Pameran berani

Cécile Schall mendirikan fotofever lima tahun lalu. Dia didorong oleh tiga motivasi: hasrat untuk fotografi yang diceritakan oleh sejarah keluarganya selama beberapa generasi; penghormatan terhadap galeri yang mempromosikan seniman muda di pasar seni; dan keyakinan bahwa mengoleksi adalah tindakan dukungan untuk kreasi artistik. Edisi terbaru pameran ini diluncurkan pada 11 November dan berlanjut hingga 13 November dengan serangkaian proyek inovatif baru untuk mempromosikan koleksi seni kontemporer dan untuk menampilkan bakat yang muncul dalam bidang fotografi. Kami berbicara dengan Schall untuk mendapatkan wawasan lebih lanjut tentang etos fotofever.

A: Sebagai pekan fotografi independen, fotofever mengusulkan agenda yang berani dan berwawasan ke depan. Apa yang menarik Anda ke karya seniman dan apa yang akhirnya mengarahkan Anda untuk memilih galeri yang mewakili mereka untuk pameran?

CS: Hanya galeri yang dipilih untuk berpartisipasi namun kami sebagian besar memilihnya dari artis yang mereka wakili dan promosikan. Kami mengembangkan hubungan jangka panjang dengan galeri dan seniman, dengan beberapa telah menjadi bagian dari fotofever sejak awal.

Kami ingin adil menampilkan masa depan dan keragaman fotografi: Anda dapat melihat seniman muda dan yang baru muncul, sebagian besar pada tahap awal karir mereka, sebelum mereka terlihat di tempat lain. Mereka datang dari seluruh dunia dan masing-masing memiliki visi tunggal dan penggunaan fotografi!

Mereka semua telah ditemukan dan diungkapkan oleh galeri, dan mereka hanya menyajikan karya seni asli, yaitu direproduksi dalam tidak lebih dari 30 edisi terbatas dalam semua format yang disertakan.

A: Pameran ini memiliki misi pendidikan untuk meningkatkan akses ke keragaman fotografi kontemporer. Bagaimana Anda mencapai tujuan ini?

CS: Aspek pendidikan adalah sesuatu yang benar-benar penting bagi kami, untuk semua usia, anak-anak kecil hingga kolektor berpengalaman, kami tidak pernah terlalu tua atau muda untuk belajar. Untuk anak-anak ada lokakarya gratis, ‘les p’tits collectionneurs’ (kolektor kecil), ini gratis untuk anak-anak berusia 6-12 tahun, yang datang ke pameran sebagai bagian dari kunjungan keluarga. Lokakarya ini bertujuan mendidik mata mereka dengan melihat fotografi sebagai objek seni dan bukan hanya gambar, terutama dengan memperkenalkan mereka pada proses kreatif di balik karya seni fotografi.

Tahun ini kami juga telah menginvestasikan banyak ke dalam program ‘mulai mengumpulkan’ yang didedikasikan untuk promosi seni koleksi. Ini ditujukan untuk pengunjung yang telah mempertimbangkan mengumpulkan seni tetapi belum tahu harus mulai dari mana atau belum berani membeli. Setiap pengunjung akan menerima panduan kolektor 32 halaman dan akan dapat berpartisipasi dalam program tur dan pembicaraan yang kaya. Selain itu untuk membantu calon kolektor ini, tidak hanya harga karya seni yang ditandai dengan jelas di pasar malam tetapi stiker kuning ‘mulai mengumpulkan’ juga terlihat di sebelah setiap karya seni dengan harga kurang dari 5.000 Euro.

Kami ingin mendorong para pecinta seni untuk membawa gairah mereka ke tingkat berikutnya. Mengagumi karya seni adalah satu hal tetapi mengoleksi sangat penting untuk kelangsungan penciptaan seni. Dalam dunia yang semakin fokus pada komunikasi gambar, fotografi adalah titik masuk terbaik untuk pengumpulan seni, tidak hanya dari segi harga tetapi juga secara estetika.

A: Apa yang bisa dilihat pengunjung di edisi tahun ini? Apakah ada fitur baru yang harus diwaspadai?

CS: Dua fitur terbaru dan paling mencolok tahun ini akan terlihat di pintu masuk dan melalui denah lantai yang inovatif. Pintu masuk di fotofever paris 2016 telah diubah menjadi apartemen seorang kolektor. Ruang ini didedikasikan untuk apartemen konseptual di mana pengunjung dapat membuat diri mereka nyaman dan melihat bagaimana koleksi fotografi dapat bekerja di rumah. Pilihan lebih dari 50 karya seni dari peserta pameran kami, dipilih dan dikuratori oleh Stéphane Baumet, direktur Artistik fotofever, akan dipamerkan di sekitar empat tema: potret, lukisan yang masih hidup, lanskap, dan “di luar kenyataan”.

Setelah apartemen ini, pengunjung akan mengalami denah lantai yang inovatif yang terdiri dari pola zig-zag yang akan mendorong kunjungan yang lebih lancar dan terbuka, memungkinkan pertukaran yang tidak rumit dan dapat diakses antara 70 peserta pameran kami dan publik, cerminan sejati dari nilai keterbukaan nilai fotofever. .

Erwin Olaf

Setiap tahun, House of Ruinart menyoroti karya seorang seniman dan mengundang mereka untuk berkolaborasi. Tahun ini Erwin Olaf terpilih. Pada usia 57, ia sekarang menjadi fotografer dan artis yang diakui secara internasional. Pada kunjungan pertamanya ke Reims, Erwin terpesona dan terkesan oleh kedalaman dan luasnya krayon, dan memutuskan untuk berkonsentrasi pada rincian formasi alami prasejarah mereka dan jejak yang ditinggalkan oleh manusia. Karyanya dipamerkan di Pameran Seni Frieze 2016 di London. Kami bertemu dengan artis untuk mendiskusikan kemitraan dan karya yang dipamerkan.

T: Dapatkah Anda mendiskusikan gagasan kolaborasi dalam hal pekerjaan Anda sendiri dan sebagai seniman secara umum; bagaimana pengaruhnya terhadap pengembangan kreatif Anda?

EO: Itu tergantung setiap kali pada pertanyaan dan kolaborasi, tetapi ketika itu berjalan dengan baik, ketika Anda memiliki kolaborasi yang baik itu membuka pintu baru di pikiran Anda, Anda mendapatkan ide-ide baru Anda melihat secara berbeda pada pekerjaan Anda sendiri dan mereka mendorong Anda dalam arah ke arah yang tidak pernah Anda harapkan. Tetapi di sisi lain Anda juga memiliki kolaborasi yang merupakan mimpi buruk!

T: Mengapa Anda memilih untuk bekerja sama dengan House of Ruinart dan apa yang ingin Anda capai bersama?

EO: Mungkin untuk menjawab bahwa lebih baik menceritakan sebuah cerita pendek; tentu saja saya adalah seorang fotografer dari orang-orang dan situasi di mana manusia berada. Di sinilah kita mulai, ketika Ruinart meminta saya untuk merenungkan warisan mereka. Dan setengah jalan mengerjakan ide ini ternyata saya tidak suka semuanya dan saya bisa memasukkan ini ke selokan dan mulai dari awal lagi. Saya berakhir dengan fotografi abstrak berdasarkan jejak manusia atau alam yang telah ditinggalkan di ruang bawah tanah Ruinart dan mereka memungkinkan saya untuk menjelajahi bidang yang sama sekali baru bagi saya.

T: Karena banyak dari karya Anda berfokus pada detail visual dan pencahayaan, bagaimana lanskap crayères memengaruhi proses Anda untuk bekerja?

EO: Cahaya dalam seri ini cukup gelap, karena ketika saya menemukan keajaiban di ruang bawah tanah dan semua jejak itu, saya berpikir dengan baik saya harus menemukan teknik yang melakukan keadilan terhadap atmosfer di ruang bawah tanah itu sehingga saya ingin memiliki ide lampu sorot. Jadi, hanya satu lampu yang berfungsi sebagai obor, ini bagi saya agak baru, hanya untuk memiliki satu lampu, karena sebagian besar waktu saya memiliki banyak lampu di belakang kamera. Kali ini hanya satu lampu, satu kamera, dan satu asisten. Jadi cahaya ini bagi saya agak referensial.

A: Dengan 26 foto, bagaimana Anda mendekati gaya untuk karya dalam hal komposisi dan subteks?

EO: Ya saya ingin melakukan ini, ini cukup banyak foto, 26, tapi saya memilih untuk melakukan ini karena saya ingin pengunjung merasakan atmosfer ruang bawah tanah yang Anda tahu, ada ketegangan luar biasa di setiap sudut yang Anda lihat, setiap kali Anda menoleh. Ada begitu banyak hal untuk ditemukan, kadang-kadang sangat kecil, kadang-kadang sangat besar dan kadang-kadang Anda hampir kehilangan keajaiban ruang bawah tanah. Jadi saya ingin membuat sesuatu yang ketika Anda melihat semuanya bersama-sama Anda merasa seolah-olah Anda berjalan di ruang bawah tanah itu. Tentu saja waktu harus memutuskan apakah semua 26 adalah mahakarya. Tapi itu adalah satu karya seni yang harus Anda lihat, itu adalah satu hal, lihat; ini adalah satu suasana yang Anda lihat.

T: Ada apa dengan sejarah tempat yang mengundang Anda sebagai seorang seniman yang mengabadikan dan mendokumentasikan momen melalui sinematografi?

EO: Itu pertanyaan yang sangat bagus. Saya mencoba, dan saya pikir, bagi saya itu terlihat agak mudah ketika Anda bekerja dengan orang-orang, tetapi set selalu rumit dan Anda perlu banyak teknik. Pada awalnya saya merasa seolah-olah tidak memilikinya. Karena saya akan mengambil foto tembok dan berpikir “Saya memilikinya” dan kemudian saya pulang dan berpikir “hmm.” Semua itu adalah enam kunjungan yang kami bayarkan, dan setiap kali memotret lebih dari satu hari . Kemudian benar-benar menyusun menyusun semuanya, dan kemudian “tidak, saya harus kembali.” Jadi itu cukup rumit untuk dicapai, tetapi pada akhirnya saya pikir saya mencapai untuk menciptakan sesuatu yang mewakili suasana di ruang bawah tanah dan sejarah dari gudang itu.

T: Dapatkah Anda mendiskusikan gambar yang memberikan penghormatan kepada Alphonse Mucha; bagaimana artis memengaruhi pekerjaan Anda?

EO: Ya, itu film pendek yang menyertai rangkaian foto ini. Mucha banyak bekerja dengan garis-garis hitam yang kuat dari periode Art Nouveau, yang banyak bekerja dengan garis-garis hitam dan gambar komik dan itulah yang saya coba tiru dalam beberapa foto. Itu hanya titik awal dan saya meninggalkan titik awal dengan sangat cepat.

A: Karya Anda dipajang di Frieze Art Fair; Menurut Anda, bagaimana memamerkan karya di pekan seni yang bergengsi itu diterima?

EO: Itu adalah pujian untuk berada di sana dan membandingkannya dengan seni yang telah ada di sini selama sepuluh tahun dan telah dilihat sebagai karya agung. Saya tidak berani menebak saya tidak ingin menjadi hakim saya sendiri atas pekerjaan saya! Saya akan serahkan itu pada para pengunjung.

Dialog Intim

Ada apa dengan makhluk lain yang mengundang tatapan? Dalam sebuah portofolio yang selesai menjelang akhir kariernya, Diane Arbus mengundang kita untuk melihat, tanpa terhalang dari batasan masyarakat, pada gambar-gambar yang diambilnya dari normalitas yang jika tidak akan dianggap sebagai marjinal. Dengan melakukan hal itu, ia menciptakan ruang untuk dialog yang intim sambil menyucikan privasi rakyatnya. Arbus, tidak seperti yang lain, menemukan keanehan dalam kehidupan sehari-hari dan sehari-hari di keanehan, membawa pemirsa sehari-hari menjadi dekat dengan eksentrik, atau mungkin eksentrisitas mereka sendiri.

Kembali pada tahun 1971, fotografi, mungkin, dianggap kurang serius sebagai bentuk seni dibandingkan dengan metode tradisional lainnya. Namun demikian, foto-foto 10, kadang 11, format persegi dari beberapa orang yang paling terpinggirkan dalam masyarakat inilah yang mengubah segalanya. Arbus menjadi fotografer pertama yang tampil di Artforum. Cukup mengharukan, ia menyelesaikan delapan set cetakan, hanya empat di antaranya ia berhasil menjual – keluar dari edisi yang direncanakan 50 – hanya beberapa bulan sebelum mengambil nyawanya sendiri. Secara anumerta, ia pertama kali menjadi fotografer pertama yang tampil di Venice Biennale, pada tahun 1972, menikmati kesuksesan yang jauh lebih banyak daripada selama masa hidupnya, ketika ia sering kesulitan menemukan pekerjaan (berbayar).

Menengok ke belakang, tampaknya tidak percaya bahwa butuh waktu lama untuk fotografi untuk mendapatkan pengakuan yang tepat sebagai “seni serius.” Pendahulu dan orang seusia Arbus termasuk orang-orang seperti Jacques Henri Lartigue, Weegee, Ansel Adams, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson dan Robert Frank . Apakah mereka digolongkan sebagai seni murni atau tidak, mereka terus maju dengan visi unik mereka sendiri. Apa itu, kemudian, tentang gambar eksentrik Arbus yang membuatnya sangat inovatif?

Kedekatan dan kerataan mengejutkan mereka, misalnya. Hampir tidak mungkin untuk mengambil pandangan pertama tanpa ditarik kembali untuk mengamati subjek yang menatap Anda kembali, atau untuk mengamati detail menit yang hanya bisa diungkapkan oleh fotografi, seperti tanda kaki seorang waria, mata yang baru saja dicukur jenggot dan mata seperti kaca, atau permainan. cahaya dan bayangan di ruang tamu pasangan nudis dan di lipatan tubuh mereka yang menua. “Mereka adalah bukti bahwa ada sesuatu di sana dan tidak ada lagi. Seperti noda, ”Arbus pernah menulis. “Dan keheningan mereka membingungkan. Anda bisa berpaling tetapi ketika Anda kembali mereka akan tetap ada di sana menatap Anda. ”

Sang fotografer mengembangkan teknik pencetakan eksperimental dengan garis tepi lembut sambil mengerjakan satu kotak berisi sepuluh foto, gambar yang tampaknya meleleh atau larut ke dalam kertas untuk membuatnya tampak jauh lebih nyata. Dalam karya sebelumnya, ketika menggunakan film 35mm dan bahkan ketika dia mulai menggunakan kamera format medium dengan film 120mm, New Yorker membuat cetakan yang gambarnya memiliki tepi tajam dan batas lebar. Dia kemudian menggunakan batas hitam tidak teratur untuk membingkai gambarnya mulai sekitar tahun 1965, sebuah gaya yang akhirnya dia tinggalkan ketika itu menjadi lebih populer.

Yayasan Visioner

Design Week Mexico (DWM) telah mengumumkan programnya untuk edisi kesembilan, dengan 13 platform yang beragam mempromosikan bidang ini sebagai alat untuk pembangunan ekonomi, sosial, budaya dan lingkungan. Tahun ini ibu kota telah mengundang Swiss sebagai negara tamu untuk merayakan peringatan ke-70 hubungan diplomatik yang kuat. Satu sisi kolaborasi di Museo de Arte Modern menghadirkan desain Swiss selama 100 tahun, eksplorasi holistik warisan Nordic mereka. Koleksi ini juga akan fokus pada pengaruh internasional mereka, dengan menekankan proyek melintasi kedua negara tuan rumah. Karya-karya dari Hannes Meyer, direktur sebelumnya dari sekolah Bauhaus yang menghabiskan satu dekade tinggal dan bekerja di Meksiko, serta Uzeyel Karp kelahiran Meksiko, yang menghabiskan sebagian besar karirnya di Swiss sebelum kembali ke negara asalnya, dipajang .

Sebelum akreditasi 2018-nya sebagai kota Amerika pertama yang dianugerahi kehormatan World Design Capital, acara tersebut bertindak sebagai contoh wawasan tentang kredensial Meksiko. Tema menyeluruh dari jadwal 2017 mencakup praktik yang bertanggung jawab secara sosial yang menyoroti lintasan inovator terkemuka. Komitmen DWM terhadap upaya jangka panjang desain dan arsitektur telah membenarkan penilaiannya dan memungkinkan acara-acara tahunan menjadi titik pertemuan bagi para raksasa industri. Paviliun arsitektur utama diadakan di kebun-kebun Museo Tamayo, misalnya, rumah karya studio Materia berbasis endemik. Mirip seperti Paviliun Serpentine London, struktur sementara dimasukkan ke dalam lingkungan sekitarnya, termasuk museum seni kontemporer dan Bosque de Chapultepec.

Direktur Jenderal Emilio Cabrero menyatakan: “Hari ini, World Design Capital menghadirkan kesempatan untuk menantang dan menunjukkan kemampuan kami untuk menggunakan solusi desain untuk mengatasi tantangan sosial dan perkotaan yang dihadapi kota kami.” Salah satu tantangan tersebut adalah melindungi produk dari sejarah budaya negara tersebut. sementara membuat ruang untuk peresmian arahan muda. Menanggapi hal ini, negara bagian timur tengah Puebla telah dipilih sebagai Negara Tamu edisi ini. Terkenal dengan tradisi seni rakyatnya yang kaya, rangkaian karya ini berpusat pada gaya tembikar, kaca, dan tekstil asli Mayolica. Visión & Tradición telah menawarkan tempat tinggal bagi orang-orang sezaman yang baru muncul untuk berkolaborasi dengan pengrajin lokal, sehingga menyelaraskan komunitas kreatif di masa lalu dan masa depan. Hasil penggabungan ini dipamerkan di Museo Tamayo bersama Inédito, koleksi bakat segar dari berbagai studio Meksiko, dengan bagian yang didedikasikan untuk penghargaan desain Swiss.

Material Kedewasaan

Dalam pidato penerimaannya untuk Hadiah Pritzker pada 2013, arsitek Jepang kontemporer Toyo Ito menunjukkan kerendahan hati dan kemurahan hati ketika dia menyatakan bahwa “membuat arsitektur bukanlah sesuatu yang dilakukan sendirian; kita harus diberkati dengan banyak kolaborator yang baik untuk mewujudkannya. ”Sebuah pameran baru di MoMA yang mengeksplorasi arsitektur Jepang, A Constellation Jepang: Toyo Ito, SANAA dan Beyond, berupaya untuk memberikan gambaran yang lebih lengkap dan lebih bulat tentang upaya sosial dan kolaboratif dari upaya sosial dan kolaboratif dari arsitektur kontemporer, mengeksplorasi ide-ide pengaruh dan komunitas.

Seperti judulnya, A Constellation Jepang: Toyo Ito, SANAA dan Beyond melangkah lebih jauh dari sekedar menyajikan karya arsitek individu dan bukannya berfokus pada beberapa impuls dan estetika yang dibagikan oleh sekelompok arsitek kontemporer terpilih dan mendasari praktik mereka. Seperti Pedro Gadanho, mantan Kurator Arsitektur Kontemporer di MoMA, dan Direktur Museum Seni, Arsitektur, dan Teknologi (MAAT) saat ini di Lisbon, berkomentar: “Saya ingin mempertanyakan status pertunjukan monografi sebagai format yang paling diinginkan untuk mempresentasikan karya arsitek. Saya menganggap ini sebagai ‘monograf yang diperluas’ di mana fokusnya adalah pada hubungan dan pengaruh yang dimiliki sejumlah orang terpilih. Dalam hal ini, ini bukan acara ‘nasional’, tetapi berhubungan sangat tepat dengan garis keturunan arsitek yang diberikan, dan apa yang menjadi jelas sebagai bahasa formal bersama. ”

Salah satu batu penghubung yang dimiliki bersama oleh orang-orang kreatif ini adalah lingkungan yang bisa disebut Post-Metabolisme. Metabolisme adalah momen ambisi dan optimisme untuk arsitektur di Jepang yang berumur pendek setelah perang, di mana arsitek seperti Kiyonori Kikutake, Kisho Kurokawa dan Fumihiko Maki merancang manifesto teoretis, dan merancang proyek hipotetis seperti kompleks perkotaan yang luas yang mengapung di atas air dan plug -di menara kapsul yang bisa menggabungkan pertumbuhan organik. Gerakan itu sendiri hanya menghasilkan beberapa bangunan yang sesuai dengan ambisi penulisan dalam manifesto mereka sebelum menghilang karena jatuhnya ekonomi tahun 1970-an. Namun demikian, gema gerakan ini selalu hadir dalam karya, misalnya, Ito, yang posisi pertamanya adalah dengan praktik Kiyonori Kikutake.

Sementara Metabolisme adalah gerakan yang ditentukan sendiri, pameran ini menunjukkan lingkungan kontemporer yang jauh lebih cair. Pengertiannya adalah jaringan spesifik arsitek yang berbagi bahasa profesional dan secara intrinsik terkait dalam peran mereka sebagai mentor, mahasiswa, dan kolega. Gadanho mengatakan niatnya bukan untuk menyarankan semacam sekolah formal atau gerakan yang ditentukan sendiri, “tetapi bagaimana suasana saling mendukung lintas generasi dan pengaruh telah mendorong konteks intelektual dan sikap bersama terhadap kemampuan arsitektur untuk mendorong perubahan sosial.”

Rumah Kazuyo Sejima di Hutan Plum (1999-2004) adalah contoh dari proyek yang relatif sederhana yang menunjukkan inovasi teknis dan pendekatan puitis dan estetika terhadap ruang. Sebagai seorang arsitek, Sejima, setengah dari praktik pemenang Penghargaan Pritzker SANAA, dikenal karena ringannya sentuhan; dia menghindari virtuoso berkembang demi kesederhanaan yang elegan. Bangunan itu adalah kotak putih dengan beberapa celah atau potongan jendela yang tampaknya serampangan. Ini adalah ekspresi kesopanan dan kehadiran, terletak di sebuah situs kecil seluas 92 meter persegi, di mana bahkan detail pintu seperti sekering hampir tak terlihat ke dinding. Menggunakan lembaran baja untuk dinding, Sejima mampu menciptakan kesan di mana dinding internal dan eksternal memiliki ketebalan yang sama, dan sementara aman, tampak tanpa bobot. Secara internal, tidak ada ruang yang sepenuhnya tertutup dari yang lain dan rumah ini menantang gagasan privasi sambil mencerminkan cara hidup keluarga modern.

Gadanho percaya bahwa proyek seperti ini mencerminkan fakta bahwa ada lebih banyak peluang bagi arsitek kontemporer untuk bekerja pada skala yang lebih kecil dan dengan cara yang lebih inovatif di Jepang daripada di AS. “Ada sektor korporat yang sangat mirip di kedua negara, yang bisa Anda sebut arsitektur internasional baru, yang menurut saya tidak menarik. Di Jepang, ada juga ruang lingkup yang lebih luas untuk praktik eksperimental yang lebih kecil yang bertahan – dan memang berkembang dalam hal kualitas arsitektur semata-mata berdasarkan komisi swasta, sesuatu yang tampaknya tidak berkelanjutan secara ekonomi di AS. Dalam hal ini, dan mengabaikan pengecualian yang jelas di Amerika Serikat, arsitektur kontemporer di Jepang telah menjadi jauh lebih referensi dalam hal inovasi spasial yang telah dapat dibuat selama beberapa dekade terakhir. ”

Beberapa proyek SANAA yang paling ambisius adalah gedung-gedung publik seperti New York’s New Museum yang ikonik (2003- 2007), Lausanne’s Rolex Learning Center (2005-2010) dan 21th Century Museum Kanazawa (2004), yang secara khas mengeksplorasi bentuk-bentuk sederhana, memodulasi dan menggabungkannya untuk menciptakan pengalaman spasial yang kompleks.

Wawasan Asia

Art Hong Kong yang kelima edisi Hong Kong menyambut 242 galeri ke Hong Kong Convention and Exhibition Center (HKCEC) dari 23 Maret hingga 25 Maret. Acara 2017 melihat peserta pameran dari 34 negara dan wilayah datang ke kota. Karya-karya mulai dari awal abad ke-20 hingga saat ini akan dipajang, dan setengah dari peserta pameran memiliki ruang di Asia dan kawasan Asia Pasifik, termasuk Jepang, Singapura, Korea Selatan, dan Taiwan – menjadikan pameran ini sebagai platform seni yang tak tertandingi dari wilayah ini. Ini membanggakan sejumlah besar galeri dari Hong Kong itu sendiri, serta daratan Cina.

Dipimpin oleh mitra UBS, acara mendatang meluas pada program tahun lalu dengan mengundang 29 galeri baru dari Asia, Eropa dan Amerika. Untuk pertama kalinya, Art Basel juga akan memperkenalkan sektor Kabinett ke pertunjukannya di Hong Kong, yang telah sukses besar di Art Basel Miami Beach. Kabinett melihat galeri menghadirkan proyek yang dikuratori secara khusus di area terpisah di dalam gerai mereka, mulai dari pertunjukan satu orang, pameran kelompok tematik, instalasi, program film / video hingga koleksi bahan sejarah seni.

Galeri sektor utama akan menampilkan 190 peserta pameran yang berspesialisasi dalam seni modern dan kontemporer dan berbagai media termasuk lukisan, patung, gambar, instalasi, fotografi, video, dan karya-karya edisi. Peserta pameran kembali setelah absen singkat termasuk Karma International, Timothy Taylor dan Galerie Daniel Templon. Sektor Galeri akan melihat Antenna Space dan Kraupa-Tuskany Zeidler menghadirkan stan bersama dalam kolaborasi yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk dua galeri muda.

Wawasan akan didedikasikan untuk proyek-proyek kuratorial oleh 27 galeri, yang delapan di antaranya benar-benar baru di pameran, dan akan menampilkan pertunjukan solo, materi sejarah, dan pameran kelompok tematik. Sektor ini menggambarkan sejarah seni Asia dengan menghadirkan karya seniman dari Asia dan wilayah Asia Pasifik. Edisi ini menampilkan pilihan karya Modern serta presentasi yang kuat dari seniman kontemporer Tiongkok. Sorotan termasuk karya-karya oleh empat anggota kelompok avant-garde Taiwan Fifth Moon.

Pada 2017, Discoveries menghadirkan pilihan pameran tunggal dan dua orang: 12 dari 25 galeri yang berpartisipasi akan menjadi barang baru bagi Art Basel Hong Kong. Pameran-pameran utama termasuk serangkaian lima lukisan digital karya Petra Cortright (lahir 1986) tentang aluminium anodisasi yang disajikan oleh Société; dan Ishu Han (lahir 1987) bermuatan politis, fotografi dan melukis memeriksa hubungan antara individu dan masyarakat di Urano.

Kolaborasi BMW dengan Art Basel untuk mendukung seniman yang baru muncul, BMW Art Journey, terbuka untuk seniman yang ditampilkan dalam sektor Discoveries di Hong Kong dan dalam sektor Posisi di Miami Beach. Artis Inggris Abigail Reynolds (lahir 1975), diwakili oleh Rokeby, yang merupakan penerima penghargaan pada 2016, tahun ini akan menghadirkan The Ruins of Time: Lost Libraries of the Silk Road sebagai puncak dari pengalamannya. Di tempat lain, sektor Encounters, yang didedikasikan untuk karya-karya dengan proporsi kelembagaan, melihat Alexie Glass-Kantor, Direktur Eksekutif Artspace, Sydney, menyusun program instalasi dan kinerja patung.

Danny Sepkowski

Danny Sepkowski menyediakan gambar-gambar menarik dari laut dan ombak Hawaii. Dengan sejarah multidisiplin yang kaya, tujuannya sekarang adalah untuk mengekspresikan keindahan alam melalui lensa dan terhubung dengan orang-orang melalui planet bersama. Kami bertemu dengannya untuk berbicara melalui proses dan inspirasinya.

A: Bisakah Anda ceritakan sedikit tentang kisah belakang – bagaimana Anda memotret dan menurut Anda apa yang menarik bagi Anda untuk tumbuh tentang medium?

DS: Ketika saya masih kecil, saya ingat melihat kamera film yang orang tua saya taruh di sekitar rumah dan itu menarik perhatian saya. Saya tidak tahu bagaimana cara menggunakannya tetapi saya akan berpura-pura melakukannya! Di sekolah menengah saya membeli kamera tahan air sekali pakai dan memutuskan untuk mengeluarkannya dan mengambil beberapa gelombang. Setelah saya mengembangkan foto-foto saya terkejut melihat sudut yang saya ambil dengan pengaturan sederhana. Baru setelah lulus kuliah saya memutuskan untuk membeli DSLR. Saya magang di bawah Keoni Kitagawa dan menembak pernikahan dengannya selama beberapa tahun. Ingat kamera sekali pakai yang saya beli di sekolah menengah? Nah itu berubah menjadi obsesi. Investasi dalam pemasangan rumah air profesional mengubah hidup saya selamanya. Saya selalu menikmati “momen” istimewa itu dengan segala sesuatu dalam hidup dan itulah yang mendorong saya untuk menjadi seorang fotografer.

A: Gambar Anda pada dasarnya sangat naturalistik, mungkin berusaha menampilkan kekaguman dan keindahan dunia di sekitar kita. Mengapa Anda memilih ini sebagai subjek Anda?

DS: Ciptaan Tuhan sangat berharga bagi saya. Merupakan berkah untuk dapat mengabadikan momen di tempat yang hanya bisa diimpikan orang. Saya percaya orang dapat mengambil kehidupan begitu saja dalam masyarakat saat ini. Saya memilih pendekatan naturalistik untuk fotografi karena saya ingin orang-orang merasa seolah-olah mereka ada di sana pada saat itu. Tidak semua orang bisa berenang dengan hiu atau memukul dengan ombak setinggi 20 kaki sambil memegang Canon 1DX di satu tangan. Tuhan telah memilih saya untuk melakukan ini dan saya merasa terhormat untuk menunjukkan kepada orang-orang apa yang ditawarkan oleh dunia yang indah ini!

A: Apakah Anda pikir artis memiliki tanggung jawab terhadap apa yang mereka presentasikan? Dengan kata lain, apakah karya Anda memiliki agenda politik atau ekologi menuju keberlanjutan dan mencari masa depan planet ini?

DS: Tentu saja kami bertanggung jawab! Keahlian saya adalah fotografi bawah air dan saya tidak bisa menekankan fakta bahwa kita perlu menjaga alam ibu! Jika kita mencemari tanah dan lautan, aku tidak akan bisa mengejar mimpiku. Lebih penting lagi, spesies dan manusia akan menderita akibatnya. Setiap kali saya menembak di air, saya membersihkan semua sampah yang terlihat. Laut bukanlah milik kita jadi kita harus menjaganya tetap bersih. Apakah Anda suka jika seseorang meninggalkan sampah di seluruh rumah Anda? Tidak mengira begitu.

A: Bisakah Anda berbicara sedikit tentang proses di balik pekerjaan Anda – apakah Anda pergi mencari untuk menemukan gelombang atau matahari terbenam tertentu, atau apakah ini sesuatu yang lebih spontan?

DS: Prosesnya tidak mudah untuk jenis fotografi ini. Ibu alam melakukan apa yang diinginkannya. Saya melihat ramalan ombak serta ramalan cuaca beberapa hari sebelum saya memutuskan untuk menembak. Saya juga melihat ramalan diperpanjang terus-menerus untuk melihat apakah ada gelombang besar di jalan. Ada beberapa faktor yang perlu disejajarkan untuk mendapatkan bidikan yang sempurna. Anda membutuhkan cuaca yang baik, arah angin, arah gelombang, pencahayaan, dan air jernih untuk bidikan di bawah air. Percaya atau tidak Hawaii tidak memiliki kejelasan terbaik di kali dan itu adalah karena polusi dan air limpasan kotor. Bintang-bintang harus sejajar untuk mendapatkan bidikan yang sempurna. Ada saat-saat di mana saya tidak mendapatkan kesempatan bagus selama berminggu-minggu dan bahkan beberapa bulan. Prosesnya juga bisa spontan juga terutama ketika Anda mendapat panggilan telepon dari seorang teman yang mengatakan ombaknya memanas. Matahari terbenam juga bisa memacu cobaan saat ini. Selalu bawa kamera Anda! Inilah sebabnya saya suka fotografi jenis ini. Saya mencari cahaya terbaik dan kejelasan dalam situasi apa pun. Ketika Anda mendapatkan pukulan yang bagus, itu adalah perasaan terbaik di dunia.

Menuju Konektivitas

Di zaman di mana fotografi sedang didemokratisasi, Foam’s 2018 Talents menciptakan ikhtisar tentang dunia yang lebih luas dalam masa pergolakan dan ketakutan.

Pada 2011, untuk Frieze edisi November, kritikus Chris Wiley mencoba memahami fluks media kontemporer. “Tidak dapat dipisahkan dari sejarah fotografi adalah gagasan bahwa [itu] bertindak sebagai semacam jendela ke dunia … kaca transparan yang melaluinya kita melihat gambar.” Kita hidup di zaman mania digital. Belum pernah ada minat dalam menghasilkan foto, dari tingkat kelembagaan hingga foto orang di jalan. Jumlahnya cukup mengejutkan. Ketika artikel Wiley ditulis, pengguna Facebook mengunggah 300 juta gambar sehari, sementara yang diunggah ke Flickr dan Instagram telah meningkat di atas 11 miliar. “Segala sesuatu dan semua orang di bumi dan di luar, tampaknya, telah ditempatkan di suatu tempat di perpustakaan perwakilan Borgesian yang terus berkembang yang kami bangun sendiri,” tulisnya. “Akibatnya, kemungkinan membuat foto yang dapat mempertaruhkan klaim atas orisinalitas telah dipertanyakan secara radikal.” Namun, pada saat yang sama, kami telah berhenti mencoba memahami apa yang menggerakkan estetika seniman kontemporer paling sukses kami. . “Apa yang hilang,” tulis Wiley, “adalah dorongan untuk mengidentifikasi sekolah atau gerakan dalam praktik baru, dan keinginan untuk menyusun serangkaian prinsip umum.”

Apakah ada yang berubah dalam tujuh tahun sejak Wiley menulis karya ini? Menulis di The Guardian, Sean O ‘Hagan merujuk artikel Wiley untuk mengeksplorasi ke mana media sekarang, karena penggunaan media sosial telah mendorong kita semua lebih jauh ke wilayah yang belum dipetakan. Seperti yang ada saat ini, 350 juta gambar sehari kini diunggah ke Facebook, sementara Instagram memiliki kecepatan 95 juta gambar dan video per hari. Selain itu, ada 188 juta pengguna aktif Snapchat setiap hari. “Apakah fotografi,” tulis OHHagan, “melelahkan dirinya sendiri melalui keunikannya di mana-mana, kehilangan maknanya di zaman yang kelebihan beban yang hampir tak terbayangkan? Menghadapi aliran gambar digital yang belum pernah terjadi sebelumnya, kita harus bertanya apakah status tradisional fotografi sebagai cara mendokumentasikan dunia telah diubah secara tidak dapat dibatalkan. Apa peran yang dimainkan reportase ketika smartphone telah menjadikan kita semua jurnalis warga potensial (foto)? “Terlebih lagi, apa arti rentetan harian ini bagi mereka yang berusaha mencari nafkah, dan membangun karier, keluar dari medium?

Satu lembaga telah melakukan lebih dari yang lain untuk membantu kami memahami nuansa dari pertanyaan yang dimuat ini. Foam, museum dan majalah yang berbasis di Amsterdam, telah, sejak 2007, menyelenggarakan Foam Talent, sebuah Panggilan tahunan untuk tokoh-tokoh paling penting yang muncul di bawah usia 35 tahun. Untuk Elisa Medde, yang telah menjadi Managing Editor sejak 2012, survei tersebut, dan daftar singkatnya, adalah “bagian dari misi yang lebih besar untuk mempromosikan dan menyediakan platform bagi para praktisi muda.”

Proses ini sepenuhnya demokratis, berdasarkan pada penyerahan terbuka. Tahun ini, 20 nama dipilih dari 1.853 portofolio yang diterima dari berbagai negara seperti Korea Selatan, Somalia, Mozambik, dan Lebanon. Dari nama-nama yang dipilih dalam edisi tahun ini, artis dari Amerika, Eropa dan Jepang ditampilkan bersama China, Rusia dan Ghana.

Inisiatif ini, bagaimanapun, bukan satu-satunya survei tahunan tentang bakat yang muncul. Di Inggris, British Journal of Photography menerbitkan edisi Ones to Watch tahunan, sementara Aperture di New York sering bertema majalah di sekitar suara-suara baru dari daerah yang kurang terwakili, dengan edisi Musim Panas 2017 berjudul Platform Afrika. Namun, Foam Talent bukan sekadar karya percetakan berbasis praktisi terkemuka. Proyek ini ditambah dengan pameran, ceramah, dan program acara yang berlangsung di Amsterdam, New York, London, dan Frankfurt sepanjang tahun berikutnya. Selanjutnya, karya salah satu praktisi terpilih kemudian ditambahkan ke koleksi seni permanen Yayasan Deutsche Börse di Frankfurt, dengan semua daftar terpilih di katalog dalam daya tarik sirkulasi dan popularitas Instagram yang terus meluas.

Tapi mengapa platform ini begitu penting dalam memetakan sifat seni yang berubah? Bagaimana mereka memberi tahu kita lebih banyak tentang cara media digital mengubah persepsi kita tentang pengarsipan dan data sebagai lawan komposisi yang bermakna? Melihat setiap masalah dari tahun 2007 hingga hari ini, orang dapat merasakan bagaimana media sedang diinterogasi, dan ke arah mana media itu bergerak. Bakat Panggilan seperti ini adalah tentang memahami fotografi melalui periode perubahan.

Hari Internasional Wanita

Menurut National Museum of Women in the Arts, Washington DC, tiga museum teratas di dunia, British Museum, London, (est. 1753), Louvre, Paris, (est. 1793), dan The Metropolitan Museum of Art , New York, (est. 1870) tidak pernah memiliki sutradara wanita. Selain itu, salah satu acara seni internasional terbesar, Venice Biennale, adalah seorang demonstran dari ketidaksetaraan yang masih lazim saat ini. Pada 2009, acara ini hanya menampilkan 43% wanita, dan pada 2013, turun menjadi 26%. Pada 2014, itu adalah 33%. Dengan Biennale ke-57 mendekati Mei ini, ketidakseimbangan dalam industri sekarang lebih lazim daripada sebelumnya.

Namun terlepas dari ketidakseimbangan yang konsisten ini, ada sejumlah tokoh perempuan yang telah mengejar, mencapai, dan melampaui tujuan mereka, dan sementara kami berpikir bahwa semua perempuan hebat dan harus dipuji atas keberhasilan mereka baik secara individu maupun kolektif, mengingat Perempuan Internasional Hari, 8 Maret, kami telah memilih 10 wanita inspiratif yang telah berkontribusi pada industri kreatif yang lebih luas serta mencapai hal-hal luar biasa di bidangnya masing-masing. Daftar kami menampilkan pikiran yang cerah dan imajinasi tak terpuaskan dari wanita yang bekerja di iklim artistik kontemporer.

1. Sarah Calburn
Lahir pada tahun 1964 di Johannesburg, Sarah Calburn dengan cepat menjadi salah satu arsitek Afrika Selatan terkemuka dari generasinya, mendirikan perusahaannya sendiri pada tahun 1996 setelah menyelesaikan Magister Arsitektur oleh Penelitian di Institut Teknologi Royal Melbourne. Dia telah bekerja di Hong Kong, Sydney dan Melbourne di sejumlah proyek perumahan dan skala besar lainnya termasuk merancang Galeri MOMO di Cape Town. Dia adalah direktur program ArchitectureZA 2010 – Biennale Arsitektur Afrika Selatan pertama – yang merupakan pengembangan ikonik untuk negara ini. Dia saat ini bertugas di komite Institut Arsitektur untuk Gauteng.

2. Federica Chiocchetti
Federica Chiocchetti (lahir 1983) adalah direktur pendiri Photocaptionist, di antara sejumlah pencapaian lainnya, termasuk menjadi seorang kritikus fotografi yang rajin, kurator dan editor, sementara saat ini bekerja pada gelar PhD dalam bidang fotografi di University of Westminster. Baru-baru ini, ia telah ditunjuk sebagai kurator tamu di Festival Foto Jaipur 2017 di India. Penghargaan kuratorialnya meliputi Feminine Maskulin: On the Struggle and Fascination of Dealing with the Other Sex for Photo50 di London Art Fair. Dia juga pemenang Penghargaan Buku Fotografi Terbaik 2015 Kraszna Krausz.

3. Naomi Beckwith
Dilahirkan di Chicago pada tahun 1976, Naomi Beckwith telah berubah dari kekuatan ke kekuatan sebagai kurator. Sebelum bergabung dengan Museum Seni Kontemporer Chicago (MCA) raksasa, ia adalah kurator pendamping di The Studio Museum di Harlem dan Kuratorial Whitney Lauder di Institut Seni Kontemporer, Philadelphia. Hanya empat tahun setelah memulai perannya, ia telah membuat beberapa pameran MCA yang paling tepat waktu, termasuk komisi pahatan luar ruang besar oleh Yinka Shonibare MBE dan The Freedom Principle (2015), sebuah dokumentasi utama dan eksplorasi 1960-an Afrika-Amerika avant-garde , yang ia jalin bersama dengan Dieter Roelstraete.

4. Yayoi Kusama
Yayoi Kusama (lahir 1929) adalah seorang seniman dan penulis Jepang yang keberhasilannya tidak mengenal batas. Praktisi itu juga berkomitmen pada latihannya seperti yang dia lakukan 70 tahun yang lalu, mengukir tubuh kerja yang unik dan menakjubkan yang telah mempengaruhi jutaan orang. Berfokus pada pekerjaan titik yang rumit dan obsesif, dan bentuk dan simbol yang berulang – seperti labu ikon – Kusama telah berjuang dengan masalah kesehatan mental sepanjang hidupnya, mengatasinya melalui penciptaan pola yang tidak pernah berakhir. Dengan kisah yang luar biasa dan bahkan lebih banyak pengikut yang luar biasa, yang kini berusia 87 tahun terus membangun jalur positif dan inspirasional untuk masa depan. Dia mencatat: “Polka-dots menjadi gerakan, [mereka] adalah cara menuju tak terbatas.”

5. Marina Abramović
Marina Abramović (lahir 1946) adalah seorang seniman pertunjukan Yugoslavia yang secara konsisten menantang batas-batas tubuh sebagai sarana untuk memahami dunia. Meskipun ia dikenal karena sejumlah kolaborasi dengan mantan rekannya, Ulay, sosok itu secara tidak menyesal menjadi pionir dalam dirinya sendiri, mengundang audiens yang besar ke banyak karya kontroversial, termasuk The Artist is Present at MoMA, New York (2010) . Meliputi berbagai tema termasuk keintiman, perang, kematian, berkabung, khayalan, ilusi dan waktu, tidak ada bidang subjek yang pernah terlarang, membuka pikirannya kepada publik dan mengungkap visi yang merusak dan tidak terhalangi.

Jullia Fullerton

A: Apa yang pertama kali membuat Anda tertarik untuk membuat seri yang kontroversial seperti itu?

JF-B: Sejak laki-laki gua menghiasi dinding gua mereka, aksi seks telah menjadi bagian dari seni, primitif atau lainnya, dan terutama seni rupa. Saya tidak menganggap Undang-Undang itu sebagai hal yang sangat kontroversial, apalagi itu bukan maksud saya. Tetapi setelah mengatakan bahwa saya berkonsentrasi pada menghindari pengambilan gambar adegan yang terlalu cabul, dan gambar mungkin erotis, seperti yang saya maksudkan, tetapi tidak pornografi.

Alasan latar belakang untuk memiliki ide untuk UU ada dua. Ketika saya pertama kali terlibat dalam fotografi seni rupa, saya memotret serangkaian proyek yang berkaitan dengan perkembangan seorang gadis remaja pra-puber menjadi dewasa. Saya mengikutinya melalui berbagai tahapan dalam hidupnya – menyesuaikan diri dengan perubahan fisik dan emosional dan dalam masyarakat, hubungannya dengan lawan jenis dan jenis kelaminnya sendiri serta dengan ibunya, yang kemudian masih pengalamannya dengan cinta tak berbalas. Karya terbaru saya telah membahas komentar sosial tentang berbagai hal yang berkaitan dengan masyarakat di masa lalu dan hari ini. Saya miliki dalam The Act yang menggabungkan kedua tema ini menjadi satu. Saya telah mengembangkan perkembangan remaja kita hingga kedewasaan seksualnya dan menjalin ini dengan pandangan tentang industri seks di Inggris, atau lebih khusus lagi wanita yang terlibat di dalamnya.

Mungkin tidak ada yang lebih ekstrem saat ini daripada pemikiran wanita dalam industri seks untuk merangsang proses pemikiran kita pada aspek khusus kehidupan saat ini. Kita dikelilingi oleh jenis kelamin dalam satu atau lain bentuk – sindiran verbal, iklan, teater, film, TV, pornografi online. Saya memutuskan untuk mempertimbangkan kedua aspek seksualitas perempuan ini dalam satu proyek. UU itu lahir.

Itu ternyata menjadi proyek besar. Ini memerlukan memotret model yang menjalankan peran mereka sebagai pekerja seks dan mengambil potret mereka, serta mewawancarai mereka dan merekam “cerita” mereka dalam teks dan video. Ini bisa dianggap sebagai studi sosiologis dari segmen kecil, tetapi menantang masyarakat saat ini.

A: Bisakah Anda berbicara sedikit tentang bagaimana Anda mendekati model Anda dan bagaimana Anda memasukkannya ke dalam masing-masing komposisi mewah mereka

JF-B: Undang-undang ini tentang wanita yang menggunakan tubuh dan seksualitas mereka untuk mencari nafkah, dan bagaimana perasaan mereka tentang hal itu. Saya cukup terbiasa dengan industri seks sebelum saya mulai mengerjakan proyek dan harus melakukan banyak penelitian tentang itu. Saya tidak punya ide sedikit pun bagaimana mencari model yang bekerja di industri dan akhirnya menyewa dua sutradara casting untuk membantu saya. Kami mencari berbagai wanita yang terlibat dalam “profesi” yang berbeda karena saya merasa bahwa “cerita” mereka akan bervariasi dan akan mengatakan lebih banyak.

Saya bertemu dan memotret berbagai calon model. Kami duduk dan mengobrol dan saya belajar banyak tentang mereka, latar belakang mereka, bagaimana mereka terlibat dalam bisnis dan bagaimana perasaan mereka tentang apa yang mereka lakukan. Saya terkejut menemukan betapa berpendidikan dan mengartikulasikan mereka semua. Mereka senang dan bangga dengan apa yang mereka lakukan. Di masa lalu, karena saya belum pernah bertemu atau berbicara dengan seorang pekerja seks, saya memikirkan mereka dari dunia yang berbeda. Setelah bertemu dan berbicara dengan mereka, saya harus mengakui bahwa saya menemukan mereka sangat membumi, orang-orang yang baik, dan saya lebih berpikiran terbuka dan menerima terhadap mereka daripada sebelumnya. Sangat menarik untuk mengetahui bagaimana setiap wanita memandang dirinya sendiri.

Pada akhirnya, saya memilih lima belas wanita yang membuat saya terkesan memiliki sesuatu yang “berbeda” tentang mereka dalam hal kepribadian dan kehadiran fisik mereka. Awalnya saya pikir saya akan memotret mereka di tempat kerja mereka, tetapi kemudian merasa skenario itu harus menjadi sesuatu yang lebih istimewa. Ketika saya berbicara dengan model saya, saya menjadi lebih sadar bahwa mereka menghabiskan sebagian besar hidup mereka dan tentu saja saat mereka melakukan pekerjaan mereka berakting dan tampil, seolah-olah pada tahap kehidupan. Bagi mereka semuanya adalah kinerja. Saya ingin menunjukkan itu dan menemukan ide untuk membuat set individu untuk masing-masing, membuat mereka lebih cantik dengan cara mereka sendiri. Ini adalah pertama kalinya saya membuat set yang dibuat khusus untuk memotret orang. Saya meminta seorang pembuat set untuk membuat set untuk desain saya dan saya memilih palet warna, wallpaper dan lantai untuk masing-masing model. Saya bahkan memintanya untuk menambahkan sentuhan keaslian dengan meninggalkan ketidaksempurnaan dan kuku yang terpapar di dinding.

A: Bagaimana menurut Anda foto-foto Anda menanggapi masalah sosial yang relevan dalam masyarakat kontemporer? Apakah menurut Anda penting bagi para seniman untuk menghadapi kontroversi dan menanggapinya?

JF-B: Saya menangani masalah sosial yang menyerang saya dan saya pikir juga akan membuat seni yang bagus. Beberapa mungkin relevan dengan masyarakat saat ini, yang lain lebih historis. Blind dan Unadorned, sekarang Undang-Undang itu relevan dengan masyarakat saat ini, sedangkan In Service dan Feral Children lebih terkait dengan masalah sosial yang sebenarnya di masa lalu, tetapi dapat relevan dengan hari ini karena peristiwa masa lalu dapat mengajarkan kita tentang masalah hari ini.