Advokasi Sosial

Child’s Play menyatukan pameran foto, simposium, dan buku karya seniman Mark Neville, yang bekerja di persimpangan seni dan dokumenter. Kathleen Palmer, Kurator: Pameran & Tampilan di Foundling Museum, London, menjelaskan fungsi sosial fotografi, di samping kepentingan sosial dan rekreasi global.

A: Dari mana ide untuk pameran ini berasal, dan mengapa Anda berpikir bahwa permainan masa kecil adalah topik yang begitu penting – baik secara psikologis maupun sosial?

KP: Eksplorasi Mark Neville yang berkelanjutan atas fungsi sosial fotografi, dan penekanannya pada hasil sosial praktis untuk rakyatnya adalah hal yang wajar bagi Foundling Museum. Artis dari semua disiplin ilmu telah bekerja dengan dan mendukung Rumah Sakit Foundling sepanjang sejarahnya, dan kolaborasi dengan para seniman yang berkomitmen terhadap perubahan sosial tetap menjadi pusat dari praktik kami.

Bermain menawarkan manfaat signifikan bagi kesehatan fisik dan mental anak-anak, dan diakui dalam Konvensi PBB 1989 tentang Hak-hak Anak sebagai hak mendasar. Dalam menghadapi penghematan ruang fisik dan waktu untuk bermain anak-anak sedang diperas, tetapi ini bisa dengan mengorbankan menciptakan generasi orang dewasa dengan kesehatan yang buruk. Pada saat hingga 13 juta anak-anak terlantar secara internal sebagai akibat dari konflik bersenjata, dan ruang publik tradisional diprivatisasi, Child’s Play memperkuat tanggung jawab kami untuk memastikan bahwa anak-anak di seluruh dunia memiliki kesempatan penuh untuk bermain dan rekreasi.

A: Bagaimana Mark Neville menanggapi masalah ini?

KP: Tanggapan Neville mencakup pameran foto-fotonya, sebuah buku yang dibuat untuk penyebaran yang ditargetkan, dan simposium Space to Play. Semua memiliki satu tujuan: untuk meningkatkan kondisi bagi anak-anak untuk bermain. Pameran ini menghadirkan serangkaian foto anak-anak yang bermain di berbagai lingkungan di seluruh dunia. Ini termasuk foto yang diambil di komunitas dari Port Glasgow ke London Utara, dan di zona perang Afghanistan dan Ukraina. Gambar-gambar baru anak-anak terlantar di Ukraina; penduduk Kakuma, kamp pengungsi kedua terbesar di Kenya; dan penggambaran anak-anak yang bermain di taman bermain petualangan London, dibuat khusus untuk proyek ini.

Buku Neville menyajikan gambar-gambar dari pameran bersama dengan ikhtisar pekerjaan inovatif di bidang permainan anak-anak, untuk meningkatkan kesadaran akan pentingnya dan untuk memusatkan perhatian pada bagaimana kondisi bagi anak-anak di Inggris dapat ditingkatkan. Untuk secara langsung berdampak pada pemikiran pemerintah dan publik, Neville telah mengirimkan 700 salinan buku ini secara gratis ke perencana kota, anggota parlemen, pekerja permainan, pembentuk opini, pembuat kebijakan utama, quango, think tank, pakar lainnya di bidang ini dan untuk masing-masing dari 433 dewan lokal di Inggris. Simposium baru-baru ini berhasil menyatukan para ahli dan praktisi dari berbagai perspektif termasuk arsitektur dan desain perkotaan, organisasi dan penyedia permainan, dan psikolog untuk bertukar ide dan mengembangkan strategi bersama untuk aksi dan advokasi.

A: Bagaimana menurut Anda pameran ini meningkatkan kesadaran akan isu-isu global yang penting dan perdebatan seputar hak-hak universal?

KP: Proyek ini secara keseluruhan bertujuan untuk meningkatkan kesadaran, dan tindakan cepat untuk mengadvokasi dan mempromosikan penyediaan permainan untuk anak-anak di Inggris pada khususnya. Namun pameran ini mengambil perspektif global tentang subjek dan pentingnya permainan sebagai hak universal untuk anak-anak yang diakui oleh PBB. Neville mempertimbangkan dengan sangat hati-hati pencantuman foto-foto anak-anak yang diambil dalam konteks perang dan pemindahan di Afghanistan, Ukraina dan Kenya, dalam sebuah pameran yang berpusat pada hak anak-anak untuk bermain di Inggris. Dia menyimpulkan bahwa gambar-gambar ini penting; dalam beberapa cara mereka mengkalibrasi ulang makna dan signifikansi permainan. Mereka mengungkapkan dorongan universal untuk bermain bahkan dalam situasi yang paling menantang, dan kontribusi yang dapat dilakukan bermain untuk kemampuan anak-anak untuk mengatasi dan pulih dari trauma.

A: Mengapa Anda berpikir bahwa pertunjukan itu sangat relevan sekarang karena populasi pengungsi dan konflik bersenjata?

KP: Ini adalah masa perubahan dan ketidakpastian, dengan perubahan signifikan dalam geopolitik seperti Brexit dan arah politik baru Amerika Serikat di bawah Donald Trump. Namun sayangnya ada kesinambungan dalam konflik di Suriah, Irak, Afrika Utara dan Ukraina yang menciptakan pengungsi dan perpindahan internal dalam skala besar. Anak-anak sangat rentan dalam situasi ini, dan dimasukkannya foto-foto yang merefleksikan isu-isu global ini dalam pameran menyoroti dampaknya terhadap anak-anak dan mencerminkan pekerjaan untuk berteduh dan mendukung mereka.

Rafael Lozano

Angsuran ke-3 dari Istanbul Design Biennial terbuka untuk umum hingga 20 November, dan menjanjikan pandangan ke dalam pada sifat inheren desain dalam kehidupan kita sehari-hari. Diselenggarakan oleh Yayasan Istanbul untuk Kebudayaan dan Seni, seri tahun ini berjudul “APAKAH KITA MANUSIA?: Desain Spesies: 2 detik, 2 hari, 2 tahun, 200 tahun, 200,00 tahun”, dan mengeksplorasi hubungan intim antara “desain” dan “manusia” selama periode waktu yang membentang dari skala 200.000 tahun hingga 2 detik. Biennial dikuratori oleh Beatriz Colomina dan Mark Wigley, dan menghadirkan lebih dari 70 proyek oleh lebih dari 250 peserta, termasuk karya dari desainer, arsitek, seniman, ahli teori, koreografer, pembuat film, sejarawan dan arkeolog dari lebih dari 50 negara. Lima tempat utama menjadi tuan rumah acara tersebut; Sekolah Dasar Yunani Galata, Studio-X Istanbul dan Depo di Karaköy, Alt Art Space di bomontiada, dan Museum Arkeologi Istanbul di Sultanahmet, semuanya menambahkan karakter unik mereka sendiri ke pameran.

Colomina dan Wigely menciptakan manifesto kuratorial untuk pameran tersebut, sebuah pernyataan polemik dimana semua seniman dan perancang utama merespons untuk menciptakan hiruk-pikuk proyek, masing-masing merenungkan hubungan antara kemanusiaan dan desain. Manifesto menyatakan: “Rata-rata hari melibatkan pengalaman ribuan lapisan desain yang mencapai luar angkasa tetapi juga menjangkau jauh ke dalam tubuh dan otak kita. Desain telah menjadi dunia dan itulah yang membuat manusia. Ini adalah dasar kehidupan sosial, dari artefak pertama hingga ekspansi kemampuan manusia secara eksponensial ”.

Design Biennial tahun ini menampilkan beberapa lapisan yang tumpang tindih, yang melaluinya tema dieksplorasi, dan pengunjung diundang dan dilibatkan untuk memikirkan kembali desain. Acara ini diatur dalam empat “awan”; kelompok-kelompok itu terdiri dari: Merancang Tubuh, Merancang Planet, Merancang Kehidupan, dan Merancang Waktu.

Bagian pertama mengeksplorasi berbagai cara di mana kita dapat menganggap tubuh manusia sebagai artefak yang terus-menerus direkonstruksi, mencakup topik-topik seperti efek sepatu pada kemampuan manusia, hingga perkembangan terbaru dalam penelitian ilmu saraf pada otak manusia. Memikirkan kembali desain manusia dari wilayah dan ekologi yang luas, bagian Planet dari pameran mengundang kita untuk melihat lebih dekat pada lingkungan di sekitar kita. Designing Life melihat bentuk-bentuk baru kehidupan mekanik, elektronik, dan biologis yang sedang dibuat. Bagian terakhir dari Biennial, mengenai waktu, menyajikan jenis arkeologi baru, dan menyandingkan alat dan ornamen manusia pertama, dengan teknologi kontemporer paling progresif, seperti media sosial, yang memungkinkan manusia untuk mendesain ulang atau menciptakan kembali diri mereka dalam sebuah hitungan detik. Terlepas dari pengkategorian masing-masing proyek, divisi-divisi tersebut bukanlah batasan yang ketat, awan yang mewakili gerbang ke pemikiran yang sama dalam jaringan ide yang saling berhubungan.

Desain Dan Kemanusiaan

Angsuran ke-3 dari Istanbul Design Biennial terbuka untuk umum hingga 20 November, dan menjanjikan pandangan ke dalam pada sifat inheren desain dalam kehidupan kita sehari-hari. Diselenggarakan oleh Yayasan Istanbul untuk Kebudayaan dan Seni, seri tahun ini berjudul “APAKAH KITA MANUSIA?: Desain Spesies: 2 detik, 2 hari, 2 tahun, 200 tahun, 200,00 tahun”, dan mengeksplorasi hubungan intim antara “desain” dan “manusia” selama periode waktu yang membentang dari skala 200.000 tahun hingga 2 detik. Biennial dikuratori oleh Beatriz Colomina dan Mark Wigley, dan menghadirkan lebih dari 70 proyek oleh lebih dari 250 peserta, termasuk karya dari desainer, arsitek, seniman, ahli teori, koreografer, pembuat film, sejarawan dan arkeolog dari lebih dari 50 negara. Lima tempat utama menjadi tuan rumah acara tersebut; Sekolah Dasar Yunani Galata, Studio-X Istanbul dan Depo di Karaköy, Alt Art Space di bomontiada, dan Museum Arkeologi Istanbul di Sultanahmet, semuanya menambahkan karakter unik mereka sendiri ke pameran.

Colomina dan Wigely menciptakan manifesto kuratorial untuk pameran tersebut, sebuah pernyataan polemik dimana semua seniman dan perancang utama merespons untuk menciptakan hiruk-pikuk proyek, masing-masing merenungkan hubungan antara kemanusiaan dan desain. Manifesto menyatakan: “Rata-rata hari melibatkan pengalaman ribuan lapisan desain yang mencapai luar angkasa tetapi juga menjangkau jauh ke dalam tubuh dan otak kita. Desain telah menjadi dunia dan itulah yang membuat manusia. Ini adalah dasar kehidupan sosial, dari artefak pertama hingga ekspansi kemampuan manusia secara eksponensial ”.

Design Biennial tahun ini menampilkan beberapa lapisan yang tumpang tindih, yang melaluinya tema dieksplorasi, dan pengunjung diundang dan dilibatkan untuk memikirkan kembali desain. Acara ini diatur dalam empat “awan”; kelompok-kelompok itu terdiri dari: Merancang Tubuh, Merancang Planet, Merancang Kehidupan, dan Merancang Waktu.

Bagian pertama mengeksplorasi berbagai cara di mana kita dapat menganggap tubuh manusia sebagai artefak yang terus-menerus direkonstruksi, mencakup topik-topik seperti efek sepatu pada kemampuan manusia, hingga perkembangan terbaru dalam penelitian ilmu saraf pada otak manusia. Memikirkan kembali desain manusia dari wilayah dan ekologi yang luas, bagian Planet dari pameran mengundang kita untuk melihat lebih dekat pada lingkungan di sekitar kita. Designing Life melihat bentuk-bentuk baru kehidupan mekanik, elektronik, dan biologis yang sedang dibuat. Bagian terakhir dari Biennial, mengenai waktu, menyajikan jenis arkeologi baru, dan menyandingkan alat dan ornamen manusia pertama, dengan teknologi kontemporer paling progresif, seperti media sosial, yang memungkinkan manusia untuk mendesain ulang atau menciptakan kembali diri mereka dalam sebuah hitungan detik. Terlepas dari pengkategorian masing-masing proyek, divisi-divisi tersebut bukanlah batasan yang ketat, awan yang mewakili gerbang ke pemikiran yang sama dalam jaringan ide yang saling berhubungan.

Praktik Multi Dimensi

Somerset house adalah tempat utama untuk praktik kreatif yang menampung beberapa pameran paling inovatif di Inggris termasuk Photo London, Björk Digital, Museum Innocence, Melamun bersama Stanley Kubrick, Film4 Summer Screen dan London Design Biennale. Ini adalah pusat mapan untuk debat dan diskusi kritis, yang telah ada sejak abad ke-18, dan pameran yang akan datang di tempat ini mengeksplorasi representasi artistik dan gaya dari utara Inggris. Sementara kiasan budaya yang lazim menunjukkan bahwa London adalah ibukota kreatif utama, pameran ini berupaya menyatukan perbedaan regional dalam praktik inovatif. Dari pabrik dan pabrik di Leeds dan Manchester hingga dermaga Liverpool dan Newcastle, kota-kota utara dulunya merupakan pusat perdagangan yang menyebarkan ekonomi. Namun pergeseran global dalam proses produksi dan munculnya era teknologi, telah melihat bahwa perusahaan-perusahaan yang digerakkan oleh tenaga kerja ini menjadi mubazir.

Dikombinasikan dengan efek buruk dari perpecahan ini, Inggris bagian utara telah mengalami kesulitan yang luas. Perjuangan kota dan goyahnya kemajuan menuju penyembuhan adalah kondisi yang menumbuhkan pemikiran kreatif. Pada gilirannya, acara tersebut mempertimbangkan perbedaan-perbedaan kecil antara daerah, menyoroti bagaimana dan mengapa mereka tetap menjadi sumber inspirasi. Melalui spektrum interpretasi artistik, kita diminta untuk mempertimbangkan; jika tempat adalah keadaan pikiran, adakah satu identitas?

Fotografi, film, mode, dan karya seni multimedia lainnya membangkitkan berbagai interpretasi tentang identitas Inggris. Infinity (2017), film yang ditugaskan khusus oleh fotografer kelahiran Doncaster, Alasdair McLellan (lahir 1974), menyelidiki bagaimana tempat-tempat memanggil kenangan masa kecil tertentu. Seniman mengunjungi kembali situs masa mudanya dan membangun dialog tentang realitas kehidupan di Inggris utara. Karya ini meningkatkan pemahaman tentang bagaimana lanskap sosial dan budaya menyediakan lahan subur untuk upaya kreatif. Corinne Day (lahir 1965), seorang fotografer otodidak, mengubah pembuatan busana dengan memperkenalkan unsur-unsur biografi dan dokumenter. Karya-karya inovatif menciptakan gelombang ketidaknyamanan dalam kemampuan mereka untuk menantang status quo. Dikenal karena menjalin hubungan dekat dengan rakyatnya, Day telah menghasilkan serangkaian potret yang jujur ​​dan intim. Diary (2000) adalah catatan pribadi tentang kehidupan dan teman-temannya yang masuk ke dalam privasi kehidupan anak muda, menelanjangi seluk-beluk pertumbuhan.

Demikian pula, Shirley Baker (1932-2014) terlibat dengan dunia sehari-hari dan orang-orang biasa sebagai fotografer dokumenter sosial. Perempuan, Anak-anak, dan Pria Berkeliaran (1960-1970) memberikan wawasan tentang kemunduran perkotaan di Inggris akhir abad ke-20. Ini berfokus pada dampak sosial dari program pembersihan daerah kumuh di Manchester dan Salford. Sementara beroperasi di bawah rubrik rekonstruksi, pembongkaran perumahan dan rumah kerja menghasilkan kemiskinan dan komunitas yang berbeda. Penggambaran berpasir tentang kelas pekerja, daerah dalam kota membangkitkan ketegangan seputar pasca-industrialisasi setelah Thatcherism. Penjelajahan budaya pasca-perang mengacu pada pengamatan yang penuh kasih dan akut serta mendefinisikan visi humanis. Pertemuan fotografi Baker melibatkan penderitaan pengasuhnya dengan kehangatan dan empati. Ketika ditanya tentang gaya tanda tangannya, Shirley berkomentar: “Meskipun banyak gambar-gambar indah dari yang hebat dan terkenal, saya merasa bahwa gambar-gambar kuantum yang kurang formal sering dapat menyampaikan lebih banyak kehidupan dan semangat saat itu.”

Sebaliknya, Nick Knight mendorong fashion untuk terlibat dengan gambar bergerak di era digital, salah satu contoh yang menonjol adalah karyanya dengan musisi Islandia yang disebut, Björk. SHOWstudio.com, situs web mode pemenang penghargaan yang didirikan dan disutradarai oleh seniman pelopor, mempromosikan konten online visioner. Menyusul keberhasilan proyek besar pada budaya skinhead, Knight terus menantang prakonsepsi internasional tentang apa yang secara teknologi memungkinkan. Dengan demikian, resonansi gaya dan budaya Inggris yang luas disorot oleh inovator lebih jauh. Mulai dari parka Raf Simon yang lahir di Belgia hingga desain yang diinspirasi Hacienda oleh seniman Amerika Virgil Abloh, utara memiliki dampak yang lebih luas, dan mungkin belum pernah terjadi sebelumnya pada dunia mode secara global.