dia berbaris bersama Dr. Martin Luther King, Jr. selama gerakan hak-hak sipil; memotret Kerusuhan Watts; tertanam dalam Perang Teluk; di sebelah Robert Kennedy ketika dia dibunuh; dan telah memotret 12 presiden AS terakhir dari Eisenhower ke Trump, serta tokoh-tokoh terkenal yang tak terhitung jumlahnya termasuk Sir Winston Churchill, Charles de Gaulle, Michael Jackson, The Rolling Stones, Kate Moss, dan keluarga kerajaan Inggris, termasuk tempat duduk pribadi dengan Ratu Elizabeth II di Istana Buckingham. Baru-baru ini, film dokumenter Harry Benson: Shoot First (Magnolia Pictures, Desember 2016), yang menceritakan kariernya selama 65 tahun, dirilis ke ulasan bintang lima.

Bergabung dengannya dalam daftar penerima hadiah adalah: Seni: Sophie Calle; Buku Artis: Michael Christopher Brown untuk Gula Libya (Twin Palms, 2016); Penulisan dan Penelitian Kritis: Visi & Keadilan, Bukaan (no. 223, musim panas 2016), Michael Famighetti, Editor; Sarah Lewis, Editor Tamu; Dokumenter dan Jurnalisme Foto: Edmund Clark dan Crofton Black, untuk Publisitas Negatif; Fotografer Baru: Vasantha Yogananthan; Platform Online dan Media Baru: Untuk Kebebasan.

Mereka bergabung dengan seruan para kontributor besar dunia fotografi dan foto jurnalistik untuk dihormati oleh ICP Infinity Awards selama bertahun-tahun, dari Henri Cartier-Bresson hingga Annie Leibovitz dan Ai Weiwei.

Direktur Eksekutif ICP, Mark Lubell mengatakan: “Sepanjang sejarah kami, Pusat Fotografi Internasional telah mengabdikan diri pada gagasan bahwa gambar adalah alat yang kuat untuk komunikasi dan pemahaman, dan kekuatan untuk perubahan sosial. Dan, setiap tahun, kami mempersembahkan Penghargaan Infinity untuk mengakui bakat signifikan dari mereka yang menggunakan fotografi dan seni visual untuk menjelaskan dan membuat dampak pada dunia yang terus berubah. “

Ekologi Tidak Dikenal

Seperti apa rasanya mati? Sebuah pertanyaan yang menyatukan kita di segala usia, jenis kelamin, budaya dan waktu; kematian menjadi salah satu dari sedikit kepastian dalam kehidupan dan salah satu dari sedikit “terra incognitas” yang tersisa. Tetapi seberapa sering kita mempertimbangkan apa arti kematian bagi tubuh kita? Ini adalah titik tolak bagi duet artis Inggris Rebecca French dan karya baru Andrew Mottershead, Afterlife. Terdiri dari empat bagian, karya ini menawarkan serangkaian meditasi puitis yang intim tentang proses pembusukan tubuh, dua di antaranya saat ini dapat ditemukan di Whitworth Art Gallery di Manchester.

Woodland (2016) dan Grey Granular Fist (2017) adalah karya audio berbasis situs yang memandu pengunjung dalam perjalanan mendalam melalui tahapan imajiner, namun akurat secara ilmiah dari dekomposisi tubuh mereka sendiri. Woodland berpengalaman berbaring di selimut hangat di bawah kanopi pohon di taman Whitworth; membawa pendengar dari titik kematian setelah melalui fusi akhirnya dengan bumi dan fosilisasi ribuan tahun kemudian. Grey Granular Fist terungkap dalam salah satu dari tiga “kursi mendengarkan” yang dirancang khusus dengan hati-hati diposisikan di sekitar galeri, dan kursus efek dari kondisi udara yang dikendalikan dengan cermat yang dirancang untuk melindungi dan melestarikan karya seni sekitarnya dalam koleksi. Seiring berlalunya waktu, tubuh perlahan-lahan mengering, akhirnya menjadi tidak lebih dari setumpuk debu – terlepas dari upaya konservator.

Paradoksnya, setiap pertemuan terasa aneh. Praktik Prancis dan Mottershead memanfaatkan perpaduan video, kinerja, fotografi, dan suara untuk membangun narasi nyata di sekitar peserta, yang menjadi kolaborator aktif dalam menghasilkan karya. Dengan Afterlife, bahasa adalah unsur utama. Keempat skenario kematian (dua lainnya mengikuti tubuh yang membusuk sendirian di rumah dan di laut) diterjemahkan dalam istilah yang sangat visual, sensual yang masuk ke arsip pendengar sendiri tentang sensasi dan referensi tubuh yang akrab; membuat mereka pada dasarnya “hidup” apa yang sedang dijelaskan. Meskipun kadang-kadang sangat grafis, efek keseluruhan Afterlife sangat menenangkan dan membangkitkan semangat; semua cerita berakhir dengan perasaan kembali dan masuk kembali ke ekosistem alami.

Seperti yang dijelaskan Mottershead: “Gagasan untuk pekerjaan ini berasal dari kombinasi ketakutan pribadi yang terkait dengan kengerian sekarat dan tidak ditemukan, dan keingintahuan sederhana.” Pembusukan manusia sekarang sebagian besar asing bagi kita dalam masyarakat Barat modern. Ini adalah sesuatu yang terjadi di balik layar dan di kamar mayat rumah sakit yang bersih di mana risiko kesehatan masyarakat dapat dikelola. Namun di masa lalu, kematian adalah bagian dari kehidupan; almarhum sering disimpan di rumah selama periode berkabung sebelum penguburan dan disiapkan oleh anggota keluarga. Para seniman berkolaborasi dengan tim antropolog forensik, ekologi, dan konservator dalam mengembangkan setiap karya, dan meskipun dihadapkan dengan detail kecil pembusukan agak mengerikan, itu menusuk ketakutan kita akan hal yang tidak diketahui.

Di jantung kekuatan Afterlife, bagaimanapun, adalah undangan yang ditawarkannya untuk “melangkah melalui cermin” dan memasuki tempat yang kita semua akan tiba namun tidak pernah benar-benar tahu. Itu adalah “penegasan maut” sebagaimana dikatakan Mottershead; pada akhirnya merayakan milik kita pada jalinan yang lebih luas dari alam semesta – sesuatu yang sering kita lupakan.

Advokasi Sosial

Child’s Play menyatukan pameran foto, simposium, dan buku karya seniman Mark Neville, yang bekerja di persimpangan seni dan dokumenter. Kathleen Palmer, Kurator: Pameran & Tampilan di Foundling Museum, London, menjelaskan fungsi sosial fotografi, di samping kepentingan sosial dan rekreasi global.

A: Dari mana ide untuk pameran ini berasal, dan mengapa Anda berpikir bahwa permainan masa kecil adalah topik yang begitu penting – baik secara psikologis maupun sosial?

KP: Eksplorasi Mark Neville yang berkelanjutan atas fungsi sosial fotografi, dan penekanannya pada hasil sosial praktis untuk rakyatnya adalah hal yang wajar bagi Foundling Museum. Artis dari semua disiplin ilmu telah bekerja dengan dan mendukung Rumah Sakit Foundling sepanjang sejarahnya, dan kolaborasi dengan para seniman yang berkomitmen terhadap perubahan sosial tetap menjadi pusat dari praktik kami.

Bermain menawarkan manfaat signifikan bagi kesehatan fisik dan mental anak-anak, dan diakui dalam Konvensi PBB 1989 tentang Hak-hak Anak sebagai hak mendasar. Dalam menghadapi penghematan ruang fisik dan waktu untuk bermain anak-anak sedang diperas, tetapi ini bisa dengan mengorbankan menciptakan generasi orang dewasa dengan kesehatan yang buruk. Pada saat hingga 13 juta anak-anak terlantar secara internal sebagai akibat dari konflik bersenjata, dan ruang publik tradisional diprivatisasi, Child’s Play memperkuat tanggung jawab kami untuk memastikan bahwa anak-anak di seluruh dunia memiliki kesempatan penuh untuk bermain dan rekreasi.

A: Bagaimana Mark Neville menanggapi masalah ini?

KP: Tanggapan Neville mencakup pameran foto-fotonya, sebuah buku yang dibuat untuk penyebaran yang ditargetkan, dan simposium Space to Play. Semua memiliki satu tujuan: untuk meningkatkan kondisi bagi anak-anak untuk bermain. Pameran ini menghadirkan serangkaian foto anak-anak yang bermain di berbagai lingkungan di seluruh dunia. Ini termasuk foto yang diambil di komunitas dari Port Glasgow ke London Utara, dan di zona perang Afghanistan dan Ukraina. Gambar-gambar baru anak-anak terlantar di Ukraina; penduduk Kakuma, kamp pengungsi kedua terbesar di Kenya; dan penggambaran anak-anak yang bermain di taman bermain petualangan London, dibuat khusus untuk proyek ini.

Buku Neville menyajikan gambar-gambar dari pameran bersama dengan ikhtisar pekerjaan inovatif di bidang permainan anak-anak, untuk meningkatkan kesadaran akan pentingnya dan untuk memusatkan perhatian pada bagaimana kondisi bagi anak-anak di Inggris dapat ditingkatkan. Untuk secara langsung berdampak pada pemikiran pemerintah dan publik, Neville telah mengirimkan 700 salinan buku ini secara gratis ke perencana kota, anggota parlemen, pekerja permainan, pembentuk opini, pembuat kebijakan utama, quango, think tank, pakar lainnya di bidang ini dan untuk masing-masing dari 433 dewan lokal di Inggris. Simposium baru-baru ini berhasil menyatukan para ahli dan praktisi dari berbagai perspektif termasuk arsitektur dan desain perkotaan, organisasi dan penyedia permainan, dan psikolog untuk bertukar ide dan mengembangkan strategi bersama untuk aksi dan advokasi.

A: Bagaimana menurut Anda pameran ini meningkatkan kesadaran akan isu-isu global yang penting dan perdebatan seputar hak-hak universal?

KP: Proyek ini secara keseluruhan bertujuan untuk meningkatkan kesadaran, dan tindakan cepat untuk mengadvokasi dan mempromosikan penyediaan permainan untuk anak-anak di Inggris pada khususnya. Namun pameran ini mengambil perspektif global tentang subjek dan pentingnya permainan sebagai hak universal untuk anak-anak yang diakui oleh PBB. Neville mempertimbangkan dengan sangat hati-hati pencantuman foto-foto anak-anak yang diambil dalam konteks perang dan pemindahan di Afghanistan, Ukraina dan Kenya, dalam sebuah pameran yang berpusat pada hak anak-anak untuk bermain di Inggris. Dia menyimpulkan bahwa gambar-gambar ini penting; dalam beberapa cara mereka mengkalibrasi ulang makna dan signifikansi permainan. Mereka mengungkapkan dorongan universal untuk bermain bahkan dalam situasi yang paling menantang, dan kontribusi yang dapat dilakukan bermain untuk kemampuan anak-anak untuk mengatasi dan pulih dari trauma.

A: Mengapa Anda berpikir bahwa pertunjukan itu sangat relevan sekarang karena populasi pengungsi dan konflik bersenjata?

KP: Ini adalah masa perubahan dan ketidakpastian, dengan perubahan signifikan dalam geopolitik seperti Brexit dan arah politik baru Amerika Serikat di bawah Donald Trump. Namun sayangnya ada kesinambungan dalam konflik di Suriah, Irak, Afrika Utara dan Ukraina yang menciptakan pengungsi dan perpindahan internal dalam skala besar. Anak-anak sangat rentan dalam situasi ini, dan dimasukkannya foto-foto yang merefleksikan isu-isu global ini dalam pameran menyoroti dampaknya terhadap anak-anak dan mencerminkan pekerjaan untuk berteduh dan mendukung mereka.