Pameran berani

Cécile Schall mendirikan fotofever lima tahun lalu. Dia didorong oleh tiga motivasi: hasrat untuk fotografi yang diceritakan oleh sejarah keluarganya selama beberapa generasi; penghormatan terhadap galeri yang mempromosikan seniman muda di pasar seni; dan keyakinan bahwa mengoleksi adalah tindakan dukungan untuk kreasi artistik. Edisi terbaru pameran ini diluncurkan pada 11 November dan berlanjut hingga 13 November dengan serangkaian proyek inovatif baru untuk mempromosikan koleksi seni kontemporer dan untuk menampilkan bakat yang muncul dalam bidang fotografi. Kami berbicara dengan Schall untuk mendapatkan wawasan lebih lanjut tentang etos fotofever.

A: Sebagai pekan fotografi independen, fotofever mengusulkan agenda yang berani dan berwawasan ke depan. Apa yang menarik Anda ke karya seniman dan apa yang akhirnya mengarahkan Anda untuk memilih galeri yang mewakili mereka untuk pameran?

CS: Hanya galeri yang dipilih untuk berpartisipasi namun kami sebagian besar memilihnya dari artis yang mereka wakili dan promosikan. Kami mengembangkan hubungan jangka panjang dengan galeri dan seniman, dengan beberapa telah menjadi bagian dari fotofever sejak awal.

Kami ingin adil menampilkan masa depan dan keragaman fotografi: Anda dapat melihat seniman muda dan yang baru muncul, sebagian besar pada tahap awal karir mereka, sebelum mereka terlihat di tempat lain. Mereka datang dari seluruh dunia dan masing-masing memiliki visi tunggal dan penggunaan fotografi!

Mereka semua telah ditemukan dan diungkapkan oleh galeri, dan mereka hanya menyajikan karya seni asli, yaitu direproduksi dalam tidak lebih dari 30 edisi terbatas dalam semua format yang disertakan.

A: Pameran ini memiliki misi pendidikan untuk meningkatkan akses ke keragaman fotografi kontemporer. Bagaimana Anda mencapai tujuan ini?

CS: Aspek pendidikan adalah sesuatu yang benar-benar penting bagi kami, untuk semua usia, anak-anak kecil hingga kolektor berpengalaman, kami tidak pernah terlalu tua atau muda untuk belajar. Untuk anak-anak ada lokakarya gratis, ‘les p’tits collectionneurs’ (kolektor kecil), ini gratis untuk anak-anak berusia 6-12 tahun, yang datang ke pameran sebagai bagian dari kunjungan keluarga. Lokakarya ini bertujuan mendidik mata mereka dengan melihat fotografi sebagai objek seni dan bukan hanya gambar, terutama dengan memperkenalkan mereka pada proses kreatif di balik karya seni fotografi.

Tahun ini kami juga telah menginvestasikan banyak ke dalam program ‘mulai mengumpulkan’ yang didedikasikan untuk promosi seni koleksi. Ini ditujukan untuk pengunjung yang telah mempertimbangkan mengumpulkan seni tetapi belum tahu harus mulai dari mana atau belum berani membeli. Setiap pengunjung akan menerima panduan kolektor 32 halaman dan akan dapat berpartisipasi dalam program tur dan pembicaraan yang kaya. Selain itu untuk membantu calon kolektor ini, tidak hanya harga karya seni yang ditandai dengan jelas di pasar malam tetapi stiker kuning ‘mulai mengumpulkan’ juga terlihat di sebelah setiap karya seni dengan harga kurang dari 5.000 Euro.

Kami ingin mendorong para pecinta seni untuk membawa gairah mereka ke tingkat berikutnya. Mengagumi karya seni adalah satu hal tetapi mengoleksi sangat penting untuk kelangsungan penciptaan seni. Dalam dunia yang semakin fokus pada komunikasi gambar, fotografi adalah titik masuk terbaik untuk pengumpulan seni, tidak hanya dari segi harga tetapi juga secara estetika.

A: Apa yang bisa dilihat pengunjung di edisi tahun ini? Apakah ada fitur baru yang harus diwaspadai?

CS: Dua fitur terbaru dan paling mencolok tahun ini akan terlihat di pintu masuk dan melalui denah lantai yang inovatif. Pintu masuk di fotofever paris 2016 telah diubah menjadi apartemen seorang kolektor. Ruang ini didedikasikan untuk apartemen konseptual di mana pengunjung dapat membuat diri mereka nyaman dan melihat bagaimana koleksi fotografi dapat bekerja di rumah. Pilihan lebih dari 50 karya seni dari peserta pameran kami, dipilih dan dikuratori oleh Stéphane Baumet, direktur Artistik fotofever, akan dipamerkan di sekitar empat tema: potret, lukisan yang masih hidup, lanskap, dan “di luar kenyataan”.

Setelah apartemen ini, pengunjung akan mengalami denah lantai yang inovatif yang terdiri dari pola zig-zag yang akan mendorong kunjungan yang lebih lancar dan terbuka, memungkinkan pertukaran yang tidak rumit dan dapat diakses antara 70 peserta pameran kami dan publik, cerminan sejati dari nilai keterbukaan nilai fotofever. .

Erwin Olaf

Setiap tahun, House of Ruinart menyoroti karya seorang seniman dan mengundang mereka untuk berkolaborasi. Tahun ini Erwin Olaf terpilih. Pada usia 57, ia sekarang menjadi fotografer dan artis yang diakui secara internasional. Pada kunjungan pertamanya ke Reims, Erwin terpesona dan terkesan oleh kedalaman dan luasnya krayon, dan memutuskan untuk berkonsentrasi pada rincian formasi alami prasejarah mereka dan jejak yang ditinggalkan oleh manusia. Karyanya dipamerkan di Pameran Seni Frieze 2016 di London. Kami bertemu dengan artis untuk mendiskusikan kemitraan dan karya yang dipamerkan.

T: Dapatkah Anda mendiskusikan gagasan kolaborasi dalam hal pekerjaan Anda sendiri dan sebagai seniman secara umum; bagaimana pengaruhnya terhadap pengembangan kreatif Anda?

EO: Itu tergantung setiap kali pada pertanyaan dan kolaborasi, tetapi ketika itu berjalan dengan baik, ketika Anda memiliki kolaborasi yang baik itu membuka pintu baru di pikiran Anda, Anda mendapatkan ide-ide baru Anda melihat secara berbeda pada pekerjaan Anda sendiri dan mereka mendorong Anda dalam arah ke arah yang tidak pernah Anda harapkan. Tetapi di sisi lain Anda juga memiliki kolaborasi yang merupakan mimpi buruk!

T: Mengapa Anda memilih untuk bekerja sama dengan House of Ruinart dan apa yang ingin Anda capai bersama?

EO: Mungkin untuk menjawab bahwa lebih baik menceritakan sebuah cerita pendek; tentu saja saya adalah seorang fotografer dari orang-orang dan situasi di mana manusia berada. Di sinilah kita mulai, ketika Ruinart meminta saya untuk merenungkan warisan mereka. Dan setengah jalan mengerjakan ide ini ternyata saya tidak suka semuanya dan saya bisa memasukkan ini ke selokan dan mulai dari awal lagi. Saya berakhir dengan fotografi abstrak berdasarkan jejak manusia atau alam yang telah ditinggalkan di ruang bawah tanah Ruinart dan mereka memungkinkan saya untuk menjelajahi bidang yang sama sekali baru bagi saya.

T: Karena banyak dari karya Anda berfokus pada detail visual dan pencahayaan, bagaimana lanskap crayères memengaruhi proses Anda untuk bekerja?

EO: Cahaya dalam seri ini cukup gelap, karena ketika saya menemukan keajaiban di ruang bawah tanah dan semua jejak itu, saya berpikir dengan baik saya harus menemukan teknik yang melakukan keadilan terhadap atmosfer di ruang bawah tanah itu sehingga saya ingin memiliki ide lampu sorot. Jadi, hanya satu lampu yang berfungsi sebagai obor, ini bagi saya agak baru, hanya untuk memiliki satu lampu, karena sebagian besar waktu saya memiliki banyak lampu di belakang kamera. Kali ini hanya satu lampu, satu kamera, dan satu asisten. Jadi cahaya ini bagi saya agak referensial.

A: Dengan 26 foto, bagaimana Anda mendekati gaya untuk karya dalam hal komposisi dan subteks?

EO: Ya saya ingin melakukan ini, ini cukup banyak foto, 26, tapi saya memilih untuk melakukan ini karena saya ingin pengunjung merasakan atmosfer ruang bawah tanah yang Anda tahu, ada ketegangan luar biasa di setiap sudut yang Anda lihat, setiap kali Anda menoleh. Ada begitu banyak hal untuk ditemukan, kadang-kadang sangat kecil, kadang-kadang sangat besar dan kadang-kadang Anda hampir kehilangan keajaiban ruang bawah tanah. Jadi saya ingin membuat sesuatu yang ketika Anda melihat semuanya bersama-sama Anda merasa seolah-olah Anda berjalan di ruang bawah tanah itu. Tentu saja waktu harus memutuskan apakah semua 26 adalah mahakarya. Tapi itu adalah satu karya seni yang harus Anda lihat, itu adalah satu hal, lihat; ini adalah satu suasana yang Anda lihat.

T: Ada apa dengan sejarah tempat yang mengundang Anda sebagai seorang seniman yang mengabadikan dan mendokumentasikan momen melalui sinematografi?

EO: Itu pertanyaan yang sangat bagus. Saya mencoba, dan saya pikir, bagi saya itu terlihat agak mudah ketika Anda bekerja dengan orang-orang, tetapi set selalu rumit dan Anda perlu banyak teknik. Pada awalnya saya merasa seolah-olah tidak memilikinya. Karena saya akan mengambil foto tembok dan berpikir “Saya memilikinya” dan kemudian saya pulang dan berpikir “hmm.” Semua itu adalah enam kunjungan yang kami bayarkan, dan setiap kali memotret lebih dari satu hari . Kemudian benar-benar menyusun menyusun semuanya, dan kemudian “tidak, saya harus kembali.” Jadi itu cukup rumit untuk dicapai, tetapi pada akhirnya saya pikir saya mencapai untuk menciptakan sesuatu yang mewakili suasana di ruang bawah tanah dan sejarah dari gudang itu.

T: Dapatkah Anda mendiskusikan gambar yang memberikan penghormatan kepada Alphonse Mucha; bagaimana artis memengaruhi pekerjaan Anda?

EO: Ya, itu film pendek yang menyertai rangkaian foto ini. Mucha banyak bekerja dengan garis-garis hitam yang kuat dari periode Art Nouveau, yang banyak bekerja dengan garis-garis hitam dan gambar komik dan itulah yang saya coba tiru dalam beberapa foto. Itu hanya titik awal dan saya meninggalkan titik awal dengan sangat cepat.

A: Karya Anda dipajang di Frieze Art Fair; Menurut Anda, bagaimana memamerkan karya di pekan seni yang bergengsi itu diterima?

EO: Itu adalah pujian untuk berada di sana dan membandingkannya dengan seni yang telah ada di sini selama sepuluh tahun dan telah dilihat sebagai karya agung. Saya tidak berani menebak saya tidak ingin menjadi hakim saya sendiri atas pekerjaan saya! Saya akan serahkan itu pada para pengunjung.

Wawasan Asia

Art Hong Kong yang kelima edisi Hong Kong menyambut 242 galeri ke Hong Kong Convention and Exhibition Center (HKCEC) dari 23 Maret hingga 25 Maret. Acara 2017 melihat peserta pameran dari 34 negara dan wilayah datang ke kota. Karya-karya mulai dari awal abad ke-20 hingga saat ini akan dipajang, dan setengah dari peserta pameran memiliki ruang di Asia dan kawasan Asia Pasifik, termasuk Jepang, Singapura, Korea Selatan, dan Taiwan – menjadikan pameran ini sebagai platform seni yang tak tertandingi dari wilayah ini. Ini membanggakan sejumlah besar galeri dari Hong Kong itu sendiri, serta daratan Cina.

Dipimpin oleh mitra UBS, acara mendatang meluas pada program tahun lalu dengan mengundang 29 galeri baru dari Asia, Eropa dan Amerika. Untuk pertama kalinya, Art Basel juga akan memperkenalkan sektor Kabinett ke pertunjukannya di Hong Kong, yang telah sukses besar di Art Basel Miami Beach. Kabinett melihat galeri menghadirkan proyek yang dikuratori secara khusus di area terpisah di dalam gerai mereka, mulai dari pertunjukan satu orang, pameran kelompok tematik, instalasi, program film / video hingga koleksi bahan sejarah seni.

Galeri sektor utama akan menampilkan 190 peserta pameran yang berspesialisasi dalam seni modern dan kontemporer dan berbagai media termasuk lukisan, patung, gambar, instalasi, fotografi, video, dan karya-karya edisi. Peserta pameran kembali setelah absen singkat termasuk Karma International, Timothy Taylor dan Galerie Daniel Templon. Sektor Galeri akan melihat Antenna Space dan Kraupa-Tuskany Zeidler menghadirkan stan bersama dalam kolaborasi yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk dua galeri muda.

Wawasan akan didedikasikan untuk proyek-proyek kuratorial oleh 27 galeri, yang delapan di antaranya benar-benar baru di pameran, dan akan menampilkan pertunjukan solo, materi sejarah, dan pameran kelompok tematik. Sektor ini menggambarkan sejarah seni Asia dengan menghadirkan karya seniman dari Asia dan wilayah Asia Pasifik. Edisi ini menampilkan pilihan karya Modern serta presentasi yang kuat dari seniman kontemporer Tiongkok. Sorotan termasuk karya-karya oleh empat anggota kelompok avant-garde Taiwan Fifth Moon.

Pada 2017, Discoveries menghadirkan pilihan pameran tunggal dan dua orang: 12 dari 25 galeri yang berpartisipasi akan menjadi barang baru bagi Art Basel Hong Kong. Pameran-pameran utama termasuk serangkaian lima lukisan digital karya Petra Cortright (lahir 1986) tentang aluminium anodisasi yang disajikan oleh Société; dan Ishu Han (lahir 1987) bermuatan politis, fotografi dan melukis memeriksa hubungan antara individu dan masyarakat di Urano.

Kolaborasi BMW dengan Art Basel untuk mendukung seniman yang baru muncul, BMW Art Journey, terbuka untuk seniman yang ditampilkan dalam sektor Discoveries di Hong Kong dan dalam sektor Posisi di Miami Beach. Artis Inggris Abigail Reynolds (lahir 1975), diwakili oleh Rokeby, yang merupakan penerima penghargaan pada 2016, tahun ini akan menghadirkan The Ruins of Time: Lost Libraries of the Silk Road sebagai puncak dari pengalamannya. Di tempat lain, sektor Encounters, yang didedikasikan untuk karya-karya dengan proporsi kelembagaan, melihat Alexie Glass-Kantor, Direktur Eksekutif Artspace, Sydney, menyusun program instalasi dan kinerja patung.

Danny Sepkowski

Danny Sepkowski menyediakan gambar-gambar menarik dari laut dan ombak Hawaii. Dengan sejarah multidisiplin yang kaya, tujuannya sekarang adalah untuk mengekspresikan keindahan alam melalui lensa dan terhubung dengan orang-orang melalui planet bersama. Kami bertemu dengannya untuk berbicara melalui proses dan inspirasinya.

A: Bisakah Anda ceritakan sedikit tentang kisah belakang – bagaimana Anda memotret dan menurut Anda apa yang menarik bagi Anda untuk tumbuh tentang medium?

DS: Ketika saya masih kecil, saya ingat melihat kamera film yang orang tua saya taruh di sekitar rumah dan itu menarik perhatian saya. Saya tidak tahu bagaimana cara menggunakannya tetapi saya akan berpura-pura melakukannya! Di sekolah menengah saya membeli kamera tahan air sekali pakai dan memutuskan untuk mengeluarkannya dan mengambil beberapa gelombang. Setelah saya mengembangkan foto-foto saya terkejut melihat sudut yang saya ambil dengan pengaturan sederhana. Baru setelah lulus kuliah saya memutuskan untuk membeli DSLR. Saya magang di bawah Keoni Kitagawa dan menembak pernikahan dengannya selama beberapa tahun. Ingat kamera sekali pakai yang saya beli di sekolah menengah? Nah itu berubah menjadi obsesi. Investasi dalam pemasangan rumah air profesional mengubah hidup saya selamanya. Saya selalu menikmati “momen” istimewa itu dengan segala sesuatu dalam hidup dan itulah yang mendorong saya untuk menjadi seorang fotografer.

A: Gambar Anda pada dasarnya sangat naturalistik, mungkin berusaha menampilkan kekaguman dan keindahan dunia di sekitar kita. Mengapa Anda memilih ini sebagai subjek Anda?

DS: Ciptaan Tuhan sangat berharga bagi saya. Merupakan berkah untuk dapat mengabadikan momen di tempat yang hanya bisa diimpikan orang. Saya percaya orang dapat mengambil kehidupan begitu saja dalam masyarakat saat ini. Saya memilih pendekatan naturalistik untuk fotografi karena saya ingin orang-orang merasa seolah-olah mereka ada di sana pada saat itu. Tidak semua orang bisa berenang dengan hiu atau memukul dengan ombak setinggi 20 kaki sambil memegang Canon 1DX di satu tangan. Tuhan telah memilih saya untuk melakukan ini dan saya merasa terhormat untuk menunjukkan kepada orang-orang apa yang ditawarkan oleh dunia yang indah ini!

A: Apakah Anda pikir artis memiliki tanggung jawab terhadap apa yang mereka presentasikan? Dengan kata lain, apakah karya Anda memiliki agenda politik atau ekologi menuju keberlanjutan dan mencari masa depan planet ini?

DS: Tentu saja kami bertanggung jawab! Keahlian saya adalah fotografi bawah air dan saya tidak bisa menekankan fakta bahwa kita perlu menjaga alam ibu! Jika kita mencemari tanah dan lautan, aku tidak akan bisa mengejar mimpiku. Lebih penting lagi, spesies dan manusia akan menderita akibatnya. Setiap kali saya menembak di air, saya membersihkan semua sampah yang terlihat. Laut bukanlah milik kita jadi kita harus menjaganya tetap bersih. Apakah Anda suka jika seseorang meninggalkan sampah di seluruh rumah Anda? Tidak mengira begitu.

A: Bisakah Anda berbicara sedikit tentang proses di balik pekerjaan Anda – apakah Anda pergi mencari untuk menemukan gelombang atau matahari terbenam tertentu, atau apakah ini sesuatu yang lebih spontan?

DS: Prosesnya tidak mudah untuk jenis fotografi ini. Ibu alam melakukan apa yang diinginkannya. Saya melihat ramalan ombak serta ramalan cuaca beberapa hari sebelum saya memutuskan untuk menembak. Saya juga melihat ramalan diperpanjang terus-menerus untuk melihat apakah ada gelombang besar di jalan. Ada beberapa faktor yang perlu disejajarkan untuk mendapatkan bidikan yang sempurna. Anda membutuhkan cuaca yang baik, arah angin, arah gelombang, pencahayaan, dan air jernih untuk bidikan di bawah air. Percaya atau tidak Hawaii tidak memiliki kejelasan terbaik di kali dan itu adalah karena polusi dan air limpasan kotor. Bintang-bintang harus sejajar untuk mendapatkan bidikan yang sempurna. Ada saat-saat di mana saya tidak mendapatkan kesempatan bagus selama berminggu-minggu dan bahkan beberapa bulan. Prosesnya juga bisa spontan juga terutama ketika Anda mendapat panggilan telepon dari seorang teman yang mengatakan ombaknya memanas. Matahari terbenam juga bisa memacu cobaan saat ini. Selalu bawa kamera Anda! Inilah sebabnya saya suka fotografi jenis ini. Saya mencari cahaya terbaik dan kejelasan dalam situasi apa pun. Ketika Anda mendapatkan pukulan yang bagus, itu adalah perasaan terbaik di dunia.

Hari Internasional Wanita

Menurut National Museum of Women in the Arts, Washington DC, tiga museum teratas di dunia, British Museum, London, (est. 1753), Louvre, Paris, (est. 1793), dan The Metropolitan Museum of Art , New York, (est. 1870) tidak pernah memiliki sutradara wanita. Selain itu, salah satu acara seni internasional terbesar, Venice Biennale, adalah seorang demonstran dari ketidaksetaraan yang masih lazim saat ini. Pada 2009, acara ini hanya menampilkan 43% wanita, dan pada 2013, turun menjadi 26%. Pada 2014, itu adalah 33%. Dengan Biennale ke-57 mendekati Mei ini, ketidakseimbangan dalam industri sekarang lebih lazim daripada sebelumnya.

Namun terlepas dari ketidakseimbangan yang konsisten ini, ada sejumlah tokoh perempuan yang telah mengejar, mencapai, dan melampaui tujuan mereka, dan sementara kami berpikir bahwa semua perempuan hebat dan harus dipuji atas keberhasilan mereka baik secara individu maupun kolektif, mengingat Perempuan Internasional Hari, 8 Maret, kami telah memilih 10 wanita inspiratif yang telah berkontribusi pada industri kreatif yang lebih luas serta mencapai hal-hal luar biasa di bidangnya masing-masing. Daftar kami menampilkan pikiran yang cerah dan imajinasi tak terpuaskan dari wanita yang bekerja di iklim artistik kontemporer.

1. Sarah Calburn
Lahir pada tahun 1964 di Johannesburg, Sarah Calburn dengan cepat menjadi salah satu arsitek Afrika Selatan terkemuka dari generasinya, mendirikan perusahaannya sendiri pada tahun 1996 setelah menyelesaikan Magister Arsitektur oleh Penelitian di Institut Teknologi Royal Melbourne. Dia telah bekerja di Hong Kong, Sydney dan Melbourne di sejumlah proyek perumahan dan skala besar lainnya termasuk merancang Galeri MOMO di Cape Town. Dia adalah direktur program ArchitectureZA 2010 – Biennale Arsitektur Afrika Selatan pertama – yang merupakan pengembangan ikonik untuk negara ini. Dia saat ini bertugas di komite Institut Arsitektur untuk Gauteng.

2. Federica Chiocchetti
Federica Chiocchetti (lahir 1983) adalah direktur pendiri Photocaptionist, di antara sejumlah pencapaian lainnya, termasuk menjadi seorang kritikus fotografi yang rajin, kurator dan editor, sementara saat ini bekerja pada gelar PhD dalam bidang fotografi di University of Westminster. Baru-baru ini, ia telah ditunjuk sebagai kurator tamu di Festival Foto Jaipur 2017 di India. Penghargaan kuratorialnya meliputi Feminine Maskulin: On the Struggle and Fascination of Dealing with the Other Sex for Photo50 di London Art Fair. Dia juga pemenang Penghargaan Buku Fotografi Terbaik 2015 Kraszna Krausz.

3. Naomi Beckwith
Dilahirkan di Chicago pada tahun 1976, Naomi Beckwith telah berubah dari kekuatan ke kekuatan sebagai kurator. Sebelum bergabung dengan Museum Seni Kontemporer Chicago (MCA) raksasa, ia adalah kurator pendamping di The Studio Museum di Harlem dan Kuratorial Whitney Lauder di Institut Seni Kontemporer, Philadelphia. Hanya empat tahun setelah memulai perannya, ia telah membuat beberapa pameran MCA yang paling tepat waktu, termasuk komisi pahatan luar ruang besar oleh Yinka Shonibare MBE dan The Freedom Principle (2015), sebuah dokumentasi utama dan eksplorasi 1960-an Afrika-Amerika avant-garde , yang ia jalin bersama dengan Dieter Roelstraete.

4. Yayoi Kusama
Yayoi Kusama (lahir 1929) adalah seorang seniman dan penulis Jepang yang keberhasilannya tidak mengenal batas. Praktisi itu juga berkomitmen pada latihannya seperti yang dia lakukan 70 tahun yang lalu, mengukir tubuh kerja yang unik dan menakjubkan yang telah mempengaruhi jutaan orang. Berfokus pada pekerjaan titik yang rumit dan obsesif, dan bentuk dan simbol yang berulang – seperti labu ikon – Kusama telah berjuang dengan masalah kesehatan mental sepanjang hidupnya, mengatasinya melalui penciptaan pola yang tidak pernah berakhir. Dengan kisah yang luar biasa dan bahkan lebih banyak pengikut yang luar biasa, yang kini berusia 87 tahun terus membangun jalur positif dan inspirasional untuk masa depan. Dia mencatat: “Polka-dots menjadi gerakan, [mereka] adalah cara menuju tak terbatas.”

5. Marina Abramović
Marina Abramović (lahir 1946) adalah seorang seniman pertunjukan Yugoslavia yang secara konsisten menantang batas-batas tubuh sebagai sarana untuk memahami dunia. Meskipun ia dikenal karena sejumlah kolaborasi dengan mantan rekannya, Ulay, sosok itu secara tidak menyesal menjadi pionir dalam dirinya sendiri, mengundang audiens yang besar ke banyak karya kontroversial, termasuk The Artist is Present at MoMA, New York (2010) . Meliputi berbagai tema termasuk keintiman, perang, kematian, berkabung, khayalan, ilusi dan waktu, tidak ada bidang subjek yang pernah terlarang, membuka pikirannya kepada publik dan mengungkap visi yang merusak dan tidak terhalangi.

Jullia Fullerton

A: Apa yang pertama kali membuat Anda tertarik untuk membuat seri yang kontroversial seperti itu?

JF-B: Sejak laki-laki gua menghiasi dinding gua mereka, aksi seks telah menjadi bagian dari seni, primitif atau lainnya, dan terutama seni rupa. Saya tidak menganggap Undang-Undang itu sebagai hal yang sangat kontroversial, apalagi itu bukan maksud saya. Tetapi setelah mengatakan bahwa saya berkonsentrasi pada menghindari pengambilan gambar adegan yang terlalu cabul, dan gambar mungkin erotis, seperti yang saya maksudkan, tetapi tidak pornografi.

Alasan latar belakang untuk memiliki ide untuk UU ada dua. Ketika saya pertama kali terlibat dalam fotografi seni rupa, saya memotret serangkaian proyek yang berkaitan dengan perkembangan seorang gadis remaja pra-puber menjadi dewasa. Saya mengikutinya melalui berbagai tahapan dalam hidupnya – menyesuaikan diri dengan perubahan fisik dan emosional dan dalam masyarakat, hubungannya dengan lawan jenis dan jenis kelaminnya sendiri serta dengan ibunya, yang kemudian masih pengalamannya dengan cinta tak berbalas. Karya terbaru saya telah membahas komentar sosial tentang berbagai hal yang berkaitan dengan masyarakat di masa lalu dan hari ini. Saya miliki dalam The Act yang menggabungkan kedua tema ini menjadi satu. Saya telah mengembangkan perkembangan remaja kita hingga kedewasaan seksualnya dan menjalin ini dengan pandangan tentang industri seks di Inggris, atau lebih khusus lagi wanita yang terlibat di dalamnya.

Mungkin tidak ada yang lebih ekstrem saat ini daripada pemikiran wanita dalam industri seks untuk merangsang proses pemikiran kita pada aspek khusus kehidupan saat ini. Kita dikelilingi oleh jenis kelamin dalam satu atau lain bentuk – sindiran verbal, iklan, teater, film, TV, pornografi online. Saya memutuskan untuk mempertimbangkan kedua aspek seksualitas perempuan ini dalam satu proyek. UU itu lahir.

Itu ternyata menjadi proyek besar. Ini memerlukan memotret model yang menjalankan peran mereka sebagai pekerja seks dan mengambil potret mereka, serta mewawancarai mereka dan merekam “cerita” mereka dalam teks dan video. Ini bisa dianggap sebagai studi sosiologis dari segmen kecil, tetapi menantang masyarakat saat ini.

A: Bisakah Anda berbicara sedikit tentang bagaimana Anda mendekati model Anda dan bagaimana Anda memasukkannya ke dalam masing-masing komposisi mewah mereka

JF-B: Undang-undang ini tentang wanita yang menggunakan tubuh dan seksualitas mereka untuk mencari nafkah, dan bagaimana perasaan mereka tentang hal itu. Saya cukup terbiasa dengan industri seks sebelum saya mulai mengerjakan proyek dan harus melakukan banyak penelitian tentang itu. Saya tidak punya ide sedikit pun bagaimana mencari model yang bekerja di industri dan akhirnya menyewa dua sutradara casting untuk membantu saya. Kami mencari berbagai wanita yang terlibat dalam “profesi” yang berbeda karena saya merasa bahwa “cerita” mereka akan bervariasi dan akan mengatakan lebih banyak.

Saya bertemu dan memotret berbagai calon model. Kami duduk dan mengobrol dan saya belajar banyak tentang mereka, latar belakang mereka, bagaimana mereka terlibat dalam bisnis dan bagaimana perasaan mereka tentang apa yang mereka lakukan. Saya terkejut menemukan betapa berpendidikan dan mengartikulasikan mereka semua. Mereka senang dan bangga dengan apa yang mereka lakukan. Di masa lalu, karena saya belum pernah bertemu atau berbicara dengan seorang pekerja seks, saya memikirkan mereka dari dunia yang berbeda. Setelah bertemu dan berbicara dengan mereka, saya harus mengakui bahwa saya menemukan mereka sangat membumi, orang-orang yang baik, dan saya lebih berpikiran terbuka dan menerima terhadap mereka daripada sebelumnya. Sangat menarik untuk mengetahui bagaimana setiap wanita memandang dirinya sendiri.

Pada akhirnya, saya memilih lima belas wanita yang membuat saya terkesan memiliki sesuatu yang “berbeda” tentang mereka dalam hal kepribadian dan kehadiran fisik mereka. Awalnya saya pikir saya akan memotret mereka di tempat kerja mereka, tetapi kemudian merasa skenario itu harus menjadi sesuatu yang lebih istimewa. Ketika saya berbicara dengan model saya, saya menjadi lebih sadar bahwa mereka menghabiskan sebagian besar hidup mereka dan tentu saja saat mereka melakukan pekerjaan mereka berakting dan tampil, seolah-olah pada tahap kehidupan. Bagi mereka semuanya adalah kinerja. Saya ingin menunjukkan itu dan menemukan ide untuk membuat set individu untuk masing-masing, membuat mereka lebih cantik dengan cara mereka sendiri. Ini adalah pertama kalinya saya membuat set yang dibuat khusus untuk memotret orang. Saya meminta seorang pembuat set untuk membuat set untuk desain saya dan saya memilih palet warna, wallpaper dan lantai untuk masing-masing model. Saya bahkan memintanya untuk menambahkan sentuhan keaslian dengan meninggalkan ketidaksempurnaan dan kuku yang terpapar di dinding.

A: Bagaimana menurut Anda foto-foto Anda menanggapi masalah sosial yang relevan dalam masyarakat kontemporer? Apakah menurut Anda penting bagi para seniman untuk menghadapi kontroversi dan menanggapinya?

JF-B: Saya menangani masalah sosial yang menyerang saya dan saya pikir juga akan membuat seni yang bagus. Beberapa mungkin relevan dengan masyarakat saat ini, yang lain lebih historis. Blind dan Unadorned, sekarang Undang-Undang itu relevan dengan masyarakat saat ini, sedangkan In Service dan Feral Children lebih terkait dengan masalah sosial yang sebenarnya di masa lalu, tetapi dapat relevan dengan hari ini karena peristiwa masa lalu dapat mengajarkan kita tentang masalah hari ini.

Tampil untuk kamera

Tate Modern akan meneliti hubungan antara fotografi dan kinerja, dari penemuan fotografi di abad ke-19 hingga budaya selfie saat ini di Performing for the Camera. Menyatukan lebih dari 500 gambar selama 150 tahun, pameran ini akan melibatkan bisnis seni dan kinerja yang serius, serta humor dan improvisasi berpose untuk kamera.

Pameran dimulai dengan mempertimbangkan dokumentasi karya kinerja penting seperti Anthropometrie de l’epoque biru karya Yves Klein, 1960, acara melukis langsung menggunakan tubuh wanita telanjang, serta pertunjukan kunci 60-an oleh Yayoi Kusama, Eleanor Antin dan Niki de Saint Phalle. Dengan menggambar koleksi gambar Tate yang luas oleh Harry Shunk dan János Kender, dua fotografer paling penting yang pernah bekerja dengan pertunjukan, pameran ini akan menampilkan gambar-gambar ikonik dan banyak studi yang jarang terlihat, termasuk yang mengungkap bagaimana letak foto Yap Klein yang terkenal melompat ke dalam Void (1960) dibuat.

Dengan memetakan bagaimana para pelaku dan fotografer juga bekerja secara kolaboratif, pameran akan memeriksa pertunjukan yang terjadi semata-mata untuk kamera. Dimulai dengan beberapa karya paling awal dalam pameran, foto-foto dari studio Nadar di abad ke-19 di Paris menunjukkan seniman pantomim Charles Deburau berperan sebagai karakter Pierrot. Gambar fotografi kemudian menjadi arena di mana untuk bertindak, berbeda dari panggung langsung, dalam karya-karya seniman seperti Charles Ray, Carolee Schneemann dan Erwin Wurm.

Seniman-seniman ini sering tampil untuk kamera mereka sendiri, baik secara fisik seperti dalam Face Painting – Floor, White Line 1972 karya Paul McCarthy atau lebih secara konseptual melalui gagasan citra diri dan fantasi seperti dalam karya Boris Mikhailov. Konstruksi identitas diri dan berpose akan dieksplorasi melalui karya-karya Claude Cahun, Marcel Duchamp dan Cindy Sherman, serta proyek-proyek yang lebih baru seperti Samuel Fosso’s African Spirits 2008, di mana seniman memotret dirinya dengan kedok tokoh-tokoh ikonik seperti Martin Luther Raja Jr dan Miles Davis.

Pameran ini akan melihat pendekatan performatif yang diambil untuk potret diri oleh seniman seperti Lee Friedlander, Masahisa Fukase dan Hannah Wilke. Identitas dan citra diri juga penting bagi seniman seperti Jeff Koons dan Andy Warhol dalam foto pemasaran dan promosi mereka sendiri, dan dalam karya yang lebih menyenangkan seperti Kartu Perdagangan Fotografer Baseball Mike Mandel 1974 di mana fotografer berpose sebagai pemain baseball yang “dapat dikoleksi”. Dunia media sosial akan dibahas dalam karya kunci terbaru yang dipentaskan di Instagram oleh Amalia Ulman. Performing for the Camera tidak hanya akan menunjukkan bahwa fotografi selalu performatif, tetapi banyak seni pertunjukan secara inheren fotografis.

Wawancara dengan Simon Baker

Didirikan pada tahun 1970, Les Rencontres d’Arles adalah festival fotografi musim panas dengan lebih dari 60 pameran yang dipasang di sejumlah situs warisan bersejarah kota Prancis yang luar biasa. Seringkali diproduksi bersama dengan museum dan institusi Perancis dan asing, pertunjukan ini menawarkan kesempatan utama untuk merefleksikan praktik fotografi kontemporer. Tahun ini, festival ini memperhatikan delapan fotografer Jepang dalam Bahasa Lain. Terdiri dari lebih dari 200 cetakan, baik vintage maupun kontemporer, pameran ini menyajikan karya-karya yang sebelumnya tidak terlihat oleh para praktisi terkenal seperti Eikoh Hosoe dan Daido Moriyama, dan juga oleh tokoh-tokoh bersejarah yang kurang dikenal seperti Kou Inose dan Masahisa Fukase. Kami berbicara dengan Simon Baker, Kurator Fotografi dan Seni Internasional di Tate, tentang pertunjukan tersebut, yang berupaya memberi penerangan baru tentang fotografi di Jepang dari tahun 1960-an hingga saat ini.

A: Apa khususnya yang Anda yakini membuat karya fotografer Jepang begitu kompatibel dengan Les Rencontres d’Arles?

SB: Ya, ide di balik Bahasa Lain adalah untuk menyajikan hal-hal yang belum pernah ditampilkan di Eropa, jadi kami memilih karya dari 8 fotografer Jepang yang belum pernah ditampilkan sebelumnya. Kami tidak secara khusus mencoba mengatakan bahwa fotografi Jepang adalah Arles, tetapi ini adalah hal-hal yang benar-benar dinikmati oleh pengunjung Arles dan yang tidak akan mereka lihat sebelumnya. Idenya adalah untuk mengikuti pameran yang terjadi di New York pada tahun 70-an, yang merupakan pertunjukan besar pertama pekerjaan Jepang di luar Jepang. Kami mengambil ide dan pemikiran ini, seperti apa rasanya sekarang untuk mencoba dan menemukan banyak karya yang belum pernah dilihat sebelumnya dan membuat pertunjukan? Kami kembali ke pameran orisinal di New York, jadi beberapa fotografer adalah yang sama yang ditunjukkan kemudian, beberapa dari mereka berbeda, beberapa dari mereka menjadi sangat terkenal, seperti Moriyama dan Hosoe. Yang lain yang ada di pertunjukan pertama di New York itu, dengan cara, menghilang, jadi bagus untuk mempertimbangkannya lagi sekarang, 40 tahun kemudian.

A: Dapatkah Anda mendiskusikan pengalaman Anda dalam membuat pertunjukan karya fotografi yang sebagian besar tidak terlihat di Eropa sebelumnya? Sebagai seorang kurator, bagaimana menurut Anda setiap budaya merespons seni kontemporer secara berbeda?

SB: Saya pikir beberapa karya yang kami tampilkan terlihat seperti hal yang diharapkan penonton kami dari Jepang – fotografi jalanan hitam putih dan sebagainya. Hal-hal lain terlihat sangat berbeda dan sesuai dengan hal-hal yang merupakan pertanyaan dan minat yang lebih luas saat ini. Ada dua seri, oleh Hosoe dan Fukase, yang benar-benar performatif. Saya pikir pertunjukan adalah sesuatu yang sangat menarik saat ini dalam seni secara umum, bukan hanya dalam fotografi, jadi cukup bagus untuk dapat berkembang dan menjangkau berbagai jenis minat. Itu adalah sesuatu yang coba dilakukan oleh direktur baru Arles; ada pertunjukan yang terhubung dengan musik, ada pertunjukan yang terhubung dengan arsitektur, dan ada berbagai jenis koneksi antara fotografi dan media lainnya – yang saya pikir sangat penting. Dalam hal mengatur acara di Arles, yang kami coba lakukan adalah membuat instalasi setiap karya seniman terlihat berbeda. Kami punya beberapa garis cetakan klasik kecil yang sangat klasik, seperti yang Anda bayangkan, akan ditampilkan di masa lalu, lalu kotak-kotak lain yang sangat besar, dirancang oleh seniman untuk mengisi ruang. Anda mendapatkan gagasan bahwa fotografi dapat memiliki banyak format berbeda serta banyak subjek berbeda dan banyak pendekatan berbeda.

A: Bahasa Lain menampilkan karya para praktisi terkenal di samping gambar oleh tokoh-tokoh yang kurang dikenal. Apakah ada bagian tertentu yang harus diperhatikan oleh audiens?

SB: Hal-hal yang akan menarik akan menarik bagi orang yang berbeda karena berbagai alasan. Serial Hosoe sangat mirip dengan karyanya yang lain, tetapi belum pernah terlihat. Untuk seorang fotografer terkenal, seperti Hosoe, memiliki tubuh karya yang belum pernah dilihat di Eropa sebelumnya benar-benar menakjubkan, dan hal yang sama dapat dikatakan untuk Moriyama. Dua fotografer yang sangat terkenal yang kami sertakan memiliki banyak penggemar, yang akan langsung melihat bagian-bagian itu. Tetapi bagi saya ada beberapa penemuan baru yang hebat. Karya Kou Inose telah menarik banyak perhatian. Tidak terlalu banyak potongan, sekitar 10 atau 12 cetakan, tetapi mereka benar-benar luar biasa. Saya berjalan-jalan di sekitar pertunjukan bersama Stephen Shore dan dia berkata, “siapa orang ini? Dia luar biasa. Bagaimana kita tidak tahu tentang dia? ”Bagian lain yang menonjol adalah rangkaian karya Fukase dari istrinya, yang telah diterbitkan sejak lama dan sejak saat itu tidak pernah benar-benar terlihat. Dia memotretnya setiap hari dari jendela saat dia sedang bekerja, dan kadang-kadang dia melihat ke arahnya dan menarik wajah. Dia terlihat sangat kesal pada beberapa dari mereka, dan pada yang lain dia memberinya senyum yang indah. Kami telah menampilkan karya-karya dalam satu baris, sehingga Anda dapat benar-benar melihatnya mengubah ekspresi dari hari ke hari.

Wawancara dengan Sarah Tuck

Setelah Perjanjian: Fotografi Kontemporer di Irlandia Utara mengacu pada percakapan yang dipicu oleh foto-foto John Duncan, Kai Olaf Hesse, Mary McIntyre, David Farrell, Paul Far- wright dan Malcolm Craig Gilbert, untuk melacak beberapa keraguan dan kompulsi yang membentuk interpretasi. dan makna setelah Perjanjian Jumat Agung 1998. Mencakup tema Spectrality dan Urbanism, Place as Archive dan Between Memory and Mourning, publikasi ini membingkai foto-foto sebagai ruang agonis di mana makna pasca-konflik dan pasca-Perjanjian dibuka untuk diperdebatkan. Kami berbicara dengan editor dan praktisi budaya Sarah Tuck tentang penelitiannya yang melibatkan masyarakat dan inspirasi di balik eksplorasi fotografi yang kritis ini di Belfast.

A: After the Agreement adalah survei fotografi kontemporer di Irlandia setelah Good Friday Agreement tahun 1998. Bagaimana publikasi ini membahas tema kompleks yang terkait dengan waktu?

ST: Publikasi adalah transkripsi percakapan yang diminta oleh foto-foto, di mana arti dari Perjanjian pasca adalah subjek dan objek penyelidikan dan kontestasi. Oleh karena itu, ini adalah proses yang berbicara dan menanggapi konteks pasca Perjanjian dan juga berbicara tentang dan menanggapi waktu foto yang kompleks.

J: Koleksi ini mengungkapkan kisah kehidupan yang intim di Irlandia pada akhir 1980-an dan awal 1990-an. Apa yang membuat Anda tertarik pada karya John Duncan, Kai Olaf Hesse, dan fotografer unggulan lainnya?

ST: Saya akan menyarankan bahwa publikasi terutama mengungkapkan akun sekarang – sejauh ini memberikan titik tumpu dari mana masa lalu diingat dan dilupakan, dan masa depan dibayangkan dan diantisipasi. Pasangan fotografer – John Duncan dan Kai Olaf Hesse; Mary McIntyre dan David Farrell; Paul Seawright dan Malcolm Craig Gilbert – menanggapi pertanyaan kuratorial mengenai tema Spectrality and Urbanism, Place as Archive, dan Between Memory and Mourning. Dengan demikian, karya fotografer unggulan memberikan perspektif yang berbeda tentang waktu dan tempat Irlandia Utara yang membuka ke pemeriksaan yang lebih luas tentang masalah wilayah, identitas dan subjektivitas.

A: Praktek Anda mengorientasikan diri di sekitar penelitian mendalam dan proyek yang melibatkan sosial. Menurut Anda, bagaimana hal ini dibandingkan dengan praktik berbasis proses yang lebih tradisional seperti patung?

ST: Saya tertarik pada apa yang muncul ketika narasi dan strategi visual yang berbeda dihubungkan, ketika afiliasi disiplin baru terbentuk. Pertanyaan tentang bentuk-bentuk pengetahuan apa yang dikatalisasi melalui penyelidikan dan pengalaman kolaboratif merupakan inti dari praktik saya – yang berupaya melacak bagaimana makna dihasilkan secara budaya dan sosial. Jadi, dalam banyak hal, praktik saya adalah tentang dramaturgi diskontinuitas dan ketidaksepakatan, alih-alih konstruksi sudut pandang yang lebih cenderung ke arah praktik tradisional seperti patung.

A: Mengapa karya seni kolaboratif menarik bagi Anda, dan siapa yang pernah bekerja dengan Anda di masa lalu?

ST: Karya seni kolaboratif memberikan ruang lingkup dan potensi untuk sejarah spesifik konteks untuk dipertanyakan, dieksplorasi dan diperiksa. Saya sebelumnya adalah Direktur Buat, agen pembangunan nasional untuk seni kolaboratif di Republik Irlandia. Selama bekerja dengan Create, ada proyek luar biasa yang diwujudkan dengan komunitas yang menarik dan tempat serta berbagai bentuk seni – terutama Hotel Ballymun milik Seamus Nolan yang membuka hotel sementara yang ‘dikelola’ oleh penduduk setempat di sebuah blok menara yang ditandai untuk dihancurkan, menyediakan komentar kritis tentang regenerasi dan pariwisata kemiskinan; Investigasi Sean Lynch mengenai kualitas co-temporal tempat Clanbrassil Street di Dublin dan Rhona Byrne yang dikenal, dilupakan dan dikenang di rumah proyek yang memfasilitasi ekspresi keinginan dan harapan untuk masa depan melalui jalur penerbangan pulang dari merpati pos ke sebuah komunitas.

Realisme Imajiner

Salah satu fotografer kontemporer yang paling menarik dan khas, Roger Ballen yang lahir di New York (lahir 1950) telah tinggal di Afrika Selatan sejak pindah ke sana pada tahun 1970-an. Dengan ibunya yang dipekerjakan sebagai editor di agensi fotografi Magnum, Ballen tumbuh dikelilingi oleh fotografi dokumenter dan mulai mendokumentasikan Afrika Selatan segera setelah dia tiba, melalui gambar-gambar menawan dari elemen-elemen yang terpinggirkan dalam masyarakatnya. Dalam beberapa hal, ini adalah tugas fotografi yang tidak pernah ditinggalkan Ballen. Karyanya dapat ditemukan di sejumlah buku dan koleksi di lebih dari 20 museum di seluruh dunia, termasuk MoMA di New York, Pompidou di Paris dan V&A di London. Diakui sebagai fotografer dokumenter, label yang ditempatkan pada praktiknya pada 1980-an dan 1990-an ketika ia menangkap jiwa desa-desa pedesaan Afrika Selatan, karya Ballen dari dekade terakhir melampaui identitasnya yang diketahui. Pameran terbarunya di Manchester Art Gallery, Shadow Land, mengungkap jangkauan, ruang lingkup, dan tujuan artistik dari proyek terbarunya, yang telah secara mendalam mengubah karyanya menjadi salah satu tubuh fotografi kontemporer yang paling ambisius, energik, dan sureal saat ini: yang membakar dan meresahkan eksplorasi sisi gelap jiwa manusia.

Untuk semua intensitas gelapnya, pekerjaan Ballen pada dasarnya menyenangkan dan gembira. Ada sesuatu yang hampir kartun tentang palu kawat berduri lebat di atas kepala yang menyusut dalam foto Ballen, Twirling Wires (2001). Dipotret dengan kerenyahan khas Ballen, fokus, dan kurangnya kekacauan, gambar itu langsung dan kompleks secara misterius. Terbungkus selimut dan meringkuk di bawah struktur seolah-olah dari beberapa kekacauan batin, ekspresi wajah sosok itu berada di suatu tempat antara rasa takut dan heran, kaget dan kagum. Seolah-olah dia sebagian mengagumi keindahan, dan gemetar ketakutan dari, kerumitan patung kawat di atas. Secara teatrikal menggambarkan proyeksi psikologi batin ke luar, foto itu sendiri juga merupakan proyeksi dari bentuk psikologi batin yang sama rumitnya ke luar ke sebuah benda seni. Seperti banyak foto Ballen, konsep waktu sangat penting untuk efek Twirling Wires yang aneh dan meresahkan. Terpisah dari logika sebab dan akibat yang biasa, gambar-gambar Ballen tampaknya terjadi di zona panggung mereka sendiri, jauh dari realisme kronologis.

Termasuk dalam Shadow Land adalah foto-foto dari tiga dekade hasil artistik Ballen, mengumpulkan karya dari periode 1983-2011. Seperti yang dikomentari Ballen sendiri, pameran ini memberikan peluang menarik untuk mengeksplorasi cara-cara praktiknya berkembang pada periode itu. Di satu sisi, bentuk karya Ballen tetap sangat konsisten selama tiga dekade ia mengambil foto. Karyanya ditandai oleh penggunaan analog, film Rolleiflex, bahkan dalam menghadapi pemindahan massa ke fotografi digital. Pada 2009, Ballen berkomentar: “Saya berasal dari generasi film dan saya berkomitmen untuk fotografi hitam putih. Saya benar-benar generasi terakhir yang tumbuh dengan warna hitam dan putih; siapa yang mendalami media itu dan akan melanjutkan di media itu. Apa yang Anda lihat adalah akhir dari fotografi film hitam putih. Dalam beberapa hal, ini mengecewakan. Tapi apa yang bisa kamu lakukan? Anda hanya harus fokus pada apa yang Anda lakukan dan melakukannya dengan baik. Anda tidak dapat mengontrol orang lain. Ketika jantungku berdetak, 6 miliar jantung lainnya berdetak. Itu hanya bola kecil kecil di alam semesta. ”Namun, dalam arti lain, karya Ballen telah berkembang pesat dalam rentang waktu pameran.

Karya awal Ballen dikumpulkan dalam buku Platteland (1994), koleksi potret-potret pedesaan Afrika Selatan yang menyedihkan. Di Sersan F de Bruin, Pegawai Departemen Penjara, Orange Free State (1992), seorang sersan berseragam berdiri di depan papan putih-lepas yang monoton dari dinding eksterior berpanel dan dicat. Berlari di belakang kepalanya adalah kabel atau kawat yang seolah-olah sedang memotong kepala pejabat pemerintah. Demikian pula, Ny J J Joubert dan anjing Dinky in Bedroom, Central Cape (1990) menunjukkan seorang wanita dalam gaun putih longgar atau gaun tidur dengan anjingnya di kakinya. Berdiri di dinding putih bermotif yang terkelupas dengan buruk di bagian bawah, mata tertarik pada kontras yang sama antara dinding putih dan kerusakan keabu-abuan serta gaun putih dan tas besar di bawah mata wanita itu. Sementara gambar-gambar ini disusun secara rumit dan halus, fokus mereka adalah pada penggambaran dan dokumentasi sosial.